Rox et Rouky

• Golden Screens 1982

• Saturn Awards 1982 : Meilleur film fantastique
• Young Artist Awards 1982 : Meilleur film
• Grammy Awards 1982 : Meilleur album pour enfants[10].

• États-Unis : 25 mars 1988
• Suède : 26 novembre 1988, 28 juillet 1995
• Allemagne de l'ouest : 1^er décembre 1988
• France : 7 décembre 1988
• Italie : 9 décembre 1988
• Australie : 15 juin 1989, 4 avril 1996, 13 juin 2001
• Danemark : 30 juin 1995
• Royaume-Uni : 21 juillet 1995
• Suède : 28 juillet 1995
• Portugal : 1^er septembre 1995

Au début des années 1970, les Neuf Sages de Disney deviennent de plus en plus vieux et sont ne plus actifs sur les productions tout comme leurs collègues aussi méritants qui ont permis de construire le catalogue du studio Disney[12]. Le studio lance alors un programme de formation d'une nouvelle génération qui sera par la suite fusionné avec le California Institute of the Arts[12]. Quelques animateurs et artistes d'animation sont appelés pour former une nouvelle génération d'animateurs, Melvin Shaw est ainsi recruté en 1974[13]. Le film Les Aventures de Bernard et Bianca est produit avec les trois derniers Neuf Sages encore actifs, Frank Thomas, Ollie Johnston et Milt Kahl[12].

Don Bluth en 2006.

Parmi la nouvelle génération d'animateurs, le plus remarqué est Don Bluth qui se voit accorder la réalisation du moyen métrage Le Petit Âne de Bethléem (1978) avec seulement de jeunes animateurs[12]. Durant la production des Aventures de Bernard et Bianca, un groupe d'animateurs se voit confier un projet intitulé Rox et Rouky[14]. Don Bluth responsable du film prend cela pour un camouflet dans son ascension hiérarchique et convainc ses proches collaborateurs dont John Pomeroy de démissionner à partir 13 septembre 1979[14] - [15]. Il parvient à regrouper 17 personnes avec lui[16]. Ce départ, que Leonard Maltin qualifie d'exode, est une source importante d'embarras pour le studio à l'époque ayant était massivement couvert par la presse[15] - [17]. Maltin précise que ce sont sept animateurs et quatre assistants animateurs[15].

Don Bluth crée son propre studio d'animation concurrent Don Bluth Productions et lance la production de Brisby et le Secret de NIMH (1982)[16] - [15]. Parmi les autres animateurs partis on peut aussi citer Gary Goldman et John Pomeroy, mécontents de la qualité des productions du moment de Disney[9]. Le groupe démissionnaire reproche au studio de ne plus faire de l'animation comme à son âge d'or[9] - [15]. La plupart des films de Bluth est produite avec l'intention de démontrer comment les longs métrages d'animation devraient être, mais selon Mark Arnold ils ont des lacunes [16]. Ces départs d'animateurs retardent le début de la production du film d'un an qui commence donc en 1977[9]. La sortie du film initialement prévue pour Noël 1980 est donc repoussée pour l'été 1981[15].

Le film est une adaptation de la nouvelle de Daniel P. Mannix Le Renard et le Chien courant (1967)[9] et publié en France en 1978[18]. L'histoire retrace la vie du chien Copper et du renard Tod[19]. Ceux-ci deviennent amis durant l'enfance avant de devenir ennemis à l'âge adulte sous le joug des hommes qui les montent l'un contre l'autre[15] - [19]. Wolfgang Reitherman est crédité de l'idée de faire ce film car il avait lu cette histoire à son fils qui avait un chien roux[5]. Cette méthode de proposition de film est similaire à celle en vigueur quand Walt Disney était encore vivant[5]. Le titre anglais du film The Fox and the Hound a faillit être au pluriel The Fox and the Hounds mais le personnage de Chef est par la suite passé de plus en plus en second plan[19].

La production du film commence au printemps 1977[9] - [16], avant la sortie du film Les Aventures de Bernard et Bianca. Wolfgang Reitherman devait au départ être le réalisateur du film au côté d'Art Stevens. Mais les séquences clés du film provoque les disputes entre les réalisateurs et le producteur Ron Miller soutenant Stevens. Miller demande à Reitherman de laisser la place à la nouvelle équipe, mais Reitherman refuse en raison d'un manque de confiance avec les jeunes animateurs. Ted Berman et le jeune Richard Rich réalisent finalement le film au côté d'Art Stevens. C'est donc un projet américain avec une équipe en grande partie composée d'une nouveau groupe de réalisateurs et d'artistes[20].

L'apparente sérénité à l'écran cache des tensions en coulisses[21]. À l'origine, l'histoire était bien plus sombre dans le roman que dans le film, ne comportant même aucune fin heureuse (« happy end »)[21]. À la fin du roman, Rox tue Chef puis, poursuivi par Rouky, meurt d'épuisement avant d'être achevé par le maître de Rouky. Une des principales questions concerne la survie ou non de Chef[21]. Ollie Johnston a esquissé la scène où Chef demande de l'aide, cherchant de la pitié auprès de son maître, dessins qui selon Earl Kress ont tellement plu que l'équipe s'est refusé de faire disparaître le personnage[21]. La scène finale est construite de manière que le spectateur n'ait pas le temps de croire à la mort de Chef, blessé et gisant dans l'eau mais qui bouge presque tout de suite[21]. Rouky n'a donc aucune motivation pour nourrir une haine envers Rox ou envisager une revanche[21]. Art Stevens précise que le studio Disney n'avait jamais tué un personnage de premier plan et personne n'imaginait à l'époque ce genre d'innovation[21]. Ne souhaitant pas provoquer la sensibilité des enfants, Disney décide d'adoucir la fin de l'histoire notamment en gardant tous ses protagonistes en vie[21]. Chef s'en sort avec une patte cassée, renversé par un train, et Rouky empêche son maître Amos Slade d'abattre Rox[21]. Slade renonce à son acte et rentre chez lui avec Rouky[21].

Une séquence imaginée par Wollie Reitherman devait inclure Rox et une grue un peu folle dont la voix devait être prêtée par la chanteuse Charo[21]. Une chanson a été enregistrée, la piste vocale aussi, quelques vidéos de référence et un storyboard ont été produits[21]. Selon Steve Hulett, un conflit entre Reitherman et Art Stevens est apparu au sujet du ton de cette séquence que Stevens considérait comme inadapté au film[21]. Stevens a été soutenu par Ron Miller qui insisté sur le fait que Reitherman avait plus de 70 ans[21]. Pour résoudre le problème, Miller a confié à Reitherman la production d'une adaptation de la série Catfish Bend de Ben Lucien Burman (en)[21], une production inachevée. Mais les tensions n'ont pas disparues et c'est après cet épisode que Bon Bluth est son équipe ont quitté le navire[21].

La production du film marque une étape charnière dans l'histoire des studios Disney. C'est le dernier film auquel ont participé trois des Neuf Sages de Disney, les animateurs légendaires de Disney : Frank Thomas, Ollie Johnston et Wolfgang Reitherman[9], ce dernier abandonnant la réalisation pour la production. Au sein du studio, tout le monde sait que les anciens animateurs doivent partir à la retraite durant la production[22]. Les trois animateurs ont entamé la production et ont ensuite transmis le projet à de nouveaux animateurs[22]. Thomas et Johnston prennent leur retraite en 1978[23] et Reitherman en 1980[24], mais ils restent comme consultant sur le projet. Bob Thomas précise que Thomas et Johnston ont développé les personnages et animé une séquence avant de partir à la retraite[25]. Par la suite ce projet de film totalement américain [pour le thème et les lieux] est géré par une nouvelle équipe des réalisateurs et artistes[20].

L'animateur Glen Keane fait ses premiers pas à la supervision de l'animation tandis que Ron Clements et John Musker partagent leurs points de vues[22]. Parmi les animateurs du film se trouve le jeune Tim Burton, âgé de 22 ans à l'époque.

La production du film a nécessité quatre ans, environ 360 000 dessins, 110 000 cellulos, 1 100 décors, et 180 personnes dont 24 animateurs[9] - [26].

Frank Thomas explique en 1981 lors d'un entretien pour Rox et Rouky qu'il y a une forme de délicatesse dans le squelette d'un renard et qu'une fois que vous voyez cela les dessins deviennent comme un renard[27].

L'animation réutilise des éléments de Bambi (1942) pour la séquence de l'orage (deux familles de canards et de cailles cherchent un abri) et de Merlin l'Enchanteur (1963) quand Moustique et Merlin sont transformés en écureuils.

En 1981, alors que la production de Rox et Rouky s'achève, le projet Chantecler reprend vie avec pour objectif d'être finalisé et diffusé après la sortie de Rox et Rouky mais il est rapidement stoppé au profit de Taram et le Chaudron magique (1985)[28].

Dans les années 1960 et 1970, les animateurs de Disney ont conçu les personnages à partir des voix des acteurs mais dans les années 1980, les nouveaux animateurs repartent aux sources, sans l'inspiration d'une vedette[29]. Le développement des personnages est assuré par Frank Thomas et Ollie Johnston mais c'est la nouvelle équipe qui assure l'animation[5]. Pour s'assurer du réalisme des animaux, les animateurs utilisent des vidéos extraites de documentaires animaliers comme Le Roi des grizzlis (1970) pour la scène du combat d'ours[5]. Toutefois ils font une exception pour le personnage de Big Mama[29].

Un renard roux dans la neige

Un chien de chasse Saint-Hubert.

Rox est un renard roux[30]. Le prénom original de Rox est Tod qui signifie « renard » en argot britannique. John Grant considère qu'il y a deux personnages appelés Rox dans le film, un renardeau et un adulte[30]. L'aspect des deux diffère puisque que c'est l'un des thèmes du film[30]. La voix du plus jeune est prêtée en version originale par Keith Mitchell[30]. Son aspect poupin fait que Big Mama et la Veuve Tartine l'adopte chacune à sa façon[30]. Ses autres caractéristiques sont l'affection, la gentillesse et la tendresse envers tout un chacun[30]. Pour Grant, Rox est l'instigateur des serments d'amitié, le dialogue se résumant à quatre lignes pour Rox et deux lignes assertives pour Rouky[30]. À l'âge adulte, le personnage reste prompt à conserver l'amitié avec Rouky et n'hésites pas à affronter un ours pour sauver son ami[30]. Rouky n'aura ce genre de réaction qu'à la toute fin du film pour protéger son ami du fusil de son maître Amos Slade[30]. Mickey Rooney prête sa voix à Rox adulte, acteur qui jouer dans Peter et Elliott le dragon (1977)[30]. Grant établit un parallèle entre Rox qui est accueilli et soutenu dans la vie sauvage par Vixy et Bongo et Lulubelle dans le moyen métrage Bongo, roi du cirque (1947) inclut dans Coquin de printemps[30]. Rox est tellement gentil que Grant s'interroge sur sa capacité à manger dans la Nature[30]. Grant précise que c'est Rox qui entend le serment d'amitié à la fin du film sans que l'on sache si Rouky le prononce[29].

Le personnage de Rouky, Copper en version originale, est un chien de chasse[30] de race Saint-Hubert[31]. L'acteur Kurt Russell, qui avait été sous contrat du studio Disney pendant dix ans, du milieu des années 1960 au milieu des années 1970, a prêté sa voix au personnage de Rouky[32]. Pour Grant c'est avant tout un chien obéissant, que ce soit dans sa jeunesse avec Rox ou plus tard comme chien de chasse auprès de Chef pour Amos Slade[29]. Cette obéissance en fait un ami inconstant arguant qu'avec le retour de la saison hivernale de la chasse Rox et lui ne peuvent plus être amis[29]. Pour John Grant ce n'est pas une raison valable même si le mythe popularisé par l'opposition Militarisme-Antimilitarisme qui dit que « l'uniforme change un homme » et ici tourné en satire[29]. Une autre satire est le fait que des enfants de différentes races doivent abandonné leur amitié une fois devenu adulte[29]. Pour Grant l'amitié de Rouky envers Rox est moins prononcée, le renardeau faisant la plupart des pas vers le chiot[29]. Rouky ne semble pas prendre au sérieux cette promesse d'amitié et cela se traduit souvent dans la voix de Rouky moins en confiance et moins affirmée[29]. Une fois adulte, Rouky est encore moins dévoué à son ancien ami, tolérant sa présence[29]. Ce n'est que quand il se rend compte qu'Amos Slade a délibérément estropié Chef que Rouky retrouve la notion d'amitié[29]. À la fin du film, Rouky comprend que l'amitié est une notion de réciprocité[29]. Pour Grant, le film sous-entend que pour beaucoup d'humains n'arrive pas au second niveau, celui de l'adulte véritable, restant des adolescents ou des adultes inachevés, une tragédie pour l'humanité[29].

Sandy Duncan en 1972 qui prête sa voix à Vixy.

Vixy est une renarde présentée comme très féminine, très belle et très intelligente, dont la voix originale est celle de Sandy Duncan[33], actrice ayant joué dans La Cane aux œufs d'or (1971). Le nom original de Vixy est « Vixey » (prononcé « Vixy »), basé sur le mot anglais « vixen » qui a pour sens premier « renarde ». L'orthographe fut modifié dans la version française afin que sa prononciation ne soit pas un problème pour un public non anglophone. Jeanine Forney, qui incarne la voix de Vixy dans la version française du film, avait déjà été la voix de la princesse Aurore/Rose dans la seconde version française de La Belle au bois dormant (1959). Pour Joh Grant il est intéressant de voir comment les artistes de Disney ont capturé cette féminité[33]. Quand les deux renards sont à l'écran, la comparaison est rapide, Vixy est présentée avec des traits plus doux, par exemple une ligne de contour orangée au lien de noire, des teintes de couleurs plus douces mêlant rose et orange, donnant un aspect moins ancré dans le décor[33]. Un autre point de féminité se situe dans ses mouvements, plus félins alors que Rox est plus canin[33]. Ces artefacts artistiques ne sont pas conformes à la réalité mais à des stéréotypes sexuels très ancrés dans l'inconscient collectif et qui permettent ici d'associer le personnage à une femme gracieuse[33]. Un autre point est la mention de l'intuition féminine par Rox quand Vixy ressens avant lui la présence d'un danger[33]. La notion d'intelligence, Grant évoque la connaissance ou l'expérience, est associé au fait que Vixy a grandi dans la nature, a réussi à survivre[33]. Elle demande à Rox de ne pas aller défendre Rouky car c'est un comportement dangereux, idiot selon Grant[33]. Elle possède un discours maternelle, doux par moments mais plus sévère en présence du danger[33].

Chef est avant tout le « chien de son maître » avec lequel il partage des ressemblances physiques et de personnalité[33]. Il y a par exemple les épais sourcils bruns avec des teintes de couleurs similaires[33]. Le chien manque d'humour comme Amos, il est aigri[33]. Sa façon de raisonner est simple, si cela bouge et que ce n'est ni un homme ni un chien alors il faut le tuer, les humains devant se méfier[33]. Il n'a aucune affection pour Rouky surtout quand il est encore un chiot, lui consacrant du temps pour la formation avec réticence[33]. Pour Grant, Chef est dans un sens pire qu'Amos Slade[33]. Toutefois il semble nécessaire qu'il soit lui-même l'objet des maltraitance qu'il a perpétré pour enfin éprouver de la sympathie pour ses anciennes victimes[33]. Le personnage de Chef est blessé à la fin du film pour forcer l'empathie des spectateurs[34]. Lorsqu'il n'est pas en chasse, Chef dort, rêvant de chasse[33].

Jeanette Nolan à la fin des années 1960, qui joue la Veuve Tartine.

Selon le réalisateur Art Stevens, le personnage d'Amos Slade a été le compliqué à animer sur plusieurs points[29]. Le caractère d'Amos est résumé par John Grant comme étant celui d'un vieux chasseur vicieux qui croit que seul un renard mort est un bon renard[29]. Il possède une mine renfrognée permanente et quand un animateur essayé de lui soulever un sourcil, Stevens demander d'annuler pour rester dans le personnage[29]. Le seul froncement de sourcil survient quand Amos Slade revient de la chasse avec ses deux chiens dans un camion chargé des peaux des animaux abattus[29]. Il s'adonne alors un chant expliquant ses motivations et ses principes de vies, plutôt un chien de chasse que de l'argent[29]. Il est vêtu d'une veste en cuir doublée de fourrure, des grandes bottes en cuir, un chapeau mou à large bord posé sur l'arrière de sa tête, des cheveux épais et une moustache buissonneuse[29]. Son regard varie de la colère à la haine mais son principal moyen de communication est un fusil chargé de poudre[33]. Pour Grant, durant 80 des 83 minutes du film, le personnage d'Amos Slade est complétement incorrigible, intimidant, colérique, harcelant son voisin ou à défaut de voisin ses épaves de camions, massacrant la vie sauvage[33]. Il montre seulement un caractère nouveau quand il découvre l'amitié de Rouky pour Rox, Grant espère que cette nouveauté perdurera[33].

La Veuve Tartine, en version originale Widow Tweed (« Veuve Tweed »), est une vieille fermière qui adopte Rox[33]. Le personnage a été conçu pour faire vibrer les cœurs avec ses cheveux gris maintenus par un chignon bas, un visage rond et un aspect de matrone boulotte[33]. Elle porte de fines lunettes circulaires avec des vêtements gris et marrons et un petit chapeau mauve pâle qui selon John Grant « sont une preuve que si vous frappez à sa porte, elle vous aidera et vous offrira de la tarte aux pommes »[33]. Sa voix originale est celle de Jeanette Nolan et se rapproche du personnage pour la tranche d'âge et son ton gentillet[33]. Ces caractéristiques ont été une source de problème durant la production car ce n'est pas le genre de personnes à se lancer dans une chanson, un morceau de jazz ou un aria digne de La Scala}[33]. La solution trouvée par le studio est d'avoir un monologue chanté au lieu d'une chanson}[33]. Grant trouve la chanson Pourquoi faut-il se quitter ? (« Goodbye May Seem Forever » en anglais) jolie[33].

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  Pearl Bailey vers 1960 qui interprète Big Mama.
• 
  Paul Winchell et sa marionnette Jerry Mahoney en 1951, qui donne sa voix à Piqueur
• 
  Richard Bakalyan en 1962 qui donne sa voix à Dinky

Le film comporte plusieurs adjuvants dont des oiseaux[35]. Le personnage du hibou Big Mama est inspiré de la chanteuse Pearl Bailey[29]. Bailey a interprété le personnage lors des enregistrements pour aider les animateurs à dessiner le personnage de Big Mama[22]. L'équipe a très tôt fait le choix d'avoir un personnage de chouette affectueuse, une matrone bienfaitrice au lieu des chouettes-hiboux érudits déjà présents au catalogue Disney[29] comme Archimède dans Merlin l'Enchanteur (1963) ou Maître Hibou de Winnie l'ourson. Le comportement de Big Mama n'est pas celui d'un vrai hibou, parlant au jeune renardeau et ne les dévorant pas[29]. Un comportement similaire, non naturel, est aussi présent dans Bambi (1942) avec le personnage paternel de Maître Hibou[29]. Big Mama est devenue la mère spirituelle de Rox, le réconfortant et aussi une mère adoptive, qui le laisse grandir une fois qu'il a rencontré Vixy[29].

Les oiseaux Dinky et Piqueur (Boomer), respectivement un moineau et un pic vert sont aussi des chasseurs obsessionnels mais d'insectes[35]. Ils chassent une chenille nommée Squeak ou Squeeks[35]. La chenille verte est douée d'une grande célérité quand le moment le nécessite et ses grand yeux permettent aux animateurs d'exprimer le côté loufoque[35]. Squeeks finit par se transformer en un papillon bleu, déjouant les deux oiseaux qui la pourchasse[35]. Piqueur est lui aussi loufoque et la voix originale de Paul Winchell, qui donne sa voix à Tigrou, lui a été donné pour s'associé au personnage, et non le contraire comme le souligne John Grant[35]. Piqueur apparait au côté de Big Maman quand il faut trouver une nouvelle maison pour Rox[35]. C'est lui qui se charge de taper à la porte de la Veuve Tartine même si l'effet escompté l'impacte physiquement[35]. Dinky est un moineau de couleur jaune-brun, une caricature lointaine de Piqueur dont la voix est celle de Richard Bakalyan[35]. Bakalyan a participé à de nombreuses productions Disney dans les années 1960 et 1970. Pour John Grant, Bakalyan propose une version à la voix plus aigüe du personnage de Thomas O'Malley interprété dans Les Aristochats (1970) par Phil Harris[35]. Il est doué d'un plus grand sens de la répartie et de réactions plus rapide que Piqueur, par exemple en répondant le premier à l'appel de Big Mama ou en réagissant aux déboires de son ami[35]. La course des deux oiseaux s'achève quand la chenille, énorme à l'approche de l'hiver, réussi à entrer par un petit trou dans la maison de la Veuve Tartine et s'installe près de la cheminée protégée par les vitres de la maison[35]. De leur côté, les oiseaux frigorifiés décident de partir vers le Sud[35].

Le film comporte plusieurs personnages mineurs, essentiellement des animaux, le plus important étant l'ours[35]. Malgré sa présence prolongée en raison du scénario, la personnalité de l'ours n'est pas développée au-delà de sa férocité[35]. Il a été conçu comme un monstre de 2,5 ou 3 m de haut avec une gueule hérissée de crocs et des yeux jaunes[35]. Pour David Koenig, l'ours souffre du "Syndrome Pluto", un problème qui touchent les adjuvants animaliers qui n'ont pas la parole alors que d'autres personnages animaliers anthropomorphes ou non en sont dotés[36]. Les scènes avec l'ours sont le point culminant du film, mises en animation sous la supervision de Glen Keane[35]. Keane, en plus des images d'archives issues de documentaires animaliers, avait un mannequin articulé d'ours sur son bureau[35]. Le Blaireau est surtout une source de comique mais le personnage n'a pas été développé[35]. Rox rencontre aussi un porc-épic, un papillon, un lapin et un poisson qu'il essaye d'attraper pour impressionner Vixy[35]. La Veuve Tartine possède une vache, nommée Abigail qui à l'instar des nombreuses vaches dessinées par le studio Disney depuis Steamboat Willie (1928) prend un malin plaisir à lancer son lait sur les autres, ici Rox[35].

Buddy Baker compose la bande originale de Rox et Rouky[7] et signe ici sa dernière musique de film d'animation.

Les chansons du film ont été écrites et composées par Stan Fidel, Jim Stafford, Richard Rich, Richard O. Johnston et Jeffrey Patch[7] - [37]. Richard O. Johnston est le fils de l'animateur Ollie Johnston[9].

En France le titre principal, Rox et Rouky, a été chanté en 1983 par Dorothée en duo avec Joanna Wyatt[38]. La même année sont édités chez Disneyland Records/Le Petit Ménestrel deux livres-disques : un 33 tours 30 cm raconté par Jean Rochefort comprenant des extraits de dialogues du film, et un 45 tours raconté par Jacques Martin[39]. Ce dernier reprend la musique du film et une partie de la chanson Deux bons copains. En revanche, les rôles des différents personnages sont interprétés par des acteurs différents de ceux ayant assuré le doublage de la version française : Régine Blaess, Catherine Lafond, Marcelle Lajeunesse et Raymond Loyer.

Don Bluth explique qu'une des raisons de son départ des studios Disney, dans la catégorie des divergences créatives, est que le film Rox et Rouky est « devenu une histoire mignonne et non plus une histoire significative »[15].

Vincent Canby du New York Times décrit le film comme « un joli exemple de dessin animé Disney à l'ancienne, une sorte de caricature, joyeux à l'excès, plein de chansons entraînantes, plus collant qu'un chewing-gum et contenant des animaux anthropomorphes plus humains que certains hommes apparaissant parfois »[45]. Mais selon Canby le film n'innove pas, même si il est rempli à ras-bord de dialogues joyeux et folkloriques[45]. La scène culminante du film peut effrayer les plus jeunes et qu'à cause de cette scène il est préférable que les parents accompagnent leurs enfants au lieu de les faire chaperonner, le film ne durant que 83 minutes, un temps très court pour l'époque[45]. L'histoire est celle d'une amitié improbable[45].

Sheila Benson du Los Angeles Times indique que la présence d'une nouvelle génération d'animateurs est un signal important et la qualité d'animation est bien présente[46].

Sheila Benson critique l'histoire qui joue trop la sécurité, les scénaristes protégeant le public des choses importantes comme la rage, la douleur ou la perte[47]. Ces mensonges pour le bien du public limitent le développement[47]. La romance entre Rox et Vixey rappelle celle de Bambi et Féline[47].

Richard Corliss du Time écrit que le film débute sans musique par une toile d'araignée, comme un filigrane du destin prenant tout animal pénétrant cette forêt[26]. Un renardeau devient orphelin devant les yeux du spectateur à la suite d'un coup de feu touchant sa mère apeurée tandis que des oiseux s'envolent eux aussi apeurés[26]. Corliss ironise alors en souhaitant à ses jeunes lecteurs un joyeux été car c'est le début du dernier dessin animé Disney[26]. Il s'interroge sur cette production car quand les autres cinéastes s'essayent au plus de provoquer des gloussements et des tremblements, Disney confronte son public aux terreurs Dostoïevskienne[26]. Pour Corliss, c'est un retour au sources pour le studio avec l'opposition primale du bien et du mal, des forces forces de la Nature[26]. Le film ne possède pas le savoir-faire et la concision qui ont amené une douzaine de personnages ou plus à la vie idiosyncrasique dans les films précédents[26]. Les cinq chansons sont à peine fredonnables et le comique est au mieux superficiel[26]. Le film ne comporte pas de magie mais un morale profonde donnée par Daniel Mannix sur une amitié contrariée avec son aspect doucement sombre[26]. Pour Corliss, les deux protagonistes sont nés dans un rôle qui les enferme et même les liens établis pendant leur enfance ne peuvent changer ce destin[26]. Il

Richard Corliss fait un parallèle entre la nouvelle génération d'animateur et les protagonistes du film[26] : « Alors que Rox et Rouky apprennent davantage sur eux-mêmes et sur l'autre pendant leur fuite, les jeunes artistes de Disney qui font ici leurs débuts au cinéma réalisent le pouvoir émotionnel et cinétique de l'animation dans les séquences de poursuite. Ils sont aussi finement façonnés et rythmés que la scène de combat dans le désert de Les Aventuriers de l'arche perdue et presque aussi violents »[26]. Corliss ne dévoile pas la fin du film mais prévient le public qu'il peut « savourer les sérieux plaisirs de Rox et Rouky »[26]. Il termine par une note positive à propos de « la montée en puissance d'une nouvelle génération talentueuse d'animateurs Disney, attendez vous à de plus grands plaisirs pour la suite »[26].

La plupart des auteurs sont d'accord sur le fait que le film est à la charnière de deux générations d'animateurs. Pour Franklin Thomas et Ollie Johnston, Rox et Rouky marque « la fin de la transition entre l'ancienne et la nouvelle génération d'animateurs[52]. » Selon Randy Cartwright, le film marque le début du changement[22]. Pour John Grant, beaucoup d'excitations a accompagné la production du film quand au changement mais finalement peu de choses sont différentes[5]. Le film est moins ambitieux et de qualité inférieure aux grands classiques[5]. Le film est bon mais il n'atteint pas le niveau d'innovation attendu par les critiques[5]. Grant ajoute qu'au contraire, Taram et le Chaudron magique (1985) se voulait innovant mais ne l'a pas été[5]. Avec le côté psychologique, la nouvelle génération pousse les productions vers les années 1980[5]. Les liens avec le passé sont encore fortement présents mais des petits changements apparaissent parfois où on ne les attends pas[5]. Ainsi alors que les images d'archives montrant des animateurs Disney esquissant des animaux vivants pour Bambi font partie du mythe Disney, pour ce film, les nouveaux animateurs Disney ont recours à des documentaires animaliers comme Le Roi des grizzlis (1970)[5].

Pour Mark Arnold, ce film est le premier à profiter pleinement de la nouvelle génération d'animateurs sortis du California Institute of the Arts (CalArts), fondé par Disney en 1961 et installé sur son propre campus en 1977[53]. Selon Arnold, le film marque les « premiers efforts des futurs grands animateurs » de Disney qui ont participé à des films comme La Petite Sirène et La Belle et la Bête[9], la Renaissance Disney. L'édition DVD contient un documentaire sur cette passation de relai intitulé D’une génération à l’autre[22].

Leonard Maltin écrit que le film confirme l'arrivée de la nouvelle génération d'animateurs et que Disney maîtrise toujours le marché de niche des longs métrages d'animation attaqué par d'autres studios[15]. Cette partie technique est le bon coté du film selon Maltin mais de l'autre coté la mauvaise nouvelle est que la conception du film se repose trop sur la formule du mignon, de la comédie et de la personnification, principes tellement utilisés que le film en est discret[15]. Ce recours à cette formule est pour certains observateurs un pas en arrière pour le studio ou une stagnation même si le public a apprécié le film et est venu en masse le voir[15]. Les espoirs mis dans la nouvelle génération ne sont atteints car ces observateurs n'ont pas trouvés de nouvelles idées ou une nouvelle vie, le film étant juste une synthèse des vieilles idées qui ont fonctionnés à l'époque de Walt Disney[15]. Maltin se demande si le crédo « Qu'aurait fait Walt ? » n'est pas encore présent au sein de la direction de Disney[15].

Mark Arnold explique que la scène du combat entre Rouky et l'ours est considérée comme l'apothéose du film mais il la voit comme le résultat d'un effort inégal[16]. Pour Maltin c'est séquence supervisée par Glen Keane est un tour de force[15]. Arnold a trouvé certains plans qui n'ont pas le bon focus mais qui ont été en partie corrigé dans les éditions vidéo[16]. Le film est présenté lors de sa sortie comme le 20^e classique d'animation de Disney mais en 1985 lors de la sortie de Taram et le Chaudron magique il est renuméroté 24^e[16].

Pour Maltin, le film est un effort respectable mais le bilan du studio Disney après plus d'une décennie sans Walt à la barre n'est pas bon[15]. Le seul point positif des années 1980 selon Maltin arrive avec la « géniale » nomination de Tom Wilhite malgré ses 27 ans, ancien responsable de la publicité, comme vice-président chargé du développement des films d'animation et de la télévision[15].