Coquin de printemps

• Edgar Bergen : lui-même et les marionnettes Mortimer Snerd et Charlie McCarthy
• Luana Patten : elle-même
• Cliff Edwards : Jiminy Cricket (voix)
• Walt Disney/Jim MacDonald : Mickey Mouse (voix)
• Jim MacDonald : Lumpjack
• Clarence Nash : Donald Duck (voix)
• Pinto Colvig : Goofy Goof (Dingo) (voix)
• Billy Gilbert : Willie the Giant (voix)
• Anita Gordon : Singing Harp (la Harpe enchantée) (voix)
• Dinah Shore : narratrice et soliste (Bongo)
• The Starlighters : chanteurs
• The Kings Men : chanteurs
• The Dinning Sisters : chanteuses

Sauf mention contraire, les informations proviennent de : Leonard Maltin[1], John Grant[2], Jerry Beck[4]

• Jacques Bodoin : Mickey / Donald / Jiminy Cricket[5]
• Camille Guérini : personnage non identifié[5]
• Paulette Rollin : La Harpe Enchantée

• Roger Carel : Jiminy Cricket / Edgar Bergen et ses marionnettes (Mortimer Snerd, Charlie McCarthy)
• Kelly Marot : Luana
• Marie Ruggeri : narratrice et soliste (Bongo)
• Jean-François Kopf : Mickey Mouse
• Sylvain Caruso : Donald Duck
• Gérard Rinaldi : Dingo
• Richard Darbois : Willie le Géant
• Bénédicte Lécroart : Harpe Enchantée

La séquence Mickey et le Haricot magique est une adaptation du conte britannique Jack et le Haricot magique que l'équipe de Disney situe dans la Vallée Enchantée (Happy Valley) prévue comme un court métrage allongé de Mickey Mouse[10]. Disney avait déjà adapté ce compte en 1922 avec Jack et le Haricot magique produit par son studio Laugh-O-Gram alors qu'il vivait encore à Kansas City ; malheureusement il n'existe aucune copie connue de ce film[8]. Une seconde adaptation du conte, beaucoup plus libre, a été réalisée en 1933 avec Giantland, Mickey incarnant Jack[8]. D'après le scénariste Joe Grant, Walt revisitait souvent ses anciennes productions afin de les améliorer ou de les rendre au goût du jour[8].

Le moyen-métrage reprend à nouveau le principe de la lutte entre Mickey et un géant, aussi évoqué dans Le Brave Petit Tailleur (1938)[8] - [11] mais en reprenant les bases du conte avec Jack, l'escalade et la coupe du haricot géant. Mickey est ici accompagné de Donald Duck et Dingo, ce qui constitue la première apparition du trio dans un long métrage[8]. Lors de la conception du film, d'autres personnages ont été évoqués comme Gédéon et Grand Coquin, qui auraient été les marchands ayant dupé Mickey à la ville lui vendant des haricots magiques contre sa vache[8]. Dans une autre version dessinée mais coupée peu avant le montage final, c'est la reine du royaume Minnie Mouse qui offre en échange de la vache, qu'elle prend pour un cadeau, un trésor familial, la boite contenant les haricots[8]. Minnie lui lit alors la longue légende associée à cette boite mais Mickey en profite pour partir[8]. Les développements stoppent durant l'été 1941, peu ou prou au moment où débute la conception de Bongo[8].

Bongo est basé sur une histoire originale de Sinclair Lewis[4] - [10] - [11], publiée en 1930 dans le magazine Cosmopolitan[8] - [12]. Pour Maltin, c'est une histoire « inoffensive mais incomparablement faible [...] racontable en 5 minutes » et qui a nécessité l'ajout de morceaux supplémentaires, « scènes d'actions sans but et musique d'ambiance[10]. » Les travaux d'écriture du scénario débutent durant l'été 1941[8]. L'histoire devait faire l'objet d'un long métrage mais comme le fait remarquer Jerry Beck, il est difficile de voir comment cela aurait été possible[4]. L'idée est alors d'en faire une suite de Dumbo réutilisant les décors de cirque et les éléphants[8]. Un script incomplet de Bongo a été présenté en interne le 8 décembre 1941, au lendemain de l'attaque de Pearl Harbor[8], mais cet événement stoppe la production du film.

Mais à partir de 1941, le studio Disney a besoin de trouver de l'argent pour survivre. Les précédents longs métrages sortis en 1940, Pinocchio et Fantasia, n'ont pas réalisé les résultats escomptés : ils ne compensent même pas la moitié de leurs coûts de production. Un autre long métrage est alors en production depuis plusieurs années, Bambi, avec un budget aussi conséquent. Dans le but d'obtenir quelques revenus, le studio Disney lance deux films à petit budget avec l'espoir de lancer ensuite d'autres projets[13] - [14]. Les deux premiers projets sont Le Dragon récalcitrant (1941) et Dumbo (1941). Mais la Seconde Guerre mondiale pénalise fortement le studio. Une solution survient avec la production des deux compilations latino-américaines Saludos Amigos (1942) et Les Trois Caballeros (1944). D'autres projets de compilations émergent à partir de projets stoppés avec la guerre. Coquin de Printemps est l'un des nombreux projets réalisés de manière rapide et à moindre coût en attendant que le studio retrouve son rythme[1].

C'est durant l'année 1946 que la production Coquin de printemps reprend sur les principes des compilations sud-américaines. Le long métrage mêle animation et scènes en prise de vue réelle mais le format compilé est celui des moyens-métrages et non plus des courts métrages. Un mémo du 20 août 1946 envoyé par John Reeder (directeur général) à Roy O. Disney, nous informe que les productions du studio sont suspendues sauf Mélodie du Sud, Coquin de printemps, Mélodie cocktail et Danny, le petit mouton noir[15]. Parmi ces productions des années 1940, il peut être associé avec Le Crapaud et le Maître d'école (1949) avec lequel il partage un découpage en deux moyens-métrages[2].

Au début de l'année 1947, alors que la production du film Danny, le petit mouton noir est arrêtée pendant sept semaines, l'animation de Coquin de printemps s'achève et deux autres compilations sont en préparation, Mélodie Cocktail et Two Fabulous Characters renommée par la suite Le Crapaud et le Maître d'école[12]. John Hench encore un jeune artiste du studio travaille sur la composition[16].

Le personnage de Jiminy Cricket est utilisé de manière similaire à son apparition dans le prologue de Pinocchio[10] comme « un être moderne et décomplexé face aux objets de l'ancien monde qui l'entourent »[17] et interpellant le public[18] mais ici avec un trait plus épais pour le dessin de son visage[10]. Jiminy agrémente le film de ses commentaires et dans la scène finale il interrompt Edgar Bergen à plusieurs reprises[10]. L'intégration de Jiminy aux scènes en prise de vue réelle est à nouveau l'œuvre des techniques perfectionnées par Ub Iwerks, considérées par John Grant comme ayant atteint un sommet avec le film précédent de Disney, Mélodie du Sud[2].

La chanson d'ouverture avec Jiminy Cricket, I'm a Happy Go Lucky Fellow, avait été écrite et enregistrée à l'origine pour Pinocchio[1] - [3] - [7] - [11]. La présence du poisson rouge Cléo[3] confirme partiellement cette reprise mais les décors et d'autres éléments ont été changés pour ne pas ressembler à l'atelier de Geppeto.

Cette seconde apparition de la petite conscience du pantin de bois est un fait rare parmi les personnages des longs métrages de Disney (avant les suites lancées dans les années 1990), seul Figaro faisant exception[2], mais ici Jiminy est la vedette[11].

Entre les deux séquences d'animation, Luana Patten et le ventriloque Edgar Bergen avec ses marionnettes permettent une transition amenant la séquence avec Mickey[10]. C'est la marionnette Charlie McCarthy qui demande à Bergen de faire office de narrateur[10] - [11]. Elle était apparue en version animée dans les courts métrages Mother Goose Goes Hollywood (1938) et Chasseur d'autographes (1939)[8].

D'après Michael Barrier, la séquence de Bongo aurait été réalisée sous la direction de Jack Kinney qui supervisa celle de nombreux courts métrages de Dingo[19]. Pour Grant, le choix de cette histoire dénote une relation improbable entre Disney et Lewis et rehaussée par la narration de Dinah Shore semblant ne pas trop partager les idées de Lewis[11]. L'animation de cette séquence est similaire (en qualité) à celle des courts métrages Disney de l'époque à part quelques exceptions comme la scène campagnarde où le décor avec un lac aux reflets miroitants et une montagne à l'arrière-plan est digne d'une carte postale[10].

Le personnage de Bongo est plus proche de l'ours en peluche que d'un vrai, surtout avec son costume d'animal de cirque, un chapeau jaune, une veste rouge et un nœud papillon bleu[11]. Il est donc anthropomorphologiquement parlant plus proche de Mickey ou Donald, tous deux costumés que de Nicodème, Boniface ou Baloo. D'après la narration, cet ours vedette de cirque « peut plonger de 300 pieds (91 m) dans une éponge mouillée gracieusement » mais est fatigué de la vie qu'il mène[11]. Ses maîtres ne le traitent pas à sa valeur et il doit dormir dans une cage trop petite.

Le personnage de Lulubelle est une ourse de couleur brun pâle, avec de grands yeux soulignés par d'exubérants cils et une fleur rose sur l'oreille. Son nom et son graphisme ont évolué durant l'élaboration du film, avec par exemple le prénom de Suzi et Silver Ears (oreille argentée)[8]. Le méchant ours Lumpjaw est lui de couleur sombre, couramment utilisée par Disney pour souligner une apparence massive, doté d'une impressionnante dentition prognathe[11]. Une version vêtue en bûcheron a été conçue puis abandonnée[8]. L'histoire d'amour entre Bongo et Lulubelle reprend tous les clichés présents dans le Livre de l'Amour[3], les angelots, le coup de foudre, la balade en barque... Deux personnages se liant d'amitié avec Bongo sont des tamias et graphiquement parlant évoquent le duo Tic et Tac[10] - [11]. Deux tamias étaient aussi apparus dans Pluto soldat (1943)[20] mais ils ne seront nommés qu'avec le court métrage Donald chez les écureuils (sorti le 28 novembre 1947). D'autres personnages ont été conçus puis abandonné comme un chimpanzé majordome pour Bongo, nommée Beverly ou Chimpy[8].

Le trio vedette Mickey Mouse, Donald Duck et Dingo n'apparaît pas dès le début du film. Plusieurs scènes permettent la mise en place du conte. Parmi les nombreux animaux présentés au début de la séquence, il existe des ressemblances graphiques notables avec d'autres productions du studio : les moutons avec ceux de Lambert le lion peureux (1952), le taureau avec Ferdinand le taureau (1938), les corbeaux avec ceux de Pinocchio. La harpe magique est d'après Grant un croisement entre Marilyn Monroe et l'instrument de musique[11]. Le géant n'est pas un géant ordinaire car possède lui aussi des dons, celui de se métamorphoser, de changer de taille et même de se rendre invisible grâce à une phrase magique[21]. Selon Grant, en dehors de la différence de taille, il possède un regard proche de celui de Simplet[21].

Comme à l'accoutumée dans les courts métrages du trio, les situations hilarantes sont provoquées par Donald et les maladresses de Dingo[10]. Les gags lors de la poussée du haricot et ceux de la table à manger ont été conçus dès l'été 1940 ainsi que le personnage de la harpe chantante, aussi nommée harpe-cantatrice[8]. La scène de lutte entre Dingo et un plat de gelée aurait, d'après Jerry Beck, été réalisée sous la direction de Jack Kinney[3].

Walt Disney avait déjà enregistré la voix de Mickey Mouse pour quelques scènes de la séquence Mickey et le Haricot Magique lors de son développement au printemps et à l'été 1941[8]. Mais en raison des modifications effectuées après cette période, d'autres scènes devaient être enregistrées. En 1946 alors que Wolfgang Reitherman insiste auprès de Walt Disney pour enregistrer la voix de Mickey, Walt stoppe de s'excuser d'être trop occupé avec le reste de ses activités et demande à Jim MacDonald, un technicien du son expérimenté de le remplacer[22]. Mickey et le Haricot Magique est donc le dernier film où Walt Disney double la voix de Mickey, à cause de sa voix trop enrouée par la cigarette, avant d'être remplacé par Jim MacDonald[2] - [23]. Walt Disney et Jim MacDonald se partagent le travail dans ce film, MacDonald réalisant la voix de fausset que Disney ne parvient plus à atteindre[2]. La voix originale du géant Willie est donnée par Billy Gilbert, acteur reconnu pour ces mimiques de violentes éruptions nasales d'où la scène avec la poudre de tabac[8] - [10].

La séquence finale mêle à nouveau l'animation et la prise de vue réelle et est célèbre par le gag avec le géant Willie soulevant le toit de la maison d'Edgar Bergen puis repartant dans Hollywood, se coiffant avec le Brown Derby[10], un célèbre restaurant avec une devanture à l'aspect d'un chapeau melon.

• Farandole et Fantaisie (Fun and Fancy Free) - Chœur[24]
• Farandole et Fantaisie (I'm A Happy-Go-Lucky Fellow) - Jiminy Cricket et chœur[24]
• Un monde enchanteur (My Favorite Dream) - Soliste et chœur
• Ce n'est qu'un rêve un peu fou (Too Good to Be True) - Soliste et chœur
• Dites « je t'aime » avec une claque (Say It with a Slap) - Soliste et chœur
• Dites « je t'aime » avec une claque et Ce n'est qu'un rêve un peu fou (reprise) - Soliste et chœur
• Farandole et Fantaisie (reprise) - Chœur
• Ah ! Bonjour le printemps (My ! What A Happy Day) - Harpe Magique
• Fi Fai Fo Fum (Fee Fi Fo Fum) - Willie le géant
• C'est parfois vrai un rêve (In My Favourite Dream) - Harpe Magique
• Farandole et Fantaisie (Finale) - Chœur

Maltin ne retient que deux extraits de la séquence Bongo : l'idylle campagnarde et la séquence de rêve avec le cœur géant explosant en une myriade d'angelots[10]. Mais Maltin ne parvient pas à s'attacher aux personnages ou à l'histoire, trop informels et divagants[10]. Selon Grant, les personnages de cette séquence manquent de profondeur malgré le charme, la verve et une certaine sensation de fantaisie, typique de Disney[11].

Décor naturel proche de celui du film (lac Matheson du parc national Aoraki/Mount Cook, Nouvelle-Zélande).

Douglas Brode va plus loin, rappelant la mouvance politique de Sinclair, le socialisme. Il voit dans ce film un retour à la nature, une fuite du style de vie carcérale de la société avec des touches de « sympathie primale » de William Wordsworth[32]. Brode indique que Sinclair était apprécié des socialistes du début du XX^e siècle dont le père de Walt Disney, Elias, aurait fait partie[33]. Ce film serait une relance de la mouvance intellectuelle du « retour à la nature », engagée dès 1845 par Henry David Thoreau, avec la construction puis la vie dans une cabane près de l'étang de Walden, ce qu'il relate dans Walden ou la Vie dans les bois (1854)[33]. Cette mouvance a resurgi à maintes reprises par la suite, mais est devenue un phénomène de société aux États-Unis dans les années 1960[33], époque dont Brode cherche les racines dans son ouvrage From Walt to Woodstock. La scène de Bongo au bord du lac avec la montagne à l'horizon fait écho aux poèmes Vers écrits dans la vallée de Chamonix (1816) de Percy Bysshe Shelley[33].

Cette séquence du film montre aussi que les mentalités au sein du studio Disney ont changé. Ainsi selon Brode, Disney est « post-darwiniste conscient des concepts du naturalisme » dans la seconde partie de Bongo, celle où l'ours dressé qui retrouve la nature d'abord idyllique, doit finalement se battre contre la famine, les autres animaux et la nature elle-même[34]. La scène d'amour montre selon Brode avec une grande honnêteté l'idéal romantique avec un darwinisme réel[34]. La séquence amène une confrontation entre le côté sombre, violent, de la nature et l'optimisme de Walt Disney, ainsi malgré une nuit agitée pleine de violence, la lumière du jour amène l'espoir, la beauté, le calme et même l'amour[34]. À nouveau la nature bestiale, ici la sexualité, resurgit avec l'arrivée de Lumpjack, un ours brutal et à la cervelle minuscule, comme c'est souvent le cas chez les méchants de Disney[34]. Pour Brode, il assimile à la morale du film l'assertion suivante d'Ernest Bernbaum[34] :

« Comme pour le survivant, ce n'est pas toujours le loup solitaire, le sauvage, le prédateur, qui est le plus récompensé, mais plutôt le plus apte, le plus habile, le plus coopératif et ceux qui ont développé assez d'imagination et d'intelligence pour apprendre par expérience. »

— Ernest Bernbaum, Guide Through Romantic Movement[35]

La morale illustrée par cette fable de Disney est que le romantisme et le darwinisme n'existent pas, le rude processus de sélection naturelle (sombre, difficile et mortel) doit être subi avant que le Jardin d'Éden ne puisse (et ne pourra) être atteint[36].

Le studio Disney a par la suite essayé de faire apprécier le personnage de Bongo en ressortant la séquence, mais sans y parvenir[10]. D'après un article de Life d'octobre 1947, le personnage de Bongo est l'un des meilleurs candidats pour remplacer le personnage vieillissant de Mickey Mouse[37], mais l'avenir a démontré le contraire. D'après ce même magazine, le public a apprécié le retour aux caractéristiques originelles des Disney, à savoir l'humour direct des dessins animés[37].

La seconde partie est aussi inférieure à ce que l'on attend d'un long métrage, trop proche du court métrage étendu devenu moyen métrage[10]. Selon Maltin, la critique a bien accueilli le film comme un retour de Disney dans son « territoire » mais ce n'est qu'avec La Mare aux grenouilles, séquence du film Le Crapaud et le Maître d'école (1949) que Disney a de nouveau impressionné ses admirateurs avec l'inventivité qu'ils attendaient[10].

Bob Thomas voit dans la séquence du Haricot magique une tentative de Walt Disney pour repositionner Mickey comme une vedette de l'animation, carrière qui avait été suspendue durant la Seconde Guerre mondiale[23]. Toutefois Donald et Dingo, utilisés comme personnages secondaires sont à l'origine des scènes comiques[23].

Sean Griffin s'interroge sur le fait qu'une fois de plus plusieurs personnages masculins partagent leur vie et leur travail sans présence féminine[38], dans son étude sur l'homosexualité chez Disney. Le trio était dans une situation similaire dans Les Joyeux Mécaniciens (1935), Le Déménagement de Mickey (1936), Nettoyeurs de pendules (1937), Les Revenants solitaires (1937) et La Remorque de Mickey (1938)[38].