Lost in Translation

Une rue commerçante à Tokyo.

Sofia Coppola s’est fondée sur son vécu dans les années 1990 pour écrire le scénario du film[3]. Durant cette période, elle fit plusieurs voyages à Tokyo, notamment pour y prendre des photographies et pour la promotion de son premier film et a toujours été attirée par les illuminations au néon des rues de la ville. Elle décrit également l’hôtel Hyatt de Tokyo où la plupart des intérieurs du film ont été tournés, comme l’un de ses endroits favoris dans le monde en raison de son calme, de son design et de sa combinaison de différentes cultures. Après avoir entendu l’interprétation de la chanson God Save the Queen des Sex Pistols par son ami Fumihiro Hayashi (Charlie dans le film) lors d’un karaoké, elle décide qu’elle veut mettre cela dans un film, ainsi que les lumières de la ville et l’hôtel Hyatt[4]. Coppola passe six mois à écrire le scénario du film, couchant sur le papier des impressions et de courtes histoires qu’elle relie ensuite entre elles[5] - [6]. Pour créer la relation romantique mais non sexuelle entre ses deux personnages principaux, elle s’inspira de la dynamique entre Humphrey Bogart et Lauren Bacall dans Le Grand Sommeil (1946)[5].

De son propre aveu, Sofia Coppola a voulu faire un film romantique sur deux personnages vivant une brève rencontre, la chronologie de l'histoire étant abrégée intentionnellement pour insister sur ce point[7]. Le titre du film est une référence à une définition de la poésie par le poète américain Robert Frost : « Poetry is what gets lost in translation » dont une traduction possible est : « La poésie est ce qui se perd dans une traduction ». Une scène du film illustre le titre quand un interprète traduit de façon très incomplète une conversation entre Bob Harris et le réalisateur de la publicité qu'il doit tourner. Toutefois, au-delà de ce sens premier, les deux personnages principaux du film sont également perdus dans leurs mariages et dans leurs vies en général, et ce sentiment est amplifié par le choc des cultures[8] - [9].

Désirant avoir un contrôle créatif total, Coppola cherche à financer son film en vendant ses droits de distribution à différentes compagnies suivant les pays. Virgin Suicides ayant été un succès au Japon et Lost in Translation devant être tourné à Tokyo, Tohokushinsa Film acquiert rapidement les droits pour ce pays. Ross Katz, producteur du film, persuada ensuite d’autres sociétés comme Pathé en France d’acheter les droits de distribution nationaux et Focus Features accepta d’investir dans le projet, ce qui permit de boucler le budget de 4 000 000 $US[5].

L'actrice Scarlett Johansson, l'année de sortie du film.

Sofia Coppola pense dès le début à Bill Murray pour tenir le premier rôle masculin[3]. L'acteur étant très difficile à joindre, elle lui envoie des lettres et lui laisse des messages téléphoniques pendant cinq mois. Pour le convaincre, elle demande de l'aide à Wes Anderson, qui a dirigé Murray dans deux films, et au scénariste Mitch Glazer, un ami qu'ils ont en commun[10]. Coppola et Murray finissent par se rencontrer dans un restaurant de New York et il donne son accord de principe, sans toutefois signer de contrat. Alors que le tournage est proche de débuter, Coppola est donc dans un état de tension extrême mais Murray finit par arriver à Tokyo une semaine avant le début du tournage[5].

Pour le premier rôle féminin, Coppola engage Scarlett Johansson, qu'elle a remarquée dans Manny & Lo (1996) et qui lui fait penser à une jeune Lauren Bacall[3], bien qu'elle soit plus jeune que son personnage. Elle apprécie en effet sa voix rauque, la maturité qu'elle dégage et sa façon de faire passer des sentiments sans en faire trop[11]. Coppola affirma aussi qu’il y a une partie autobiographique dans ce rôle et que l’actrice lui fait penser à elle au même âge[5]. Johansson accepta immédiatement le rôle de Charlotte[10].

Giovanni Ribisi (qui a tenu le rôle du narrateur dans Virgin Suicides) fut choisi pour jouer le mari de Charlotte et fit quelques répétitions avec Johansson avant de s’envoler pour le Japon, répétitions qui seront les seules de la production[4]. Anna Faris est engagée très peu de temps avant le tournage et craint de ne pas trouver le ton du film[12], mais Coppola affirme que sa prestation, notamment lors de son interprétation en karaoké de Nobody Does It Better, l’a fait « mourir de rire »[13].

Shibuya Crossing.

Les repérages sont effectués par Sofia Coppola, Ross Katz et Lance Acord, le directeur de la photographie, un ami de Coppola qui connait très bien Tokyo. Coppola fait un album de 40 pages de photographies à l'intention de l'équipe du film afin que tous puissent se faire une idée du visuel souhaité pour le film[14]. Le tournage se déroule du 29 septembre au 8 novembre 2002, principalement à Tokyo à l’hôtel Park Hyatt, dans la Shinjuku Park Tower, et dans le quartier de Daikanyama et également à Kyoto, au sanctuaire Heian et au Ryōan-ji. Il commence par les scènes se déroulant à l’hôpital[15]. L’équipe du film est en grande partie japonaise et Coppola doit passer par son assistant-réalisateur pour donner ses consignes à l’équipe et aux figurants, ce qui fait que le tournage prend du temps[4]. La différence avec un tournage habituel se fait également ressentir lorsque, lors d’une scène dans un restaurant de sushis, le tournage ayant pris dix minutes de retard, le propriétaire du restaurant éteignit toutes les lumières car l’horaire prévu n’avait pas été respecté — ce qui termina la scène dans le noir. Ce genre de petit dépassement horaire est considéré comme banal dans un tournage anglo-saxon, mais comme un manque de respect important au Japon et l’incident entraîna la démission du régisseur général japonais[5].

Lance Acord cherche à privilégier la lumière naturelle autant que possible et évite les grands mouvements de caméra, favorisant les plans rapprochés[16]. Il tourne la plupart des scènes avec une caméra Aaton 35 mm[5]. Cette caméra portative est utilisée avec des pellicules ayant une haute sensibilité ISO, ce qui permet de tourner dans des lieux publics faiblement éclairés de façon discrète et dans un style intimiste et presque documentaire[4]. Certains plans sont tournés sans son, la caméra filmant juste pour saisir une ambiance[17]. Coppola tourne sans permission dans certains lieux, comme le métro ou Shibuya Crossing, évitant d’attirer l’attention de la police en employant une équipe très réduite[13]. Roman Coppola, le frère de Sofia, dirige une seconde équipe chargée de réaliser des plans de Tokyo indistincts et illuminés par les néons[5].

Les scènes à l’hôtel impliquant les deux acteurs principaux (qui se rencontrent pour la première fois sur le tournage) sont tournées pour la plupart dans l’ordre chronologique du film[14]. La plupart des scènes à l'hôtel Hyatt sont tournées de nuit, à partir de la deuxième semaine, car la direction de l'hôtel n'autorise l'équipe à tourner qu'à partir de 1h du matin[13]. Coppola laisse à ses acteurs une bonne marge de manœuvre pour modifier les dialogues, et certaines scènes, comme celle du karaoké, sont presque entièrement improvisées[5]. Concernant la scène finale du film, qui n'est que vaguement décrite dans le scénario, Coppola dit à Murray d'embrasser Johansson mais sans en informer l'actrice afin d'avoir plus de spontanéité. Ce qu'il lui murmure à l'oreille, trop bas pour être enregistré, n'est également pas spécifié dans le script, et Coppola a envisagé l'idée de le rendre audible en postsynchronisation avant de décider qu'il valait mieux laisser cela entre eux deux[14]. Le tournage se termine avec les scènes de Johansson à Kyoto[13]. Sarah Flack commence le montage du film à New York pendant le tournage, des bandes vidéo lui étant envoyées régulièrement par courriel, et elle passe ensuite dix semaines avec Coppola pour réaliser le montage[18].

La bande originale, supervisée par Brian Reitzell, est un mélange de morceaux dream pop[3] ; elle sort chez le label Emperor Norton Records le 9 septembre 2003. Elle comprend cinq titres de Kevin Shields, chanteur et guitariste du groupe My Bloody Valentine. Elle est définie par Heather Phares, de AllMusic, comme une « bande originale impressionniste et romantique qui joue un rôle presque aussi important que ceux de Bill Murray et Scarlett Johansson »[19].

Lors de la scène du karaoké, Scarlett Johansson chante Brass in Pocket des Pretenders et Bill Murray interprète (What's So Funny 'Bout) Peace, Love and Understanding, popularisée par Elvis Costello. Murray et Sofia Coppola ont ensuite choisi ensemble More Than This de Roxy Music, en raison de leur amour commun pour ce groupe et parce que les paroles correspondaient à l'histoire[14]. La chanson finale de l'édition internationale de l’album contient une chanson cachée (après une longue période de silence). C’est tout simplement la prestation de Bill Murray au karaoké sur More Than This. L'édition japonaise contient le morceau 50 Floors Up, de Brian Reitzell et Roger J. Manning Jr, en titre bonus.

Le film est proposé pour concourir au Festival de Cannes 2003 mais le comité de sélection le refuse, au grand dam de Thierry Frémaux, qui considère cela comme un de ses plus grands revers, renforcé par une édition festivalière très décriée cette année-là[20]. Le film est projeté pour la première fois en public lors du festival du film de Telluride le 29 août 2003[21]. Après une sortie limitée dans 23 salles le 12 septembre, il sort aux États-Unis le 3 octobre dans 864 salles[22]. Bénéficiant d’une excellente publicité de bouche-à-oreille de la part des spectateurs, le film obtint un succès qui surprit les observateurs[23]. Il rapporta 119 723 856 $US au box-office mondial, dont 44 585 453 $US en Amérique du Nord, ce qui en fait un très grand succès commercial vu son budget très modeste[22].

Il attira dans les salles de cinéma 1 328 922 spectateurs en France, 270 546 en Suisse, 177 184 en Belgique et 87 111 au Québec. Il dépassa les deux millions d’entrées au Royaume-Uni (2 239 895) et le million d’entrées en Allemagne (1 113 252) et en Espagne (1 095 809)[24].

Box-office mondial par pays (par ordre décroissant)[25]

Pays	Box-office		Pays	Box-office		Pays	Box-office
+	44 585 453 $		Brésil	1 351 146 $		Grèce	588 150 $
Royaume-Uni	17 986 199 $		Mexique	1 182 175 $		Argentine	535 213 $
France	8 730 794 $		Autriche	1 034 853 $		Russie	349 128 $
Allemagne	7 410 337 $		Nouvelle-Zélande	992 222 $		Hong Kong	333 628 $
Espagne	6 904 520 $		Norvège	934 999 $		Chili	300 330 $
Australie	4 682 460 $		Finlande	920 338 $		Turquie	218 436 $
Italie	3 447 429 $		Pologne	917 530 $		République tchèque	182 701 $
Pays-Bas	1 571 127 $		Portugal	639 563 $		Colombie	177 512 $

Le film a été quasi-unanimement plébiscité par la critique, recueillant 95 % de critiques positives avec une note moyenne de 8,5/10 et sur la base de 228 critiques collectées sur le site internet Rotten Tomatoes[26]. Il obtient un pointage de 89/100 sur la base de 44 critiques sur Metacritic[27]. En 2008, le magazine Empire l’a classé à la 128^e place dans sa liste des 500 meilleurs films de tous les temps[28].

Roger Ebert du Chicago Sun-Times lui donne 4 étoiles sur 4, évoquant un film « aussi doux et triste que sardonique et amusant » avec « deux magnifiques interprétations » de Bill Murray et Scarlett Johansson[29]. Lisa Schwartzbaum d’Entertainment Weekly lui donne la note « A », affirmant que « le plus étonnant dans ce film enchanteur est la précision, la maturité et l’originalité avec lesquelles Sofia Coppola communique aussi clairement dans son langage cinématographique » et que c’est le meilleur rôle de Bill Murray jusqu’à présent[30]. Pour Mike Clark de USA Today, le film « offre un humour sobre en lieu et place des assauts directs que la plupart des comédies contemporaines nous infligent » et Murray et Johansson « semblent si naturels ensemble que vous devez vous pincer pour penser à leur différence d’âge »[31]. Richard Corliss de Time Magazine met de l’avant la « touche spirituelle des dialogues qui semblent improvisés mais révèlent, de façon détournée, le sentiment de dislocation des personnages »[32]. Peter Travers de Rolling Stone évoque un film « remarquable » au scénario « astucieusement évanescent » où Bill Murray met à jour avec talent « les fêlures émotionnelles » de son personnage tout en étant « hilarant » par moments et où Scarlett Johansson est « saisissante » de « grâce subtile »[33]. Parmi les rares critiques mitigées, Jonathan Rosenbaum du Chicago Reader estime que Sofia Coppola a fait « un excellent travail en tirant le meilleur de ses deux acteurs principaux » et « un assez bon travail en saisissant l’ambiance nocturne de Tokyo et en montrant la sensation d’être un étranger dans ce monde » mais qu’il n’était « pas certain qu’elle n’ait accompli quoi que ce soit d’autre »[34].

Le film a également reçu des critiques négatives. Dans un article du Guardian, Kiku Day écrivit qu’« il n’y a aucune scène où les Japonais se voient accorder une once de dignité. Le spectateur est contraint de rire de ces gens petits et jaunes et de leurs étranges manières »[35]. Dans un autre article du Guardian, le journaliste David Stubbs décrit les personnages de Lost in Translation comme des « Américains gâtés, pleins d’ennui, riches et absolument antipathiques »[36].

En France, le film obtient un pointage de 4,45/5 sur la revue de presse d’Allociné[37]. Florence Colombani du Monde souligne « la drôlerie et l’élégance de la mise en scène » et le don qu’a Sofia Coppola de « suggérer un maximum de choses en un minimum de mots »[37]. Emmanuel Burdeau des Cahiers du cinéma évoque « le meilleur cinéma, immobile et attentif, occupé à la tâche sans fin de son autotraduction »[38]. Serge Kaganski des Inrockuptibles estime que c’est « une comédie romantique aussi subtile que mélancolique »[39]. Jean-Pierre Coursodon de Positif évoque « un film très libre, et parfois désopilant, en même temps que secrètement nostalgique »[40]. Pour Martine Landrot de Télérama c’est un film « radieux, retenu et remuant [qui] marque une date dans l’histoire personnelle de celui qui l’a vu » et bénéficiant de l’interprétation de « deux acteurs au jeu translucide et pénétrant »[41]. Didier Peron de Libération met en avant la « légèreté de la forme » et la « profondeur de fond », une « étude en mode mineur d’un certain état de l’individu moderne déchiré entre les souffrances de l’ubiquité et les ravissements de la solitude ultime »[42].

• (en) Geoff King, Lost in Translation, Edinburgh University Press, 2010, 158 p. (ISBN 978-0-7486-3746-1 et 0-7486-3746-X)

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  • (it) Cinematografo.it
  • (en) IMDb
  • (en) LUMIERE
  • (en) Movie Review Query Engine
  • (de) OFDb
  • (en) Rotten Tomatoes
  • (mul) The Movie Database