Autant en emporte le vent (film)

Le producteur David O. Selznick acheta les droits du roman Autant en emporte le vent de Margaret Mitchell pour 50 000 dollars et engagea un scénariste Sidney Howard[16].

David O. Selznick, lui-même juif, refusa toute allusion racialiste envers les Noirs dans la mesure du possible, donnant comme raison les lois anti-juives qui sévissaient en Europe à cette époque.

Afin de capter les premières impressions du public, David O. Selznick fit organiser une avant-première qui eut lieu dans un petit cinéma à la suite de la projection du film Beau Geste, séance dans le secret le plus total, avant même que la musique fût composée. Le film fit un triomphe.

Les personnages de Rhett, Melanie et Ashley ont été distribués rapidement, notamment celui de Rhett, pour lequel Clark Gable a été très vite réclamé par le public.

L'actrice Vivien Leigh, l'interprète de Scarlett O'Hara.

Le choix de l'actrice devant incarner Scarlett a posé problème très longtemps, si bien que le tournage du film a commencé sans héroïne. Tous les grands noms de l'époque ont auditionné pour le rôle (Katharine Hepburn, Bette Davis, Susan Hayward, Lana Turner, Paulette Goddard, Joan Fontaine…), mais c'est finalement une relative inconnue, Vivien Leigh, qui emporte la mise au dernier moment. Avec son amant Laurence Olivier, elle assiste au tournage de l’incendie d’Atlanta et est alors remarquée par le producteur. Le public est au début réfractaire à l'idée qu'une britannique incarne la sudiste Scarlett, mais les habitants du Sud finissent par accepter ce choix car, disent certains, « mieux vaut une Anglaise qu'une Yankee ! »[17] - [18].

Afin de conserver l'image de jeune fille prude de l'héroïne, et pour éviter qu’un éventuel scandale ne pénalise un film au tournage déjà très difficile (le couple étant marié chacun de son côté), la production interdit à l'actrice Vivien Leigh de rencontrer son compagnon Laurence Olivier durant le tournage et ce jusqu'à la première. Ils durent user de divers stratagèmes pour se voir[19].

L'actrice Olivia de Havilland, l'interprète de Melanie Hamilton.

Dans le documentaire de 2021, Olivia de Havilland, L'insoumise, l'actrice Olivia de Havilland raconte que c'est sa sœur Joan Fontaine, postulant pour le rôle de Scarlett, qui la conseilla à David O. Selznick car, selon Fontaine, sa sœur était la seule à pouvoir jouer le rôle de Mélanie Hamilton. Mais à l'époque, de Havilland était sous contrat avec la Warner.

George Cukor, le réalisateur du film à ce moment, téléphona à l'actrice pour lui demander de venir secrètement faire un essai aux studios MGM. Celle-ci dût jouer face à Cukor qui incarnait Scarlett, sous le regard affûté de Selznick. Olivia de Havilland se souvient du coté fortement cocasse de cette situation, mais sa prestation convainquit Selznick, qui téléphona à Jack Warner afin que celui-ci accepte de lui prêter l'actrice. Warner refusa. Il reconnaîtra plus tard qu'Olivia de Havilland eut l'intelligence de ne pas venir lui faire une scène dans son bureau, mais qu'elle entra en contact avec l'épouse de Jack Warner, Anne, et s'associa avec elle pour convaincre Jack Warner de la prêter pour le film.

En échange, Warner obtint que James Stewart et Rosalind Russell lui soient prêtés pour le film Finie la comédie, et qu'Olivia de Havilland tourne en parallèle dans La vie privée d'Élisabeth d'Angleterre sous la direction de Michael Curtiz, aux côtés de Bette Davis et d'Errol Flynn, pendant la même période où elle joue dans Autant en emporte le vent.

• Acteurs et actrices du film
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  Hattie McDaniel (Mamma), Olivia de Havilland et Vivien Leigh.
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  Ona Munson (Belle Watling).
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  Olivia de Havilland.
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  Alicia Rhett (India Wilkes).
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  Clark Gable (Rhett Butler) et Cammie King (Bonnie Blue).

Pressé par le temps, David O. Selznick commença le tournage du film alors que l'actrice principale pour interpréter le personnage de Scarlett n'était pas encore choisie : aussi, un figurant fut embauché pour tourner la scène de la prise d'Atlanta par l'armée du général Sherman. En effet, le visage de Scarlett n’apparaît pas dans ces scènes du film.

D'autre part, le réalisateur utilisa les décors du film Intolérance (1916) de D. W. Griffith, notamment les remparts de Babylone, pour y mettre le feu, ce qui arrangea les assureurs qui ne voulaient pas risquer la vie de l'actrice à un moment dangereux. Le météorologue Irving P. Krick avait été engagé pour prévoir les conditions météo pour cette scène, afin de minimiser les risques[20].

Peu de temps après le début du tournage, David O. Selznick est remplacé par le réalisateur George Cukor. Alors qu'il commence son travail sur le film, il est engagé comme réalisateur sur le film Le Magicien d'Oz. Il n'y reste qu'une semaine avant de retourner sur le tournage du film Autant en emporte le vent. Mais le tournage tourne au fiasco à cause de la relation très tendue entre George Cukor et Clark Gable. L'acteur vedette menace de quitter le film si son ami Victor Fleming ne prend pas les rênes du film. Ironiquement, ce dernier, qui a remplacé Cukor à la réalisation du Magicien d'Oz, a presque fini son film lorsque il accepte et laisse son équipe terminer le film pour devenir le réalisateur d'Autant en emporte le vent[21].

Pour composer la musique du film, David O. Selznick choisit Max Steiner, avec qui il avait travaillé chez RKO Pictures au début des années 1930. Warner Bros. - qui avait engagé Steiner en 1936 - accepta de le prêter à Selznick. Steiner a passé douze semaines à travailler sur la partition, la plus longue période qu'il ait jamais passée à en écrire une, et avec deux heures et trente-six minutes, c'était aussi la plus longue qu'il ait jamais écrite. Cinq orchestrateurs sont engagés : Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernhard Kaun, Adolph Deutsch et Reginald Bassett.

La partition est caractérisée par deux thèmes d'amour, un pour le doux amour d'Ashley et de Melanie, et un autre qui évoque la passion de Scarlett pour Ashley, bien qu'il n'y ait notamment pas de thème d'amour entre Scarlett et Rhett Butler. Steiner s'est considérablement inspiré de la musique folk et patriotique, qui comprenait des airs de Stephen Foster tels que Louisiana Belle, Dolly Day, Ringo De Banjo, Beautiful Dreamer, Old Folks at Home et Katie Belle. qui a formé la base du thème de Scarlett ; les autres morceaux qui figurent en bonne place sont : Marching through Georgia de Henry Clay Work, Dixie, Garryowen et The Bonnie Blue Flag. Le thème le plus associé au film aujourd'hui est la mélodie qui accompagne « Tara », la plantation O'Hara ; au début des années 1940, Tara's Theme forme la base musicale de la chanson My Own True Love de Mack David. En tout, il y a quatre-vingt-dix-neuf morceaux de musique distincts présentés dans la partition du film.

En raison de la pression pour terminer à temps, Steiner a reçu une aide pour composer de Friedhofer, Deutsch et Heinz Roemheld ; de plus, deux courts signaux — de Franz Waxman et William Axt — ont été tirés des partitions de la bibliothèque MGM[22].

Lors de sa sortie en salles, les magazines grand public et les journaux ont généralement donné d'excellentes critiques à Autant en emporte le vent[23] ; cependant, alors que ses estimations positives de production, ses réalisations techniques et son ambition étaient universellement reconnues, certains critiques de l'époque ont trouvé le film trop long et dramatiquement peu convaincant.

Frank S. Nugent pour le New York Times a le mieux résumé le sentiment général en reconnaissant que, alors qu'il s'agissait de la production cinématographique la plus ambitieuse réalisée jusque-là, ce n'était probablement pas le plus grand film jamais réalisé, mais il a néanmoins trouvé que c'était une « histoire intéressante magnifiquement racontée »[24].

Franz Hoellering du magazine The Nation a été du même avis : « Le résultat est un film qui est un événement majeur dans l'histoire de l'industrie, mais seulement une réalisation mineure dans l'art cinématographique. Il y a des moments où les deux catégories se rencontrent en bons termes, mais les longues étendues entre les deux sont remplies d'une simple efficacité spectaculaire »[25].

Une grande partie des éloges du film a été réservée à sa distribution, l'actrice Vivien Leigh en particulier étant distinguée pour sa performance en tant que Scarlett O'Hara. Frank S. Nugent l'a décrite comme le « pivot du film » et estima qu'elle était « si parfaitement désignée pour le rôle, par l'art et la nature, que toute autre actrice dans [ce] rôle aurait été inconcevable »[24]. De même, Franz Hoellering la trouva « parfaite » dans « l'apparence et les mouvements » ; il estima qu'elle incarnait le mieux son personnage quand elle était autorisée à « accentuer la double personnalité qu'elle dépei[gnait] » et affirma qu'elle était particulièrement efficace dans des moments de caractérisation, comme le lendemain de la scène du viol conjugal de Rhett[25]. John C. Flinn de Variety trouva également Vivien Leigh physiquement adaptée au rôle, et estima qu'elle était la meilleure dans les scènes où elle faisait preuve de courage et de détermination, comme lors de la fuite d'Atlanta et quand Scarlett tue un déserteur yankee[26].

Concernant la performance de Clark Gable en tant que Rhett Butler, John C. Flinn a estimé que sa caractérisation était « aussi proche de la conception de Miss Mitchell — et de celle du public — qu'on pourrait l'imaginer »[26], un point de vue auquel Frank S. Nugent était d'accord[24], bien que Franz Hoellering ait estimé que Gable n'avait pas tout à fait convaincu lors des scènes finales, quand son personnage de Rhett quitte Scarlett avec dégoût[25].

Parmi les autres membres principaux de la distribution, Franz Hoellering et John C. Flinn ont trouvé la performance de Leslie Howard « convaincante » en tant qu'Ashley à la faible volonté, Flinn qualifiant celle de Olivia de Havilland comme « hors concours » en tant que Melanie[25] - [26] ; Frank S. Nugent a également été particulièrement séduit par la performance de Havilland, la décrivant comme un « joyau de caractérisation gracieux, digne et tendre »[24]. La performance de Hattie McDaniel en tant que Mamma a été saluée par de nombreux critiques : Nugent pensait qu'elle avait donné la meilleure performance dans le film après Vivien Leigh[24], Flinn la classant troisième après les performances de Leigh et Gable[26].

En France, en 1955, André Lang déclare dans les colonnes de France-Soir : « L'adaptation d'une œuvre romanesque, quand elle [est] réalisée avec les soins, l'ampleur, l'intelligence que Victor Fleming a apportés à Autant en emporte le vent [...], c'est tout le cinéma ». En 1962, Jacques Siclier de Télérama affirme : « Il faut avoir vu Autant en emporte le vent, non pour sa culture de cinéphile peut-être mais pour le simple plaisir du spectacle ». En 1985, Henri-François Rey indique dans Le Figaro que « Autant en emporte le vent, finalement, est beaucoup plus qu'un film, un jalon, un signal qui décrit un temps révolu où les coups de cœur se voulaient éternels ». Par contraste, en 1981, Samuel Lachize de L'Humanité, parle au sujet du film de « [...] puérilité, naïvetés, incohérences qui encombrent le récit, [et d'un] manque d'homogénéité dans la distribution »[27].

Sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes, le film obtient un score de 90 % d'avis favorables, sur la base de 103 critiques collectées et une note moyenne de 8,80/10 ; le consensus du site indique : « La grandeur épique et l'allure romantique de [Autant en emporte le vent] résument une époque du cinéma hollywoodien — mais cela ne peut excuser une perspective aveugle qui se tient du mauvais côté de l'histoire »[28]. Sur Metacritic, le film obtient une note moyenne pondérée de 97 sur 100, sur la base de 18 critiques collectées ; le consensus du site indique : « Acclamation générale » (Universal acclaim)[29].

Selon plusieurs universitaires, Autant en emporte le vent populariserait une vision révisionniste de l’histoire des États-Unis[30], proche de celle de la Cause perdue (« Lost Cause »), qui présente la cause de la Confédération comme noble (combat pour l'indépendance politique et économique des États du Sud menacés par le Nord, et non une lutte pour le maintien de l'esclavage)[30] et montre la plupart de ses chefs comme des modèles d'une chevalerie démodée, ce qui constitue une contre-vérité historique[30]. Selon cette théorie, le Sud n'aurait succombé que face à la force numérique et industrielle de l'Union, qui surpassait le courage et la supériorité militaire de la Confédération. Par ailleurs, le film présente une version romantique du Sud et une vision très édulcorée de l'esclavage, avec notamment du personnel de maison esclave montré comme satisfait de son sort et traité comme des employés ordinaires[30], ou bien incapable de se débrouiller par lui-même.

Cette approche est à remettre dans le contexte de l'époque des années 1930 dans le Sud des États-Unis, où la ségrégation raciale est à son paroxysme. En effet, les lois raciales de l'époque, en vigueur aux États-Unis, empêchèrent l'actrice Hattie McDaniel (Mamma) d'assister à l'avant-première du film à Atlanta en Géorgie, le 15 décembre 1939. Ne voulant pas mettre son producteur dans l'embarras, l'actrice lui signala qu'elle n'était pas disponible pour s'y rendre. Dans un premier temps, Clark Gable refusa de s'y rendre si McDaniel en était exclue, mais cette dernière le convainquit d'y participer malgré tout. Mais, en fin de compte, et en dépit de l'esprit ségrégationniste de l'époque, Hattie McDaniel fut récompensée de l'Oscar du meilleur second rôle féminin, devenant à cette occasion la première artiste noire à recevoir cette récompense. Elle dut cependant, lors de la cérémonie, se contenter de rester au fond de la salle avec son agent, à l'écart des autres[31] - [32] - [33].

En août 2017, à la suite des évènements de Charlottesville, un cinéma de Memphis suspend sa projection annuelle du film de Victor Fleming, estimant que cette œuvre, qui plonge dans la guerre de Sécession, est maladroite à l'égard du public afro-américain[34] - [35].

En juin 2020, en réaction à la mort de George Floyd, le film est temporairement retiré du catalogue d'HBO Max, le temps de lui ajouter une contextualisation écrite pour resituer l’œuvre dans son époque[30] - [36]. Selon un porte-parole de HBO Max interrogé par l'Agence France-Presse : « Autant en emporte le vent est le produit de son époque et dépeint des préjugés racistes qui étaient communs dans la société américaine », ajoutant que maintenir ce film dans leur catalogue « sans explication et dénonciation de cette représentation aurait été irresponsable »[30]. HBO compte, après cette contextualisation, présenter le film dans son intégralité, car procéder autrement reviendrait à « faire comme si ces préjugés n’avaient jamais existé »[30].

File d'attente pour Autant en emporte le vent devant un cinéma de Pensacola (Floride) en 1947.

En 1947, la salle de cinéma Empire (en) de Londres dans le West End, annonce la 3 009^e projection du film, qualifié de « miracle en Technicolor ».

Le film est considéré comme un des plus gros succès de l'histoire du cinéma ; en 2020, ses recettes sont estimées à plus de 3,44 milliards de dollars, en tenant compte de l'inflation[6] - [7].

En France, le film a attiré 5 035 745 spectateurs en salles à la date de 1950[15].

Lors de la cérémonie des Oscars 1940, attribués le 29 février 1940, avec 13 nominations lui permettant de remporter 8 trophées[37], Autant en emporte le vent remporta les prix suivants :

• Oscar du meilleur film ;
• Oscar du meilleur réalisateur pour Victor Fleming ;
• Oscar du meilleur scénario adapté pour Sidney Howard (récompense posthume) ;
• Oscar de la meilleure actrice pour Vivien Leigh ;
• Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour Hattie McDaniel (premier Oscar attribué à un acteur ou une actrice noire) ;
• Oscar de la meilleure photographie pour un film en couleur pour Ernest Haller et Ray Rennahan (Oscar scindé en deux catégories, couleur et noir et blanc, à partir de 1939 jusqu'en 1967) ;
• Oscar du meilleur montage pour Hal C. Kern et James E. Newcom ;
• Oscar de la meilleure direction artistique pour Lyle Wheeler.

Le film avait également été nommé dans les catégories meilleur acteur pour Clark Gable, meilleure actrice dans un second rôle pour Olivia de Havilland, meilleure musique de film, meilleur son et meilleurs effets spéciaux.

Il remporta également deux prix spéciaux :

• Récompense technique spéciale pour le décorateur William Cameron Menzies ;
• Récompense scientifique ou technique collective, pour d'importantes contributions en faveur du développement de nouveaux matériels et procédés d'éclairage.

La réplique finale de Rhett Butler, « Franchement, ma chère, c'est le cadet de mes soucis » (« Frankly, my dear, I don't give a damn ») à la question de Scarlett : « Mais Rhett, que vais-je devenir ? » est devenue culte.

En 2005, celle-ci est élue plus grande réplique du cinéma américain dans le classement AFI's 100 Years... 100 Movie Quotes. Elle avait pourtant été menacée d'être censurée au moment du tournage, car le code Hays déconseillait l'usage du mot « damn », considéré à l'époque comme grossier.

Ce film est analysé par bien des cinéphiles comme la plus grande histoire d'amour de toute l'histoire du cinéma. Il ne faut cependant pas négliger la place donnée au temps qui passe et à la nostalgie d'une époque perdue, souvent évoqué par Ashley et Scarlett elle-même. Le titre d'ailleurs en justifie l'importance : Gone with the wind (emporté par le vent) désigne une glorieuse époque pour les sudistes, lumineuse, optimiste… « une civilisation emportée par le vent » (A Civilization gone with the wind)[38]. Les époques ont une place primordiale, d’où la division des quatre heures de film en quatre parties.

Une partie à dominante verte évoque la fertilité d'une civilisation à son apogée. La seconde partie est en rouge ; elle est empreinte de sang, de rage et de colère, de la jalousie de Scarlett et de feu destructeur. La troisième période est faite de couleur terne : marron, brun, les couleurs de la sécheresse et de l'infertilité de l’après-guerre. Enfin, la dernière période est baignée de noir, celui de la mort.

L'arbre de Tara évoque également ces changements de période : il est tantôt fleuri, tantôt nu. Le choix du procédé Technicolor par David O. Selznick est déterminant pour rendre à la photo la flamboyance voulue par le producteur afin de traduire les différentes époques du récit et leurs atmosphères parfois ternes ou sombres, mais le plus souvent saturées.

Clark Gable et Vivien Leigh dans le film.

Scarlett traverse ces époques et reste obstinée, manipulatrice, sans scrupules, aveuglée et mue par ses deux passions : Tara et son amour d'adolescente pour Ashley[38]. Son caractère s'oppose à celui d'Ashley, droit, lucide, attiré par la sensualité de Scarlett mais las de tous, immobile et incertain. Il présente cependant deux intérêts dans le film : sa poésie et sa nostalgie, qui évoquent les jours heureux des planteurs du Sud avant la guerre civile.

Le caractère de Scarlett s'oppose à celui de Melanie, mais pas autant que certains critiques voudraient le faire croire[39] : Melanie est un peu bas-bleu, certes, mais elle sait braver les interdits. Courageuse, elle est droite et bienveillante, elle est la gardienne de toute la dignité élégante d'une époque et d'une aristocratie de gens d'honneur. Si elles sont rivales dans leur amour pour Ashley, les deux belles-sœurs s'estiment. Melanie est à jamais reconnaissante à Scarlett de les avoir sauvés, son bébé et elle, lors du siège d'Atlanta.

La reine du bon sens reste cependant Mama, nounou de Scarlett, la seule qui connaisse Scarlett mieux que quiconque (avec Rhett), elle la comprend, la juge parfois mais la soutient dans les épreuves.

Rhett est quant à lui le personnage qui dit ressembler le plus à Scarlett, il le lui fait d'ailleurs remarquer (« nous ne sommes pas des gentlemen, Scarlett »). Il comprend très tôt que Scarlett est la femme de sa vie. Le drame de celle-ci va être de découvrir trop tard son amour pour Rhett, le seul qui la comprenne et lui ait révélé le plaisir sexuel (assez osée, cette scène pour le Hollywood de 1939)[38].

La musique de Steiner est en parfait accord avec à la fois la nostalgie du Sud et la force de caractère de Scarlett, l'espoir, l'énergie, la volonté de survivre, le désir, la rage de vaincre.

De nombreux personnages du roman orignal de Margaret Mitchell, non essentiels à l'intrigue du film, ont été supprimés : la famille Fontaine, le personnage de Cade Calvert, le grand-père Merriwether, tous les Tarleton (à l'exception de Brent et Stuart), etc.

Toutefois, certains personnages relativement importants n'ont pas obtenu non plus leur ticket pour Hollywood :

• dans le roman, Scarlett O'Hara donne naissance à trois enfants, un avec chacun de ses maris, alors que seule Bonnie, la fille qu'elle a avec Rhett, apparaît dans le film. Des deux autres enfants, seul Wade Hampton Hamilton, son fils aîné, tient une place importante dans le roman. Ella Lorena, fille de Frank Kennedy, est peu évoquée dans le livre, si ce n'est pour dire qu'elle n'est pas très jolie. Cependant, le nom de Wade Hampton apparaît dans le film : c'est le lieutenant qui annonce par lettre à Scarlett que son premier mari, Charles Hamilton, est mort ;
• les personnages d'India et Honey Wilkes, sœurs d'Ashley, sont fusionnés en un seul, celui d'India, dans le film ;
• le vieux et répugnant Archie, qui accompagne India Wilkes au moment où ils découvrent Scarlett et Ashley enlacés, n'apparaît pas non plus dans le film. À l'écran, c'est M^me Meade qui est avec India à ce moment crucial de l'intrigue ;
• Dilcey, épouse du majordome Pork et mère de Prissy, très attachée aux O'Hara et aide précieuse à la plantation pour Scarlett pendant les années de disette, disparaît à l'écran ;
• le vieil oncle Henry Hamilton, personnage pittoresque, ne figure pas au générique du film ;
• le personnage le plus important du roman à ne pas apparaître à l'écran est toutefois celui de Will Benteen, ex-soldat recueilli à Tara après la guerre et qui finit par s'y fixer en épousant Suellen ;
• dans le film, Gérald O'Hara meurt à la suite d'une chute de cheval au cours d'une course poursuite avec la voiture des Slattery. Pourtant, dans le livre, il meurt bien plus tard au cours d'une crise de folie.

Autres différences :

• le drame personnel de Carreen, benjamine des sœurs O'Hara, est lui aussi passé sous silence ;
• dans la scène de la réunion d'Atlanta, lorsque le soldat demande aux deux jeunes femmes de lui remettre leurs bijoux, ce n'est pas Mélanie qui donne son alliance en premier mais bien Scarlett qui, d'après le livre, jette son alliance « d'un geste de défi ».

• Dans L'Armée des ombres (1969) de Jean-Pierre Melville, les acteurs Paul Meurisse et Lino Ventura sortent d'un cinéma londonien après avoir vu Autant en emporte le vent, et le personnage de Meurisse dit : « Pour les Français, la guerre sera finie quand ils pourront lire Le Canard enchaîné et voir ce film merveilleux. »
• Dans The Outsiders (1983) de Francis Ford Coppola, on compte de nombreuses références au film et au roman Autant en emporte le vent, que les deux fugitifs du film lisent en cavale.
• Dans The Mask (1994), le personnage incarné par Jim Carrey fait un clin d'œil au film après s'être pris une balle au Coco Bongo : « Dis à Scarlett que ce n'est pas l'cadet de mes soucis ! »
• Dans Les Noces funèbres (2005) de Tim Burton, le personnage du majordome squelette entonne la réplique finale de Rhett Butler à sa femme, quand il la retrouve dans le monde des vivants.
• Avec Australia (2008) de Baz Luhrmann, le réalisateur déclare avoir réalisé « son » Autant en emporte le vent[40].
• Dans BlacKkKlansman : J'ai infiltré le Ku Klux Klan (2018) de Spike Lee, la scène d'ouverture du film reprend le plan d'Autant en emporte le vent où Scarlett marche parmi les soldats blessés à Atlanta, avant que le zoom arrière de la caméra de Lee ne montre le drapeau des États confédéré en gros plan. Par cette manœuvre, Spike Lee affirme « déconstruire les idéaux sudistes » de Autant en emporte le vent[41]. Il affirme d’ailleurs que Autant en emporte le vent a « entretenu la mentalité raciste en Amérique »[42].

• De nombreuses références au film apparaissent dans divers épisodes de la série Les Simpson, notamment autour de la fin du film[43].
• Dans la série Dead Like Me (2003), le personnage de Daisy affirme avoir été une des actrices du film.

• L'auteur de manga Osamu Tezuka a fait un pastiche d’Autant en emporte le vent dans Astro, le petit robot (1952). Dans une des histoires, Astro se retrouve coincé au Japon de 1969 avec « Scara », une femme extra-terrestre immature et superficielle, qui a fui son mari « Ohara » et son rival « Butler ».

• AFI's 100 Years...100 Movies
• « Franchement, ma chère, c'est le cadet de mes soucis »
• Scarlett, série télévisée diffusée en 1994

• Jacques Zimmer, Autant en emporte le vent, J'ai lu Cinéma, 1988.
• Adrian Turner, Authentiques images d'un film - Autant en emporte le vent, Vent d'Ouest, 1989.
• Judy Cameron et Paul Christman, La fabuleuse histoire d'un film - Autant en emporte le vent, Nathan Image, 1989.
• Roland Flamini, Le Fabuleux tournage d'Autant en emporte le vent, L'Étincelle, 1990.
• Aljean Harmetz, Autant en emporte le vent : les coulisses du film, Plume, 2000.
• « Portrait n^o 3 : Autant en emporte le vent », Cinémania, 1978.
• « Histoire d'une légende : Autant en emporte le vent », Studio magazine n^o 55, 1991.
• François-Guillaume Lorrain, Scarlett, Flammarion, 2022.

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • Allociné
  • Centre national du cinéma et de l'image animée
  • Ciné-Ressources
  • Cinémathèque québécoise
  • (en) AllMovie
  • (en) American Film Institute
  • (en) BFI National Archive
  • (en) British Film Institute
  • (it) Cinematografo.it
  • (en) IMDb
  • (en) LUMIERE
  • (en) Movie Review Query Engine
  • (de) OFDb
  • (en) Rotten Tomatoes
  • (mul) The Movie Database
• Ressource relative aux beaux-arts :
  • (en) Museum of Modern Art
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • (en) Metacritic
• Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes :

  • Britannica
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  • WorldCat
• (en) Autant en emporte le vent sur Box Office Mojo
• (en) TCM Cinéma, « Autant en emporte le vent : la Première à Atlanta » [vidéo], sur la chaîne YouTube de Turner Classic Movies, 13 août 2014 (mise en ligne).