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Musée du Prado

Le musée du Prado (en espagnol : Museo Nacional del Prado) à Madrid (Espagne) est l'une des plus grandes et des plus importantes pinacothèques du monde. Il présente principalement des peintures européennes (flamandes, espagnoles, françaises, italiennes et allemandes) du XIVe siècle au début du XIXe siècle, collectionnées par les Habsbourg et les Bourbons.

Musée du Prado
Façade ouest du musée du Prado en 2016.
Informations générales
Nom local
Museo Nacional del Prado
Type
Musée d'art, musée national
Ouverture
Surface
41 995 m2
Visiteurs par an
2 652 924 (2007)
2 911 000 (2011)[1]
Site web
Collections
Collections
Peinture espagnole (XIIe – XIXe siècle)
Peinture italienne (XVe – XVIIIe siècle)
Peinture flamande (XVe – XVIIe siècle)
Peinture française (XVIIe siècle)
Peinture allemande (XVIe – XVIIIe siècle)
Sculpture
Arts décoratifs
Dessins et estampes
Bâtiment
Architecte
Protection
Localisation
Pays
Commune
Adresse
Calle Ruiz de Alarcón, 23
28014 Madrid
Coordonnées
40° 24′ 50″ N, 3° 41′ 32″ O
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Les œuvres des peintres Diego Vélasquez, Francisco Goya, et Jérôme Bosch sont les plus célèbres et les plus nombreuses mais il y a aussi celles de El Greco, de Pierre Paul Rubens, Anton van Dyck, Raphaël, Titien, Antonio Moro, Tintoretto, Bartolomé Esteban Murillo, Francisco de Zurbarán, José de Ribera, ainsi que des tableaux de Fra Angelico, Botticelli, Andrea Mantegna, Véronèse, Le Caravage, Albrecht Dürer, Rembrandt, Nicolas Poussin, Claude Gellée, Watteau, etc.

Le musée détient aussi des collections de dessins et d'estampes (quelque 6 400 dessins et 3 000 estampes), un fonds d'un millier de sculptures (dont une importante collection de sculptures gréco-romaines) et un grand nombre d'objets décoratifs et de documents historiques. Après les travaux d'agrandissement dirigés par Rafael Moneo, il expose en permanence une collection de 1 300 Å“uvres dans son siège, plus 3 000 prêtées pour être exposées dans d'autres galeries et institutions officielles.

Le musée du Prado, avec le musée Thyssen-Bornemisza et le musée national centre d'art Reina Sofía à proximité, forme le triangle d'or de l'art de Madrid, qui a été inscrit sur la liste du Patrimoine mondial de l'UNESCO en 2021.

Histoire
La reine Marie-Isabelle de Bragance, considérée comme l'inspiratrice du musée, dans un portrait par Vicente López Portaña de la collection du Prado.

Le bâtiment qui abrite le Musée du Prado a été initialement conçu par José Moñino y Redondo, comte de Floridablanca et premier secrétaire d'État du roi Carlos III, comme le Cabinet royal d'histoire naturelle, dans le cadre d'une série d'institutions à caractère scientifique (conçues selon la nouvelle mentalité des Lumières) pour le réaménagement de la promenade appelée Salón du Prado. Pour ce faire, Charles III fait appel à l'un de ses architectes préférés, Juan de Villanueva, également auteur du Jardin Botanique Royal voisin et du Observatoire royal du Madrid, avec lesquels il forme un ensemble connu sous le nom de Colline des sciences.

Le projet architectural de l'actuelle galerie d'art a été approuvé par Charles III en 1786. Il s'agit de l'aboutissement de la carrière de Villanueva et de l'un des sommets du Néoclassicisme espagnol, bien que, compte tenu de la longue durée des travaux et des vicissitudes ultérieures, le résultat final s'éloigne quelque peu du projet initial.

Les travaux de construction ont été réalisés sous les règnes de Charles III et de Carlos IV, et l'édifice était pratiquement achevé au début du. Mais l'arrivée des troupes françaises en Espagne et la Guerre d'indépendance l'ont marqué ; il a été utilisé à des fins militaires (caserne de cavalerie) et est tombé dans un état de quasi ruine ; les feuilles de plomb des toits ont été fondues pour fabriquer des balles.

Grâce au seul intérêt manifesté par Fernando VII et, surtout, par sa seconde épouse, Marie-Isabelle de Bragance, la restauration de l'édifice commence en 1818, sur la base de nouveaux plans de Villanueva lui-même, remplacé à sa mort par son disciple Antonio López Aguado, avec des fonds fournis par le roi à partir de sa "bourse personnelle" ou "poche secrète".

Le 19 novembre 1819, le Musée royal de peinture, nom initial de l'institution, est discrètement inauguré. C'est l'aboutissement d'un projet qui avait déjà été esquissé à l'époque de Charles IV : la fondation d'un musée sur le modèle du Louvre de Paris, qui exposerait les pièces les plus choisies de la collection royale. À l'époque, il comptait trois cent onze tableaux, exposés dans trois salles, tous de peintres de l'école espagnole, mais il en abritait bien d'autres. Au fil des années, de nouvelles salles et œuvres d'art ont été ajoutées au fur et à mesure de l'achèvement du bâtiment.


Au départ, le musée n'était qu'une partie du patrimoine de la Couronne. Pour cette raison, de nombreux envois provenaient des palais royaux et des monastères, mais il y avait aussi des œuvres qui ont ensuite été envoyées dans de nouveaux lieux. C'est le cas de Saint Ferdinand devant la Vierge, de Luca Giordano, qui fut transféré en 1828 au Palais royal du Pardo.

C'est précisément le lien de la collection avec la Couronne qui posa un sérieux problème à la mort de Ferdinand VII, en raison du partage testamentaire de ce dernier entre Isabelle II et sa sœur, Louise-Fernande de Bourbon.

L'exécution du testament est reportée jusqu'à la majorité d'Isabel. Face au doute de savoir si tous les biens inclus dans les inventaires pouvaient être considérés comme faisant partie du libre héritage du roi, une commission fut nommée qui, en 1844, rendit un rapport dans lequel, tout en reconnaissant que les dispositions testamentaires tout au long de l'histoire des monarques espagnols étaient trop imprécises et variables pour permettre d'établir une tradition, elle exprimait son opposition en tout cas à un partage, car la majorité des biens appartenaient à la couronne espagnole depuis des temps très reculés. Il propose donc comme solution :

« ...Faire de V.M. sa propriété, moyennant une compensation équitable légalement convenue, tous les meubles et effets de toute nature adjugés à son auguste sœur, qui, n'étant pas applicables à son usage particulier, sont destinés au service et à l'ornement des palais de V.M. »


Rapport qui fut approuvé par la Reine, en accord avec sa mère et sa sœur.

Après le détrônement en 1868 d'Isabelle II, le musée fait partie du "patrimoine de la Nation"[note 1] par la loi du 18 décembre 1869, qui abolit le patrimoine de la Couronne. Cette loi établissait cependant un ensemble de biens destinés à l'usage et au service du monarque, mais n'incluait pas le musée.

En 1872, le Museo de la Trinidad, créé à partir d'œuvres d'art réquisitionnées en vertu de la Loi de désaffectation de Mendizábal (1836), est supprimé et ses fonds sont transférés au Prado. À la suite de cette fusion, le Prado a été rebaptisé Museo Nacional de Pintura y Escultura, appellation qui était jusqu'alors détenue par le Museo de la Trinidad. Ce nom a été maintenu jusqu'à ce que le Décret royal du 14 mai 1920 lui donne officiellement le nom actuel de Museo Nacional del Prado, qui était la façon dont il était habituellement connu auparavant, puisque le bâtiment a été construit sur les terrains de l'ancien Prado de los Jerónimos.

Au cours des décennies suivantes, d'autres collections ont été intégrées au Prado, notamment le Museo de Arte Moderno en 1971 - à l'exception de sa section, qui deviendra plus tard la base initiale du Museo Reina Sofía.

D'autres collections sont venues grossir le fonds du Prado : les tableaux du Museo-Biblioteca de Ultramar, qui avaient été transférés au Museo de Arte Moderno après sa dissolution en 1908, et une partie de la collection du Museo Iconográfico, un musée éphémère installé provisoirement en 1879 dans le même bâtiment que le musée du Prado et qui, une décennie plus tard, a été supprimé, ses collections étant réparties entre différents musées, dont le Prado, des bibliothèques et des sièges d'organismes officiels.

L'arrivée de collections d'autres musées a obligé l'institution à intensifier sa politique de diffusion de ses fonds en créant des dépôts stables d'œuvres d'art dans d'autres institutions publiques et privées en Espagne et aussi dans certains cas à l'étranger (embassade).

Pendant le siglo XIX et une bonne partie du XX, le Prado a vécu dans une situation quelque peu précaire, l'État ne lui apportant qu'un soutien et des ressources insuffisants. Les mesures de sécurité déficientes, avec une partie du personnel du musée vivant sur place et des piles de bois stockées pour les cuisinières, ont suscité l'inquiétude de certains connaisseurs.

L'article de Mariano de Cavia publié en 1891 en première page de El Liberal, qui décrivait un incendie qui avait dévasté le Prado, était très connu. Ce n'est qu'à la fin de l'article qu'il a été révélé que l'événement était fictif, si bien que de nombreux Madrilènes s'en sont alarmés. Cette fausse nouvelle a servi de signal d'alarme pour l'adoption de certaines améliorations d'urgence.


Mais en 1918, on découvre les vrais dégâts, le pillage du Tesoro del Delfín, effectué par un employé du musée lui-même, Rafael Coba.

La plupart des pièces ont été récupérées, à l'exception de onze d'entre elles, mais trente-cinq d'entre elles ont été gravement endommagées, dépouillées de bon nombre de leurs garnitures en pierre et en métal précieux.

L'incident, le plus grave de l'histoire de l'institution, a coûté son poste à son directeur, le peintre José Villegas Cordero, et a entraîné la fermeture préventive des ateliers d'artistes de la galerie.

C'est le pire vol que le musée ait jamais subi, mais en 1897, il a également subi le vol d'une esquisse de Murillo, Santa Ana enseñando a leer a la Virgen, et en 1961, un autre voleur a tenté de pénétrer dans le bâtiment par le toit, mais a fait une chute mortelle.

Il avait dans sa poche un papier préparé qui dictait les conditions pour la récupération des tableaux.

Un grand nombre de chefs-d'Å“uvre du Prado ont été evacuadas pendant la Guerre civile, de peur que les bombardements de Franco ne détruisent le bâtiment et son contenu. Cinquante-quatre Å“uvres ont également été transférées du MAM, ainsi que d'autres provenant du site royal de Saint-Laurent-de-l'Escurial et certaines de particuliers, comme La Comtesse de Chinchón, de Goya, alors propriété du ducs de Sueca, ou La Comtesse de Santovenia", de Eduardo Rosales, appartenant à l'époque au duc de La Torre, qui l'avait en dépôt au MAM. Ils ont effectué un long voyage à travers différents endroits de l'est de l'Espagne (Valence, Catalogne) jusqu'à ce qu'ils arrivent en train à Genève, où ils ont été la pièce maîtresse d'une exposition qui a suscité un intérêt international et attiré 400 000 visiteurs, un chiffre formidable pour l'époque.

Des artistes de l'époque comme Paul Klee et Alberto Giacometti sont venus la voir. Après sa fermeture, les œuvres ont été réintégrées au musée de Madrid après une absence de près de trois ans.

Malgré plusieurs extensions mineures, le Prado a souffert d'un manque d'espace, plus grave à partir des années 1960, lorsque le boom touristique a fait augmenter le nombre de visiteurs. Progressivement, la galerie s'est adaptée aux nouvelles exigences techniques ; le système de filtrage et de contrôle de l'air a été installé dans les années 1980, coïncidant avec la restauration de nombreux tableaux de Velázquez.

La toiture, construite avec des matériaux disparates et à travers des réparations successives, a souffert de fuites occasionnelles, jusqu'à ce qu'en 1995 un concours restreint soit lancé pour sa refonte intégrale, remporté par les architectes Dionisio Hernández Gil et Rafael Olalquiaga, et les travaux ont été réalisés entre 1996 et 2001.

En 1995, un accord parlementaire signé par les deux principaux partis représentés aux Cortes Generales, le PP et le PSOE, met le musée à l'abri des aléas politiques et apporte le calme nécessaire à un processus de modernisation, qui comprend des modifications juridiques ainsi que l'extension. Celui-ci, après un concours d'idées controversé, a été attribué à l'architecte Rafael Moneo, déjà connu pour son travail sur le musée national d'art romain de Mérida et le musée Thyssen-Bornemisza, entre autres. L'extension a été inaugurée en octobre 2007, après cinq ans de travaux.

Principales œuvres exposées

Peinture espagnole
Le Greco, Saint Jean l'Évangéliste (1609).
Les Ménines de Vélasquez.

Le musée possède la plus grande collection au monde de peintures espagnoles. Elle comprend des Å“uvres qui s'étendent de l'art roman du XIIe jusqu'à la fin du XIXe siècle. La collection de peintures gothiques présente des auteurs anonymes mais aussi des toiles de Bartolomé Bermejo, Juan de Flandes, Fernando Gallego et Berruguete ; la renaissance espagnole est notamment représentée par Pedro Machuca, Juan de Juanes, Fernando Yáñez de la Almedina ou Juan Correa de Vivar. Elle comprend également la plus importante collection d'Å“uvres du Greco. La plupart des artistes de la période la plus brillante de la peinture espagnole, l'époque baroque, sont représentés, parmi lesquels Zurbarán, Ribera, Murillo, Juan de Valdés Leal, Juan Bautista Maino, Alonso Cano, Carreño, Bartolomé Román, José Antolínez, Antonio de Pereda, Francisco Ricci, Herrera el Mozo, et, pour couronner l'ensemble, les principaux chefs-d'Å“uvre de Velázquez, dont Les Ménines, Les Fileuses et La Reddition de Breda. Pour le XVIIIe siècle, les Å“uvres de Goya couvrent toutes les périodes et facettes de son art, qu'il s'agisse de dessins et croquis ou de peintures, avec notamment les Dos de Mayo et Tres de Mayo, La Maja nue et La Maja vêtue et les fameuses Peintures noires. On peut aussi admirer des Å“uvres de Luis Meléndez et de Luis Paret, célèbre représentant de l'art rococo. Le musée travaille également depuis longtemps à la mise en valeur de la peinture espagnole du XIXe siècle, postérieure à Goya avec des artistes comme Mariano Fortuny. Le fonds comprend près de 3 700 Å“uvres de cette époque, soit presque la moitié des peintures du musée. Cet effort s'est traduit par l'ouverture en de douze nouvelles salles qui présentent 176 pièces montrées pour la première fois depuis 1896.

Peinture italienne

La collection de peinture italienne est la seconde collection du musée, même si elle est relativement pauvre en œuvres antérieures au XVIe siècle. Les œuvres du Trecento sont peu nombreuses et circonscrites à des auteurs mineurs, comme Giovanni del Ponte. La peinture du Quattrocento ne présente également qu'un panorama limité, mais comprend quelques chefs-d'œuvre tels que le Retable de l'Annonciation de Fra Angelico, La Mort de la Vierge de Mantegna, les L'Histoire de Nastagio degli Onesti de Botticelli ou le magnifique Le Christ mort soutenu par un ange de Antonello da Messina.

Noli me tangere du Corrège vers 1525.

Mais c'est à partir du XVIe siècle que la collection italienne du Prado prend toute sa dimension avec neuf œuvres majeures de Raphaël (dont La Vierge à la rose, Portrait d'un cardinal ou Lo Pasmo di Sicilia). Parmi les autres grands noms de la renaissance italienne, on trouve Sebastiano del Piombo, Le Corrège, Andrea del Sarto et Federico Barocci, auteur situé à la transition du maniérisme, lui-même bien représenté par des œuvres de Parmigianino, Bronzino ou Francesco Salviati. La peinture vénitienne du XVIe siècle mérite une mention particulière, avec un fonds qui en fait la première collection hors de l'Italie. L'artiste principal de l'école vénitienne, Le Titien, était le peintre favori de Charles Quint et de Philippe II d'Espagne pour lesquels il a réalisé certaines de ses œuvres majeures, comme le Charles Quint à la bataille de Mühlberg ou la Danaé. Le Tintoret, Paul Véronèse, Lorenzo Lotto, les Bassano et quelques précurseurs comme Vincenzo Catena sont également représentés.

La peinture baroque italienne est certainement l'un des principaux centres d'intérêt des collections du Prado par la variété des artistes et la qualité des œuvres qui peuvent être admirées. Les deux grandes tendances picturales de l'époque, le ténébrisme et le classicisme bolonais, sont représentées. Pour la première, la collection offre une palette complète depuis Le Caravage (David et Goliath) jusqu'à ses successeurs, comme Orazio Gentileschi (Moïse sauvé des eaux), sa fille Artemisia Gentileschi, Giovanni Battista Caracciolo ou Bernardo Cavallino. Les œuvres du classicisme bolonais sont également très fournies, avec des œuvres de Annibale Carracci (Vénus et Adonis, L'Assomption de Marie), Domenico Zampieri, Guido Reni (Hippomène et Atalante), Guercino, ou Giovanni Lanfranco. On trouve aussi des représentants de l'école baroque décorative avec Pietro da Cortona et Luca Giordano, qui a travaillé en Espagne pour le roi Charles II d'Espagne. À ces grands noms du baroque, il faut ajouter des auteurs moins connus, comme Francesco Furini, Salvatore Rosa, Orazio Borgianni, Mattia Preti ou Alessandro Magnasco. La figure de Giovanni Battista Tiepolo (avec sa fameuse Immaculée Conception) clôt ce survol de la collection italienne du Prado, aux côtés d'autres artistes venus en Espagne pour décorer le palais royal de Madrid, comme son fils Giandomenico Tiepolo et Corrado Giaquinto.

Peintures flamande et hollandaise
Judith au banquet d'Holopherne de Rembrandt (1634).

La collection de peintures flamandes figure également parmi les toutes premières d'Europe, depuis les primitifs flamands, avec des œuvres de Robert Campin (trois pièces parmi la vingtaine qui lui est attribuée), Rogier Van der Weyden (La Descente de Croix), Dieric Bouts (Retable de la Vierge), Petrus Christus ou Hans Memling (Triptyque de l'Adoration des mages), jusqu'à la plus remarquable collection de tableaux de Jérôme Bosch. Les œuvres de Patinier, Mabuse, Jan van Scorel, Pieter Brueghel l'Ancien (en particulier Le Triomphe de la Mort), Quentin Metsys (Vieille s'arrachant les cheveux, Tentation de Saint-Antoine Abbé) et Pieter Coecke sont également de tout premier plan. La peinture flamande du XVIIe siècle est également particulièrement bien représentée avec une collection considérable de peintures de Rubens, plus de 25 tableaux de van Dyck, plusieurs de Jacob Jordaens (en particulier l'Autoportrait avec sa femme et sa fille Elisabeth) et la série des Allégories des cinq sens réalisée par Jan Brueghel l'Ancien (Brueghel de Velours) et Pierre Paul Rubens. La peinture hollandaise occupe une place plus modeste avec une centaine de pièces, toutes du XVIIe siècle, dont une œuvre majeure de Rembrandt (Artémise). Le fonds comprend toutefois également des pièces de Gabriel Metsu, Willem Claeszoon Heda, Adriaen van Utrecht, Adriaen van Ostade, Mathias Stomer, Jacob van Ruisdael et Philips Wouwerman.

Peinture française

La collection de peintures françaises comprend principalement des œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles avec des pièces majeures de Poussin, comme Le Triomphe de David et Le Parnasse, ou de Claude Gellée et deux tableaux de Simon Vouet. Le ténébrisme est également représenté avec Georges de La Tour et Valentin de Boulogne. Des portraitistes de la cour d'Espagne, comme Jean Ranc et Van Loo, ou Hyacinthe Rigaud et Antoine-François Callet côtoient aussi des maîtres du rococo comme Watteau, Boucher et Hubert Robert. Le musée présente enfin quelques peintres du XIXe siècle, tels que Ernest Meissonier et Paul Baudry.

  • Le Joueur de vielle, Georges de la Tour.
    Le Joueur de vielle, Georges de la Tour.

Peinture allemande

La collection de peintures allemandes est réduite mais de grande qualité. Elle comprend en premier lieu un ensemble de quatre œuvres majeures de Albrecht Dürer, dont son Autoportrait aux gants de 1498. Parmi les autres œuvres, on trouve notamment une Vierge à l'enfant de Lucas Cranach l'Ancien, deux allégories de Hans Baldung, une petite peinture de Adam Elsheimer et, pour le XVIIIe siècle, un ensemble de portraits et dessins de Raphaël Mengs.

Peinture anglaise

Une petite collection de peintures anglaises est également présentée avec des œuvres de Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, David Roberts, Lawrence Alma-Tadema ou John Closterman (en), peintre d'origine allemande ayant fait pratiquement toute sa carrière à Londres, avec son Portrait de nain au perroquet[2].

Travaux exceptionnels

Notes et références

Notes
  1. Désignation remplacée par celle de "patrimoine de l'État" par l'ordonnance royale du 23 février 1872.

Références
  1. (es) « El Museo del Prado en cifras. Ejercicio 2011 », Museo Nacional del Prado, (consulté le )
  2. Portrait de nain au perroquet sur le site catalogue du peintre John Closterman.

Voir aussi

Articles connexes

Liens externes
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