Cinéma postmoderniste

Le postmodernisme est un paradigme complexe de différentes philosophies et styles artistiques. Le mouvement est apparu en réaction au modernisme élevé. Le modernisme est un paradigme de pensée et de vision du monde caractérisé de manières spécifiques contre lesquelles le postmodernisme a réagi. Le modernisme s'est intéressé aux récits maîtres et méta de l'histoire de nature téléologique[5]. Les partisans du modernisme ont suggéré que le progrès sociopolitique et culturel était inévitable et important pour la société et l'art[6]. Les idées d'unité culturelle (c'est-à-dire le récit de l'Occident ou quelque chose de similaire) et les hiérarchies de valeurs de classe qui accompagnent une telle conception du monde est un autre marqueur du modernisme. En particulier, le modernisme a insisté sur une division entre les formes d'art «basses» et les formes d'art « élevées » (créant davantage de jugements de valeur et de hiérarchies). Cette dichotomie est particulièrement centrée sur le fossé entre la culture officielle et la culture populaire. Enfin, mais pas de manière exhaustive, il y avait une foi dans le «réel» et le futur et la connaissance et la compétence de l'expertise qui imprègne le modernisme. Au fond, il contenait une confiance sur le monde et la place de l'humanité en son sein.

Le postmodernisme tente de subvertir, de résister et de se démarquer des préoccupations du modernisme dans de nombreux domaines (musique, histoire, art, cinéma, etc.). Le postmodernisme est apparu à une époque non définie par la guerre ou la révolution mais plutôt par la culture médiatique[1]. Contrairement au modernisme, le postmodernisme n'a pas foi dans les récits de maître de l'histoire ou de la culture ou même dans le moi en tant que sujet autonome[6]. Le postmodernisme s'intéresse plutôt à la contradiction, à la fragmentation et à l'instabilité. Le postmodernisme se concentre souvent sur la destruction des hiérarchies et des frontières. Le mélange de différentes époques et périodes ou styles d'art qui pourraient être considérés comme « élevés » ou « bas » est une pratique courante dans le travail postmoderne[2] - [3]. Cette pratique est appelée pastiche. Le postmodernisme adopte une vision profondément subjective du monde, de l'identité et de l'art, postulant qu'un processus sans fin de signification et de signes est là où se trouve toute « signification »[7] - [8]. Par conséquent, le postmodernisme démontre ce qu'il perçoit comme un monde, un temps et un art fracturés.

Le film moderniste est arrivé à maturité dans les époques entre la Première et la Seconde Guerre mondiale avec des caractéristiques telles que le montage, l'imagerie symbolique, l'expressionnisme et le surréalisme (en vedette dans les œuvres de Luis Buñuel, Fritz Lang et Alfred Hitchcock)[9] tandis que le film postmoderne — similaire au postmodernisme comme un tout — est une réaction aux œuvres modernistes de son domaine, et à leurs tendances (comme la nostalgie et l'angoisse)[10]. Le cinéma moderniste « a exploré et exposé les préoccupations formelles du médium en les plaçant au premier plan de la conscience. Le cinéma moderniste questionne et rend visible les pratiques de production de sens du cinéma »[11]. La théorie de l'auteur et l'idée d'un auteur produisant une œuvre à partir de sa vision singulière ont guidé les préoccupations du cinéma moderniste[6] - [12]. « Enquêter sur la transparence de l'image est moderniste mais saper sa référence à la réalité, c'est s'engager dans l'esthétique du postmodernisme ». Le film moderniste fait plus confiance à l'auteur, à l'individu et à l'accessibilité de la réalité elle-même qu'au film postmoderne.

Le postmodernisme s'intéresse à bien des égards à l'espace liminal qui serait généralement ignoré par les offres plus modernistes ou traditionnellement narratives. L'idée est que le sens est souvent généré de manière plus productive à travers les espaces, les transitions et les collisions entre les mots et les moments et les images. Henri Bergson écrit dans son livre Creative Evolution : « L'obscurité s'éclaircit, la contradiction s'évanouit, dès qu'on se place le long de la transition, pour y distinguer les états en y faisant des coupures croisées dans les pensées. La raison en est qu'il y a plus dans la transition que la série d'états, c'est-à-dire les coupes possibles - plus dans le mouvement que la série de position, c'est-à-dire les arrêts possibles. »[13]. L'idée maîtresse de cet argument est que les espaces entre les mots ou les coupures dans un film créent autant de sens que les mots ou les scènes eux-mêmes.

Le film postmoderne est souvent séparé du cinéma moderniste et du film narratif traditionnel[14] par trois caractéristiques clés. L'une d'elles est une utilisation intensive de l'hommage ou du pastiche[11] résultant du fait que les cinéastes postmodernes sont ouverts à mélanger de nombreux genres et tons disparates dans le même film. Le deuxième élément est la méta-référence ou autoréflexivité, mettant en évidence la construction et la relation de l'image à d'autres images dans les médias et non à aucune sorte de réalité extérieure. Un film autoréférentiel attire l'attention du spectateur — soit par la connaissance des personnages de leur propre nature fictive, soit par des éléments visuels — que le film lui-même n'est qu'un film. Ceci est parfois réalisé en mettant l'accent sur l'aspect non naturel d'une image qui semble artificielle. Une autre technique utilisée pour réaliser une méta-référence est l'utilisation de l'intertextualité, dans laquelle les personnages du film font référence ou discutent d'autres œuvres de fiction. De plus, de nombreux films postmodernes racontent des histoires qui se déroulent dans un ordre chronologique, déconstruisant ou fragmentant le temps pour, une fois encore, souligner le fait que ce qui apparaît à l'écran est construit. Un troisième élément commun est un pont entre les activités highbrow et lowbrow et les styles artistiques[2] - [3] — par exemple, une parodie du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange dans lequel Adam cherche un hamburger de McDonald plutôt que la main de Dieu. Cela illustrerait la fusion du haut et du bas parce que Michel-Ange est largement considéré comme l'un des plus grands de tous les peintres, alors que la restauration rapide est communément nommée parmi les éléments discrets de la société moderne.

L'utilisation de l'hommage et du pastiche peut, en soi, aboutir à une fusion du haut et du bas. Pour cette raison, l'hommage s'accompagne parfois de jugements de valeur des personnages quant à la valeur et la valeur culturelle des œuvres parodiées, garantissant que le spectateur comprenne si la chose référencée est considérée comme un sujet de haut niveau ou de bas niveau.

Enfin, les contradictions de toutes sortes - que ce soit dans la technique visuelle, la morale des personnages ou d'autres choses - sont cruciales pour le postmodernisme, et les deux sont dans de nombreux cas inconciliables. Toute théorie du cinéma postmoderne devrait être à l'aise avec les paradoxes ou les contradictions des idées et de leur articulation[2]> - [8].

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• Théorie de l'auteur
• Film indépendant
• Hyperlien cinéma
• Culture remix

• (en) Authorship and the Films of David Lynch. Chapter 3: Blue Velvet - Post-modernism and Authorship, site britishfilm.org
• (en) Postmodernism and Film, Mattias Frey, filmreference.com
• (en) From Postmodernism to Postmodernity: the Local/Global Context, Ihab Hassan
• (en) In Search of the Postmodern : Chapitre 1
• (en) 10 Lesser-Known Postmodern Films - What is a Postmodern Film? (Philosophy in Film. A Philosophical Approach to Cinema), Matthew Jones, 27 novembre 2017
  • Marguerite et Julien de Valérie Donzelli (2015)
  • Metropolis (1927) de Fritz Lang (version colorisée produite et bande son écrite par Giorgio Moroder en 1984)
  • Soudain le vide (Enter the Void) de Gaspar Noé (2010)
  • La grande bellezza (The Great Beauty) de Paolo Sorrentino (2012)
  • C'est arrivé près de chez vous (Man Bites Dog) de Rémy Belvaux (1992)
  • La Jetée de Chris Marker (1962)
  • Black Dynamite de Scott Sanders (2009)
  • Pi de Darren Aronofsky (1998)
  • La Cible (Targets) de Peter Bogdanovich (1968)
  • Raiders of the Lost Ark: The Adaptation (en) d'Eric Zala (1989)