Bernard Clarisse

À la fin des années 1980, Bernard Clarisse a été interpellé par la tradition consistant à suspendre des taupes sur les barbelés en Normandie. Il s'éloigne rapidement des représentations réalistes de la taupe afin d'en proposer une interprétation originale. Selon certains chercheurs la taupe, dite skalops en grec, serait le symbole du dieu de la médecine Asklépios[2]. Ainsi, dans l’œuvre de Bernard Clarisse, les taupes symbolisent le dieu grec et sont donc porteuses de guérison. Les représentations de cet animal mort peuvent être également perçues comme un sacrifice ou une offrande envers la divinité grecque. Leur figuration sur des fonds blancs ou sombres apporte une gravité supplémentaire à l’œuvre sans qu'aucun élément temporel ou spatial puisse préciser la nature de leur sacrifice.

Parfois la taupe est simplement suggérée par une galerie en relief sur la toile, débordant souvent du cadre. Ces galeries de la taupe-Asklépios, sont comme des incisions chirurgicales qui soignent l'art. Elles peuvent également être comparées à des fouilles archéologiques, révélant les trésors enfouis. Cette notion se retrouve dans une autre série d’œuvres de l'artiste reproduisant le tracé des plans d'anciennes cités antiques.

La taupe fouissant la terre pour creuser des galeries est aussi associée à l'outil du paysan retournant la terre afin de la cultiver[1].

Les outils manuels représentés ou réutilisés par Bernard Clarisse ont tous un point commun : ils sont employés pour creuser la terre et sont pour la plupart aujourd'hui remplacés par des machines plus perfectionnées. Ces outils sont des araires, des houes, des bêches, des charrues… Sur leurs manches figure généralement une tête dorée de serpent. Il s'agit de l'attribut principal du dieu de la médecine. Comme un signe, le dieu veille, et même guérit la terre à fertiliser et génératrice.

L'emploi du doré est également une allusion à l'auteur grec Pindare, un poète grec du V^e siècle av. J.-C., qui met en garde les médecins contre l'appât du gain dans son récit de la mort d'Asklépios. En effet, ce dernier serait décédé pour avoir voulu ressusciter un mort contre une rétribution financière. L'or est aussi utilisé pour symboliser la pureté nécessaire pour accéder au divin, comme le rappelle l'inscription figurant à l'entrée du sanctuaire d'Asklépios à Epidaure : « Pur doit être celui qui entre dans le temple parfumé et pureté c'est de n'avoir que de saintes pensées »[3].

Avec ces ajouts, Bernard Clarisse confère aux outils des pouvoirs de guérisons, il les assimile aux scalpels, transformant les paysans qui les utilisent en médecins de la terre.

Bernard Clarisse s'est intéressé au travail de peintres du XIX^e siècle qui ont représenté la nature et la condition paysanne, comme Théodore Rousseau, Vincent Van Gogh, Gustave Courbet et Jean-François Millet. Il reprend des œuvres de ces peintres afin de leur donner un sens nouveau. Il propose notamment des relectures Des Glaneuses ou de l'Angélus de Jean-François Millet devenues avec le temps de vraies images d'Épinal de la paysannerie au XIX^e siècle[4].

Vincent van Gogh s'est également attaché à représenter le labeur paysan au début de sa carrière, notamment en recopiant des dessins et des œuvres de Millet. À son tour, Bernard Clarisse propose une relecture des bêcheurs de Van Gogh, repris de Millet. De plus, la folie et la mort de Van Gogh s'inscrivent également dans la réflexion de l'artiste autour d'Asklépios. En effet, dans le sanctuaire du dieu de la médecine à Epidaure, les maladies tant physiques que psychologiques étaient soignées sous-terre[3]. De même, dans le tableau À Coronis et Vincent : présage pour une oraison funèbre, il rend hommage à Coronis, la mère d'Asklépios au travers d'une relecture du tableau de Van Gogh intitulé Champ de blé aux corbeaux.

Bernard Clarisse a réalisé une série de tableaux reprenant comme motif central des Georges et Georgettes, du grec ghé (la terre) et argos (le travail) ; ce qui signifie littéralement « les travailleurs de la terre ». Il représente des figures isolées de paysans tenant un outil. Le personnage est peint dans des tons sépia, évoquant de vieilles photographies.

Leur solitude s'exprime également par leur localisation sur d'immenses champs en représentation, souvent creusés de sillons, preuve ineffable du travail effectué par les outils. Leur posture est courbée, en communion presque totale avec la terre nourricière et indispensable pour leur propre survie. Mais leur profil traduit également un labeur difficilement soutenable tant il est grand et demande d'efforts physiques. Jamais ils ne prennent le temps de regarder le spectateur du tableau, qui semble les observer derrière une fenêtre car leur taille est relativement petite au milieu de la toile cernée de blanc et de galeries de taupes. La rudesse de leur travail se voit aussi en leurs mains presque systématiquement crispées sur l'outil. Par ce biais, l'objet est rendu indispensable. Le regard du visiteur se centre d'abord sur son utilisation avant de prendre le temps de privilégier les Georges et Georgettes. Mais il est aussi possible de croire qu'ils l'ignorent simplement puisqu'ils sont absorbés par leur tâche si essentielle dans leur existence. Tout est de couleur sépia comme si le travailleur se confond avec la terre ou que le temps n'a pas de prise sur leur labeur répétitif. Mètres après mètres ils progressent avec l'aide parfois d'un cheval ou d'un bœuf qui est également plié sous le poids de l'araire qu'ils tirent. Le cadre blanc autour de la peinture du paysan peut aussi suggérer l'immensité du champ, de ce qui lui reste à accomplir. Devant le tableau, le découragement ou son inverse peut émouvoir le spectateur. Le paysan symbolise aussi la lutte avec une nature qui reprend immanquablement ses droits.

Les portraits de « Grands » ou Mégas en grec, comme Bernard Clarisse les appelle, figurent des artistes qui l'ont inspiré comme Vincent van Gogh, Jean-François Millet mais également ceux qui ont représenté la Normandie, comme Auguste Renoir, Camille Pissarro et Claude Monet ou sont originaires de la Région (Jacques-Émile Blanche, Eugène Boudin…), en écho à ses propres racines. À ces peintres du XIX^e siècle s'ajoutent les portraits de nombreux artistes du XX^e siècle, comme Nicolas de Staël ou Lucio Fontana et des personnalités du monde de l'art contemporain. Tous ces personnages portent le mot Mégas en lettres d'or sur le front, l'origine de la naissance de leur œuvre.

Tous ces portraits sont réalisés dans des tons sépia évoquant l'ancienneté de la technique photographique inventée au XIX^e siècle. Cette couleur se retrouve également dans d'autres œuvres telles que les Georges et Georgettes.

Un autre ensemble est qualifié d’Incurables par l'artiste pour désigner des anonymes qui ne portent pas de signes distinctifs volontairement. Un fragment de feuille d'or est déposé de manière aléatoire sur leur visage comme pour éclairer leur valeur tout aussi importante que les artistes de renom qui l'inspirent.

Une partie de ces tableaux furent à l'honneur dans le cadre de l'exposition temporaire organisée au Château Musée de Dieppe pour le festival Normandie impressionniste 2016 en 2016[5].

Bernard Clarisse réalise également des tableaux représentant uniquement des textes d'auteurs grecs, comme Pindare ou Hippocrate, en couleur, généralement monochromes. Ces stèles portent les inscriptions des malades remerciant la divinité de la médecine qui les a guéri. La surface de la toile, comme pour les Georges et Georgettes présente des incisions, allusions au scalpel. À travers ces incisions, Bernard Clarisse propose de guérir la peinture dite malade depuis les années 1960[6].

L'œuvre Cent ans après la nature reprend le dessus et le dessous a été réalisée avec l'artiste Claude Gilli. Le motif central est repris d'un tableau de Martial Raysse, intitulé Cent ans après. Le motif central est inscrit dans un profil de crâne rappelant une vanité. Bernard Clarisse y a ajouté des galeries et Claude Gilli, des escargots, un élément signature de plusieurs de ses œuvres.

Le bœuf et le tracteur évoquent les travailleurs de la terre. La modernité du tracteur contraste avec les personnages simplement esquissés, sortes d'Adam et eve des temps modernes. Les ajouts en trois dimensions de Claude Gilli et Bernard Clarisse illustrent le titre. Les escargots en surface et les galeries en profondeur représentent la nature et recouvrent progressivement l’œuvre du XX^e siècle. Le crâne nous ramène, lui, à la condition humaine, mortelle. À la fin, l'Homme retourne à la terre[4].