Zabriskie Point (film)

Les années 1960 aux États-Unis ont été une période de changements importants et de montée de la contestation : Richard Nixon, républicain, succède à Lyndon Johnson à la présidence du pays, et organise la répression des mouvements de contestation de la guerre au Viêt Nam, qui durera jusqu’en 1975. Régulièrement, des centaines de milliers de personnes manifestent de façon pacifique contre cette guerre, mais l'arrivée de Nixon amène à un durcissement des positions des deux côtés[3]. Dans le même temps, des émeutes raciales éclatent dans plusieurs villes. La contestation estudiantine se développe, sur fond de marxisme et de féminisme. L'immense festival de Woodstock rassemble des dizaines d'artistes et plusieurs centaines de milliers de jeunes et de hippies. C'est en 1969, alors que les manifestations et les actions protestataires parties de Paris en mai 1968 se sont répandues en Europe, qu'Antonioni décide de tourner Zabriskie Point sur la côte ouest des États-Unis.

Après l'essor d'Hollywood des années 1950 suit une crise durant laquelle le public fréquente moins les salles, et les studios engagent des sommes phénoménales pour des grosses productions et des comédies musicales qui n'attirent pas la foule. L'industrie du cinéma est au point mort. Le vide artistique du milieu des années 1960 laisse donc la place à de nouveaux réalisateurs. En 1967, Arthur Penn réalise Bonnie and Clyde, film de gangsters anti-establishment, qui brise le premier un tabou d'Hollywood. En 1969, Dennis Hopper réalise Easy Rider, qui crée scandale et devient un film culte du mouvement hippie. Ce film révolutionne les codes du cinéma, en s'attaquant à d'autres tabous d'Hollywood : sexe, drogue, violence et contestation politique. Ce film ouvre la voie au Nouvel Hollywood, qui vient combler le vide laissé à Hollywood par la fin de l'Âge d'or. Les studios américains se penchent donc vers ces nouveaux réalisateurs, dont Antonioni, après le succès de son thriller Blow-Up. Zabriskie Point s'inscrit dans la lignée des précédents films du réalisateur, mais va également puiser dans les films américains qui viennent bousculer l'ordre établi à Hollywood[4] - [5].

En 1966, Antonioni filme Blow-Up, Palme d'or au festival de Cannes 1967 et grand succès commercial. Ce succès lui ouvre les portes d'Hollywood. Zabriskie Point sera son seul film uniquement produit et filmé aux États-Unis.

L'histoire de Zabriskie Point est inspirée d'un fait divers qu'Antonioni a lu dans un quotidien américain : un jeune homme, qui avait volé un avion de tourisme, a été tué à son retour à Phoenix, dans l'Arizona. Après avoir lu cela, il contacte Sam Shepard et commence à travailler avec lui sur le scénario. Franco Rossetti et Tonino Guerra rejoignent les deux hommes pour compléter le scénario. Antonioni avait vu la pièce de théâtre écrite par Sam Shepard, Icarus's Mother, et il a directement pensé qu'il serait le plus apte pour écrire la scène d'avion au-dessus de la Vallée de la Mort. Shepard a dès lors écrit la première version du film, mais il s'est très vite écarté, ne se retrouvant pas dans les dialogues du réalisateur, inspirés par le marxisme et les Black Panthers[6].

Les rôles principaux sont confiés à Mark Frechette et Daria Halprin, deux jeunes gens sans formation ni expérience d'acteurs. L'un et l'autre sont choisis pour leur capacité à incarner, aux yeux d'Antonioni, la contre-culture américaine et la révolte de la jeunesse : Daria Halprin, fille de la chorégraphe Anna Halprin, était apparue en 1968 dans Revolution, un documentaire sur les hippies de San Francisco[7]. Mark Frechette est remarqué par hasard à Boston par la directrice de casting, alors qu'il prenait part à une altercation dans la rue[8]. De même, Kathleen Cleaver, qui joue un des meneurs de l'assemblée générale (première scène), n'est pas une actrice professionnelle mais à la ville l'épouse d'Eldridge Cleaver, leader des Black Panthers. En revanche, la plupart des autres acteurs sont des professionnels, notamment Rod Taylor, G. D. Spradlin et Paul Fix (qui a joué dans de nombreux films de son ami John Wayne). Harrison Ford, alors inconnu, participe au tournage, mais la plupart de ses scènes sont coupées. On l'aperçoit très brièvement lors de la scène de la prison.

Par la suite, la carrière au cinéma des deux comédiens principaux tourne court : Mark Frechette - qui vivait au moment du tournage dans une communauté dirigée par un gourou - joue dans deux autres films italiens puis, en 1973, est arrêté pour sa participation à un hold-up. Il meurt accidentellement en prison deux ans plus tard[8]. Daria Halprin tourne un autre film, épouse Dennis Hopper, puis, ayant du mal à gérer sa notoriété, se retire des milieux du spectacle[7].

La réputation de gauche d'Antonioni vaut au tournage plusieurs incidents causés par des groupuscules pro-Nixon, qui manifestent de nombreuses journées sur les lieux du tournage pour empêcher le bon déroulement de la production. Le FBI dépêche des agents pour enquêter sur les personnes travaillant pour le film et sur le contenu du film. De plus, les gardes nationaux de la vallée de la Mort refusent tout d'abord de laisser se dérouler le tournage, car ils avaient entendu une rumeur selon laquelle une scène d'orgie serait en préparation (scène qu'Antonioni a bel et bien envisagée, mais qui n'a pas été réalisée)[4].

À l'origine, le film devait se terminer par un plan d'avion dans le ciel, traînant derrière lui une banderole avec inscrit dessus « Fuck You America ». Cela n'était évidemment pas du tout du goût de Louis F. Polk, alors président de la MGM, qui produisait le film. Il ordonna donc de couper cette scène, ainsi que d'autres. Lorsque James T. Aubrey le remplaça à la tête de la Major, il demanda à Antonioni de réintégrer les scènes coupées, à l'exception de la fameuse scène finale[4].

Antonioni avait tout d'abord contacté Jim Morrison, leader du groupe The Doors, mais il ne fut pas satisfait de la musique produite (L'America), et préféra notamment celle de Pink Floyd[4].

Comme Dennis Hopper pour Easy Rider, Antonioni choisit pour accompagner son film des morceaux de musique populaire de l'époque, musiques qui passent à la radio. La bande originale contient des morceaux de Pink Floyd, Grateful Dead, The Youngbloods, Kaleidoscope, Jerry Garcia, Patti Page, The Rolling Stones, John Fahey, Roy Orbison. Dans l'ordre :

• Heart Beat, Pig Meat par Pink Floyd
• Brother Mary par Kaleidoscope
• Dark Star par Grateful Dead
• You got the silver par The Rolling Stones
• Crumbling Land par Pink Floyd
• Tennessee Waltz par Patti Page
• Sugar Babe par The Youngbloods
• Love Scene par Jerry Garcia
• I Wish I Was A Single Girl Again par Roscoe Holcomb
• Mickey's Tune par Kaleidoscope
• Dance Of Death par John Fahey
• Come In Number 51, Your Time Is Up par Pink Floyd

Les thèmes du film rejoignent en grande partie ceux du mouvement hippie

La première scène montre une assemblée générale étudiante, largement à tendance révolutionnaire. Nous entrons dès lors dans l'univers d'une jeunesse en colère. La société génère des luttes et des conflits, et celui qui ne la combat s'aliène[10]. Lénine, Fidel Castro et le Petit Livre rouge sont cités. Les étudiants engagent la grève et se préparent à la lutte armée. Le montage est sec et rapide, comme si Antonioni tournait un reportage sur la société américaine[11].

Antonioni cherche à montrer que les États-Unis sont « l’endroit où l’on peut isoler à l’état pur certaines vérités essentielles sur les contradictions de notre temps »[12] - [11]. Pour symboliser ces contradictions, il joue sur les oppositions, visuelles et sonores. Dans toute la première partie, des scènes très rapides sont suivies de plans longs et fixes, des moments de cris et de bruits sont suivis de longs silences, ce qui donne un sentiment d'irréalité, comme si toutes ces luttes et ces répressions étaient absurdes. Ainsi, la scène où le policier tue gratuitement un étudiant noir se passe de manière irréelle, dans un grand silence[11].

Deux séquences du film sont particulièrement mémorables : la scène de l'orgie dans la vallée de la Mort, quand les deux étudiants se retrouvent au Point Zabriskie, et la scène où Daria imagine l'explosion de la villa. Ces deux scènes sont tournées au ralenti pour leur donner plus de puissance. Ces deux scènes ont pour sujet la révolte : révolte sexuelle et révolte politique[4].

Le film montre les blessures, les tiraillements et les frustrations de la contre-culture américaine. Si la scène de l'explosion met en scène la fin du capitalisme, dans un déluge de lumière et de beauté, il nous est rappelé que cette explosion n'est qu'un rêve. La liberté et la beauté n'existent que dans ce rêve de Daria, mais pas dans la réalité concrète, peuplée de panneaux publicitaires et de millionnaires nantis sourds aux douleurs du monde[13]. Tous les éléments de la révolte paraissent bien pathétiques : la pile de chaises maladroitement arrangée en barricades pour empêcher les forces de l'ordre de pénétrer dans l'université, l'envol d'un être dans le ciel, la violence d'une explosion rêvée. Finalement, face à la répression de la société, aux inégalités et à la laideur, ne restent que deux échappatoires : l'amour et le rêve[13].

En effet, Mark et Daria ne trouveront leur liberté et leur bonheur que loin de la ville, au milieu du désert, à Zabriskie Point, dans la vallée de la Mort. Le lieu vierge devient le lieu de la paix, de l'amour et de l'insouciance. Les deux étudiants oublient leur combat politique pour se plonger dans le plaisir. Cela illustre le slogan hippie « Make love, not war ». Mais Antonioni montre bien la vanité de ce plaisir : Mark et Daria seront heureux un court instant et s'épanouiront dans l'amour, mais leurs combats resteront voués à l'échec et leur retour au monde des Hommes sera cuisant : mort pour l'un, désespoir pour l'autre[13].

Toutes les résistances face aux figures du pouvoir, économique et politique, se trouvent vouées à l'échec. Daria et Mark trouvent une échappatoire dans l'amour puis dans le rêve, mais ils n'arriveront jamais à changer la société. Dès la scène d'entrée, ce sentiment d'échec est palpable dans le montage : la rapidité des passages d'un visage à l'autre suggère une résistance éclatée, divisée, d'emblée vouée à l'échec. Le montage montre la perte de repères en déconstruisant l'image et le plan[13].

On retrouve de nombreux codes esthétiques développés par Antonioni. Durant la première scène, où se déroule l'assemblée générale, la musique est d'abord présente, puis elle s'éteint peu à peu, avant une minute de silence durant laquelle on ne voit que les visages de la jeunesse en colère. Le son ne revient qu'au bout d'un moment et, alors, on peut entendre le sujet de l'assemblée et les arguments révolutionnaires. Cette scène illustre bien l'incommunicabilité propre au cinéma d'Antonioni : il nous montre les choses car il ne peut nous les dire, comme le fait le peintre[10]. De même, cette première scène concrétise une création originale par rapport aux normes du montage cinématographique de l'époque, en éclatant le rapport de l'image et du plan[13].

Le désert constitue un lieu stérile et pur, degré zéro de la société de consommation, loin du labyrinthe de la métropole, où Mark et Daria vont trouver un Jardin d'Eden, où ils font renaître l'amour et la vie. L'apparition des autres couples constitue le triomphe de l'amour au-delà des conventions, d'un retour aux origines[14].

La scène la plus marquante du film est sans doute la scène finale[3] - [5], dans laquelle la villa explose. Cette scène est d'abord caractérisée par la vue de l'explosion sur plusieurs plans, pour nous rappeler que cette explosion est un rêve. Puis, on passe de l'explosion de la villa, élément concret, à une explosion plus métaphysique, onirique : ce n'est plus la villa qui explose, mais des éléments de la société de consommation. Cette scène est marquée par la présence d'un morceau musical de Pink Floyd, Come in Number 51, Your Time is Up, qui donne une sorte d'élévation à la scène, la rend onirique et décalée, avec une grande puissance[3]. Cette scène est marquante pour l'histoire du cinéma car, plutôt que de montrer une figure, elle va arriver à suggérer, à faire résonner, à faire sentir des fantasmes[15]. C'est une rupture dramaturgique qui met l'accent non plus sur le temps de l'évènement mais sur la durée de l'homme. La mise en relief de toutes les formes de mouvement permet de suggérer l'attente et l'écho[16].

• Liste des pires films jamais réalisés

• Fabio Carpi, Antonioni, Parme, Guanda, 1958
• Pierre Leprohon, Antonioni, Paris, Seghers, coll. « Cinéma d'aujourd'hui », 1961
• Roger Tailleur et Paul-Louis Thirard, Antonioni, Paris, Éditions universitaires, coll. « Classiques du cinéma », 1963
• Michelangelo Antonioni, Rien que des mensonges, Paris, Lattès, 1985
• Joëlle Mayet Giaume, Michelangelo Antonioni : le fil intérieur, Crisnée, Belgique, Yellow Now, 1990
• René Prédal, Michelangelo Antonioni ou la vigilance du désir, Paris, Le Cerf, coll. « 7^e art », 1991
• Céline Scemama, Antonioni : le désert figuré, Paris, L'Harmattan, 1998
• José Moure, Michelangelo Antonioni, Cinéaste de l'évidement, Paris, Champs visuels, 2001
• Alain Bonfand, Le cinéma de Michelangelo Antonioni, Paris, Images Modernes, 2003
• Aldo Tassone (trad. Caecillia Pieri), Antonioni, Paris, Flammarion, coll. « Champs », 2007. 
• Stig Björkman (trad. Anne-Marie Teinturier), Michelangelo Antonioni, Paris, Cahiers du cinéma, coll. « Grands cinéastes », 2007
• Seymour Chatman et Paul Duncan, Michelangelo Antonioni : filmographie complète, Paris, Taschen, 2008

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