Art égyptien de la Basse époque jusqu'au royaume lagide

La renaissance culturelle entreprise par la XXV^e dynastie nubienne (kouchite, dite « éthiopienne ») s'amplifie avec la dynastie saïte, XXVI^e dynastie. Confrontée de plus en plus aux apports étrangers, mais aussi après avoir subi le raid dévastateur des Assyriens (664) la population aisée égyptienne, et non seulement l'élite, se tourne vers le monde ancien, dont les réalisations admirées de tous servent de modèles aux artisans.

800 statues et 17000 statuettes en bronze de cette époque et des précédentes ont été découvertes en 1903, en bon état, dans « la cour de la Cachette »[1] de Karnak, enfouies à la suite d'un "nettoyage" antique du temple. Ce qui a permis, non seulement d'enrichir considérablement le musée du Caire mais aussi de favoriser des comparaisons et de déceler ainsi les emprunts aux époques précédentes, ou les permanences d'une époque à l'autre.

• 
  Nakhthorheb, haut fonctionnaire en prière. Quartzite, H. 1,4 m. Règne de Psammétique II (595-589). Louvre[2]
• 
  Statue de Iâhmessaneith, chef de la Cour de Justice. Grauwacke, H. 43 cm. Louvre[3]
• 
  Gouverneur de Saïs, porteur de naos. Statue cube,
  r. de Psammétique Ier
  Grauwacke, H. 30 cm. Met[4]
• 
  Scribe. Calcaire, H. 70 cm. Cachette de Karnak[5], r. de Néchao II. Musée national d'Alexandrie

Depuis la XXV^e dynastie kouchite (780-715/656), la référence aux temps très anciens ancre le présent dans la continuité d'un passé prestigieux. Les statues de l'époque kouchite font référence au Moyen et à l'Ancien Empire, tout en intégrant des éléments beaucoup plus récents. On peut donc parler d'éclectisme. La statue d'un dignitaire saïte, Nakhthorheb (Louvre), le montre bien : on retrouve les épaules larges caractéristiques de l'Ancien Empire ; ce style archaïsant avait été celui du roi kouchite Taharqa de la XXV^e dynastie[6]. Ici, les volumes sont encore plus simples, il n'y a plus guère de détail. À une exception près cependant : les masses musculaires du torse distinguent la poitrine, la cage thoracique et l'abdomen, mais cette distinction existait à toutes les époques, quoique de manière inconstante. Les genoux ne sont qu'indiqués. Le goût de l'époque est à la rondeur. Ainsi la coiffure n'est plus qu'une masse adoucie. Il s'agit d'une perruque-sac ((en) bag wig : Ouchebti d'Akhenaton), semblable au khat qui était porté dans les familles royales de la XVIII^e dynastie[7], et que l'on rencontre souvent à cette époque. Nombre de sculptures sont renforcées par un pilier auquel elles s'adossent. Le pilier porte habituellement des inscriptions[8].

La statue cube d'un gouverneur de Saïs, sous Psammétique I^er, devient un joli jeu de courbes sur lequel flotte un doux sourire.

Autre effet archaïsant : des bras très courts, comme ceux des débuts du Moyen Empire, en particulier pour certaines figures de scribe. Ceci ne doit pas surprendre, car pour le reste, la physionomie de tous ces visages ne ressemble plus à ce qu'était un portrait individualisé à l'époque précédente (les portraits de Taharqa, aux traits caractéristiques affirmés). Une douce idéalisation s'applique partout, et va parfois jusqu'à un « néo-classicisme froid et rigide »[9]. Mais, en général, c'est bien la douceur qui règne, jusque dans les ouchebtis, élancés et finement détaillés, comme des portraits en miniature.

• 
  Psammétique II (595-589) XXVI^e dynastie. Pierre. Louvre Lens
• 
  Le roi Amasis, v. 550. Grauwacke. Saïs. Neues Museum
• 
  Ouchebti du roi Amasis. Faïence.
  Semitic museum
• 
  Statue de Taouret, détail (ens. H. 96 cm.). Grauwacke. Karnak. Règne de Psammétique I^er. Musée égyptien du Caire
• 
  Statue de Bastet. Bronze et verre, H. 27,6 cm. R. de Psammétique I^er. Louvre

Ces nouvelles conventions, toutes en simplifications et rondeur, s'appliquent très souvent au traitement du visage d'une élite bien nourrie, comme on peut le constater sur le visage du roi Amasis : même menton arrondi, même sourire impersonnel. Cette rondeur « néoclassique » persiste au moins jusqu'à la XXX^e dynastie, le portrait de Nectanébo II du musée des Beaux-Arts de Lyon présente la même bonhomie souriante. Une stylisation similaire s'applique à la statue de la déesse hippopotame Taouret : formes simples et courbes, qui conviennent au corps de la déesse. La pierre grauwacke, soigneusement polie, et utilisée depuis l'Ancien Empire, est bienvenue pour accentuer ce traitement tout en courbes luisantes. Le bronze subit le même polissage sur le corps souple du chat, image de la déesse Bastet, et qui devait reluire comme de l'or, dans l'Antiquité. La déesse-chat avait son plus grand et plus ancien temple dans la ville de Bubastis, dont étaient issus des rois saïtes (début de la Troisième Période intermédiaire et Basse époque), ville qui atteint alors son apogée. Un culte de Bastet s’installe aussi, à la Basse époque, à Saqqarah. La déesse a donc été particulièrement entourée d'attentions dans le Delta et sa silhouette ronde et souple a fait l'objet d'une multitude de variations jusqu'à la dynastie lagide ou ptolémaïque (323/305-30) [ptolémaïque: relatif à Ptolémée Ier et à sa dynastie (les Lagides)].

• 
  Isis-Hathor allaitant Horus. Bronze, H. 36,2 cm. Musée des Beaux-Arts de Lyon[10]
• 
  Neith, déesse guerrière. Bronze incrusté d'or. H. 23 cm. Basse Époque. Louvre[11]
• 
  Statuette d'une reine (?), aux cartouches de Néchao II (610-595). Argent, H. 23,8 cm. Met[12]
• 
  La sœur et les enfants de Psammétique I^er. Bois, v. 600.
  Neues Museum

La mode du corps élancé persiste depuis la XXII^e dynastie, au moins. La coutume de dessiner des épaules larges en renforce l'effet. Les statuettes préservées intégralement le montrent clairement. La déesse Neth, du Louvre et la reine en argent du Met, mais aussi la famille de Psammétique I^er, du Neues Museum, en bois, tous ont cette pose altière, puissante.

Le modèle d'homme jeune et aux épaules larges, à l'ancienne, une jambe en avant a servi de référence aux sculpteurs grecs contemporains. La statue du kouros, qui apparait en Grèce, précisément à cette époque, est d'ailleurs associée à la fondation de la colonie grecque de Naucratis, dans le delta, un port au commerce intense avec les Grecs de l'Est, et avec Chypre[13]. Les sculpteurs égyptiens, sur pierre, assuraient la stabilité de leurs statues debout en adossant leur figure sur un pilier, ce qui n'était pas d'usage constant dans la sculpture sur bois. Les grecs montrent fièrement, alors, qu'ils peuvent se passer de pilier, ce qui est une prouesse. Par ailleurs, les sculpteurs grecs élèvent la beauté parfaite de ces hommes jeunes, aux volumes athlétiques, par le Nu, propre à la Grèce antique, en Égypte, seuls les enfants et parfois les paysans étaient représentés nus. Les sculpteurs grecs se distinguaient ainsi très clairement de leurs modèles égyptiens et de leurs voisins orientaux. Ils en tiraient certainement la gloire recherchée. Le travail sur statuette en bronze, comme celles que pratiquaient les égyptiens, leur offrirent très vite, dès le VI^e siècle, encore plus de liberté.

Les sculpteurs de bas-reliefs taillent encore une multitude de bas-reliefs véritables (Femme et enfant à la corbeille de fruits, Brooklyn Museum), dans le droit fil de l'Ancien Empire, avec des détails bien observées, sur les animaux en particulier, et avec des corps humains bien stylisés, naturalistes mais simplifiés. L'exemple des scènes de travaux agricoles, dans le bas-relief du Lirinon[14], va dans le même sens. La perruque ronde « nubienne » et l'apparence corporelle bien en chair semble aussi être celui de nubiennes que l'on reconnait, d'ailleurs, à leur visage. Le costume simple qu'elles portent serait une adaptation de la tunique portée par les Saïtes, comme sous-vêtement[15]. Ce bas-relief véritable est exécuté avec un soin remarquable, et une très grande attention à l'action, et aux détails physiques, vestimentaires, une attention qui rappelle la qualité des bas-reliefs de l'Ancien Empire. Mais à côté de cela, les sculpteurs poursuivent la tradition du bas-relief « en creux » (Artisans au travail, Florence) qui rappelle les corps du Nouvel Empire, souples, et d'un naturalisme précis.

• 
  Psammétique I^er faisant une offrande au dieu Rê-Horakhty. relief en creux. Tombe de Pabasa (TT279), Thèbes, XXVI^e dynastie.
• 
  Artisans au travail. Calcaire, L. 94 cm. relief en creux
  Basse époque, XXVI^e dynastie, Saqqarah
  Musée archéologique national (Florence)[16]
• 
  Femme et enfant à la corbeille de fruits. Bas-relief. 670-650. Brooklyn Museum
• 
  la construction d'un navire. Bas-relief. 664-634. Brooklyn Museum

• 
  Cercueil intérieur en carton. Carton entoilé, stuqué et peint. 700-650. Brooklyn Museum
• 
  Cercueil de bois, vers 664-500. Bois entoilé, stuqué et peint. Musée des Beaux-Arts de Lyon
• 
  Cercueil externe, v. 650. Bois, H. 240 cm. Rijksmuseum van Oudheden
• 
  Pakeshi adore le dieu Osiris, suivi des quatre Fils d'Horus. Stèle. 25^e ou 26^e dyn. Bois enduit peint, H. 36,6 cm. Met[17]
• 
  Le prêtre d'Amon, Irtihareru, adore Osiris sur le côté droit et Atoum sur le côté gauche. 25^e ou 26^e dyn. Stèle. Bois enduit peint, H. 36,6 cm. Met[18]

• 
  Statue d'un dignitaire de l'époque saïtico-perse, XXVI^e-XXVII^e dynastie, Grauwacke, Louvre
• 
  Tête verte de Berlin
  Dynastie lagide, v. -100/-50
  Grauwacke, H. 21,5 cm,
  Musée égyptien de Berlin
• 
  Modèle de sculpteur, fin XXX^e dyn.-époque lagide, Bas-relief, plâtre, Musée archéologique de Milan
• 
  Un prêtre d'Atoum (r. Nectanébo I^er, XXX^e dynastie.)
  Musée de Brooklyn
• 
  Égyptien en costume perse, 341-332, XXXI^e dynastie, Granit, Musée de Brooklyn

L'art du portrait poursuit les traditions antérieures. Un type de grès à structure très fine, le grauwacke, permet ce travail en souplesse qui plaît, surtout depuis la XXVI^e dynastie, saïte. Il s'offre aussi à un travail de polissage méticuleux qui donne à ces sculptures un aspect métallique et quasi lumineux. La statue d'un dignitaire de l'époque saïtico-perse, du Louvre, et la célèbre tête d'homme du musée de Berlin présentent des caractères similaires. Tous deux portent des rides et un double menton. Les rides sont bien un signe qui marque un homme âgé, et cela se rencontre depuis les portraits de Sésostris III, comme un indice des qualités que l'on attribue à l'âge, l'expérience, voire la sagesse qui impose le respect. La jeunesse étant signe de force, pour ce type d'image. Le portrait de Berlin, montre, par ailleurs, des rides curieusement symétriques, ce qui pourrait bien indiquer que l'on est dans le registre des signes, plus que dans celui du « réalisme »[19]. La symétrie indique qu'il s'agit d'un portrait idéalisé. La symétrie, a d'ailleurs été relevée sur un autre portrait célèbre du musée de Berlin, celui de Néfertiti, en calcaire peint et qui pourrait être, selon les spécialistes, un « modèle » de sculpteur. Le musée de Milan conserve, lui aussi, un modèle de sculpteur, mais en plâtre, le bas-relief d'un roi lagide. Dans tous ces exemples l'idéalisation est d'autant plus efficace qu'elle est discrète, et ces portraits semblent quasi vivants tant ils portent des signes individuels qui donnent l'impression d'être parfaitement reproduits[20]. Le modèle de sculpteur permettait la mise au point d'une « image type » pouvant être reproduite en différents lieux.

Les costumes, celui du prêtre d'Atoum du musée de Brooklyn et celui de l'égyptien en costume perse, respectivement des XXX^e et XXXI^e dynasties, sont des indicateurs du degré d'attention que l'art égyptien attache aux signes permettant d'identifier clairement et rapidement chaque « personne » par sa fonction, sa place, son statut, avec des attributs clairement visibles. Le prêtre reprend la pose et les attributs d'un prêtre de l'Ancien Empire, avec un corps plus svelte, qui est dans l'esprit de cette époque « tardive ». Quant à l'égyptien de la XXXI^e dynastie, le costume perse était peut-être, tout simplement, un geste de loyauté envers le pouvoir en place[21].

• 
  Darius Ier. H. 2,3 m. V^e siècle. XXVII^e dynastie, Réalisée en Égypte
• 
  Statue de prêtre portant un naos à Osiris. Basalte vert. Saïs, XXVII^e dynastie, Musée grégorien égyptien
• 
  Ptolémée II debout, Granit rouge, Musée grégorien égyptien

Réalisée en Égypte, la statue de Darius I^er[22] reprend, en partie, la pose égyptienne, le pied gauche en avant. Pour le reste, le drapé aux grands plis raides couverts de signes cunéiformes, le poignard à la ceinture, on est dans la rhétorique du pouvoir telle qu'elle s'exprime dans l'empire Perse. Il est d'ailleurs assez remarquable que la grande statue d'un haut dignitaire et prêtre du Musée grégorien égyptien, porte un vêtement couvert de textes hiéroglyphiques. Dans ce texte, les perses sont décrits comme respectant les traditions de l'Égypte[23]. Il y a là comme une proximité entre les deux statues, dans la pose et le traitement du drapé, qui semblent significatifs de stratégies.
À l'époque du royaume lagide, pour les statues officielles, les souverains adoptent leur politique iconographique en fonction de la destination de leur image. Dans une ville à majorité grecque, l'effigie relève de la tradition hellénistique, et dans des villes majoritairement égyptiennes, on reprend des schémas classiques, de la XVIII^e dynastie, mis au goût de l'époque aux proportions élancées.

• 
  Père et fils. Stèle-naos, basalte, XXVI^e dynastie, r. Psammétique I^er. Met
• 
  Horus sur les crocodiles. Stèle protectrice, 380-350. Stéatite noire, H. 23,5 cm. Walters Art Museum
• 
  Ankh-Hapy Stèle avec inscription en Araméen. Calcaire. XXVII^e dynastie. Musée grégorien égyptien
• 
  Horus sur les crocodiles. Stèle protectrice. Grauwacke (grès argileux). Détail. r. Nectanébo II, 360–343
• 
  Idem, H. 83,5 cm. Stèle protectrice, 360–343. Grauwacke. Stèle dite « Metternich ». Met

La stèle taillée sous Psammétique I^er reflète cependant le style de l'Ancien Empire, suivant le mouvement de la Renaissance égyptienne initiée sous Taharqa. Les deux hommes aux carrures d'athlètes sont issus du même prototype aux épaules larges selon le code en usage dans l'Ancien Empire. À l'opposé de ce style ancien, les stèles à l'enfant Horus, cent ans plus tard, sous les Nectanébo, ont un tout autre style. L'enfant, représenté selon les codes en usage, est nu, mais son corps est ici tout en rondeurs. Il est représenté en très haut relief dans la stèle du Walters Art Museum. L'attention à l'anatomie du corps potelé de l'enfant est manifeste, quasi « hellénistique ». Pour symboliser ses pouvoirs magiques, Horus tient des serpents et des scorpions ainsi qu'une antilope (par ses cornes) et un lion (par sa queue) dans ses poings fermés. La figure du dieu Bès est aussi présente en tant que protection. L'eau qui était versée sur la stèle était un remède magique, elle s'imprégnait des formules magiques inscrites, ruisselant sur elles[24]. Le motif de l'enfant Horus sur les crocodiles indique l'engouement pour la théologie des dieux-enfants au cours de la Basse époque. Peut-être est-ce dû à la vitalité que l'on espère toujours pour ses enfants.

La stèle à l'inscription araméenne participe de ces formes hybrides où se rencontrent des personnages du Levant dans une structure de tradition égyptienne. Le rôle essentiel de la Méditerranée à cette époque, entraînait définitivement l'Égypte à la rencontre des peuples du Nord.

Attentifs à respecter les pratiques religieuses locales, les souverains perses, et, à leur suite, les souverains lagides ont favorisé sinon commandité la construction de nouveaux temples comme celui d'Hibis dans l'oasis de Kharga (Darius I^er) et le temple d'Horus à Edfou (Ptolémée VI et Ptolémée VIII). Dans le même temps, les derniers souverains d'origine locale poursuivent cette tradition constructrice. Trois kiosques-propylées, sinon quatre ont été construits sous la XXX^e dynastie, à Kharga, à Philæ et à Hermopolis[25]. Le dernier a été détruit en 1826. Les deux premiers sont des œuvres originales d'architectes qui bénéficient de la petite échelle pour expérimenter de nouvelles solutions. Ces temples sont, dorénavant, consacrés bien plus au service des dieux qu'à la gloire des souverains[26]. Ces temples kiosques reprennent, en beaucoup plus petit, celui, gigantesque, réalisé à Karnak par Taharqa, souverain kouchite, ou nubien, de la XXV^e dynastie. La grande qualité des reliefs bénéficie de la longue tradition sculpturale et des nombreux chantiers qui maintiennent des équipes de haut niveau depuis longtemps. Elles savent s'appuyer sur les meilleurs modèles anciens avec quelques nuances plus rondes, plus douces. Les chapiteaux se juxtaposent en de subtiles variantes de formes, où les références diverses deviennent l'occasion d'inventions élégantes et particulièrement colorées dans l'oasis de Kharga. Les plus singuliers sont ces chapiteaux composites[27] sur plusieurs étages (Temple d'Isis (Philæ) : vestibule de Nectanébo I^er).

Mur d'enceinte à El Kab, de Nectanébo II

Les douces ondulations qui parcourent le mur de la grande enceinte du temple d'Amon Rê à Karnak ont fait d'abord coulé beaucoup d'encre. Elles ont fait, plus récemment, l'objet d'une étude approfondie portant sur la structure même de cet édifice[28]. Réalisée sous Nectanébo I^er, cette méthode de construction a été appliquée ailleurs : à El Kab, les murailles du roi Nectanébo II et aussi à Dendérah. Elle est très différente de ce qui se faisait auparavant, au Nouvel Empire (Medinet Habou et Ramesseum), en lits de briques horizontaux. Ici, les lits de briques, posés en chaînette, y font preuve d'une solidité remarquable. Et le mur, construit sur ce principe, en courbes alternées, prend un curieux rythme de vagues, en surface comme en épaisseur. Ce n'est pas un effet décoratif mais structurel, pour assurer une résistance optimale de l'ensemble. D'une douzaine de mètres à la base, à Karnak, le mur s'élevait en effet à 21 m. au dessus du seuil[29].

En ce qui concerne le temple d'Isis à Philæ, celui-ci a été le dernier à résister à la montée du christianisme, jusqu'en 536 de l'ère commune, grâce à la popularité de ce culte au-delà de la frontière, auprès de Nubiens du royaume de Méroé qui obtiennent, malgré les difficultés, la possibilité d'y venir en pèlerinage encore à cette date tardive[30]. Dans les fondations du temple, on a mis au jour des blocs rattachés au règne de Taharqa. Le temple d'Isis a donc été totalement reconstruit par Nectanébo I^er. Il sera, d'ailleurs, constamment remodelé par les souverains ptolémaïques qui n'ont pas hésité à démonter et remonter, en le déplaçant, le bâtiment originel. Les chapiteaux campaniformes qui subsistent sont couronnés d'un bloc quasi cubique dont chacune des quatre faces représente la tête d'Hathor.

Les investissements dans ces temples d'Isis sont révélateurs de la restructuration du panthéon au profit des divinités féminines, avec les nouveaux développements de la théologie osirienne[31]. La religion égyptienne n'est pas restée inamovible, l'architecture en témoigne.

• 
  Oasis de Kharga : Temple d'Hibis, porte intérieure (Darius I^er, 27^e dyn.), suivi du kiosque (Nectanébo, 30^e dyn.) et du temple[32].
• 
  Temple d'Hibis. 1^re salle hypostyle (Achoris, 29^e dyn.), ouvre sur la 2^e, la 3^e et le sanctuaire (Psammétique II, 26^e dyn.)
• 
  Temple d'Hibis, porte intérieure : Darius I^er offre une Maât à Amon et à Mout. relief en creux peint
• 
  Temple d'Hibis, chapiteau composite papyriforme. Grès peint, H. 126 cm. Met[33]
• 
  Allée des sphynx. Dromos reliant le temple d'Amon (Louxor) au premier pylône de l'enceinte d'Amon-Rê à Karnak. Nectanébo I^er, XXX^e dynastie[34]
• 
  Temple d'Isis (Philæ). Vestibule de Nectanébo I^er, XXX^e dynastie. Chapiteaux composites ouverts et hathoriques. Île d'Aguilkia (temples déplacés de Philæ)[35]
• 
  Zodiaque de Dendérah. Temple d'Hathor (Dendérah). Ptolémée XII, époque ptolémaïque
• 
  Temple d'Hathor (Dendérah). Ptolémée XII

Au cours de la période ptolémaïque de nouvelles constructions sont édifiées en Haute Égypte, comme le temple d'Hathor à Dendérah et le Temple de Sobek et Haroëris à Kôm Ombo. Pour autant, les rois n'oublient pas de veiller aux restaurations nécessaires, et parmi elles le kiosque de Taharqa et la porte du 2^e pylône, dans le temple d'Amon à Karnak. Quant à l'état de conservation de ces édifices, dans certaines constructions ptolémaïques, comme la porte du 2^e pylône au temple d'Amon à Karnak, « à certains endroits, particulièrement aux registres supérieurs, l’enduit est relativement bien conservé. Cet enduit cache en grande partie la grande qualité des figures gravées dans la pierre mais présente l’avantage de conserver les couleurs et les détails figuratifs tels le décor des habits et des trônes »[36]. Ces enduits peints sont de plus en plus restaurés, aujourd'hui, comme justement, à Dendérah.

Plafond à bas-relief peint, restauré. Pronaos, Temple d'Hathor (Dendérah). Ptolémée XII

• 
  Ouchebti des XXVI^e, à g., et XXVII^e dynastie, à dr. Faïences. Archaeology Museum, Schloss Eggenberg, Vienne
• 
  Faucon aux ailes déployées. Faïence, L. 30 cm. IV^e siècle, XXX^e dynastie ? . Met

L'usage des ouchebti devient, depuis l'époque saïte, une pratique massive, produite par milliers[37]. Un très grand nombre est réalisé en fritte glaçurée (faïence égyptienne). La plupart ne sont que de petites effigies moulées approximativement, mais certaines ont les caractères de portraits du défunt, car les ouchebtis sont censés effectuer les travaux commandés par Osiris à la place du défunt.

• 
  Sarcophage de Djedhor, XXX^e dynastie. Louvre
• 
  Couvercle du sarcophage de Djedhor
• 
  Couvercle en haut-relief du sarcophage de Djedhor, XXX^e dynastie.
• 
  Cuve du sarcophage de Djedhor. Grauwacke, reliefs en creux incisés[38].

Livre des morts de Harimouthes. Papyrus. Dynasties perse - époque ptolémaïque. Turin[39]

Le tombeau de Pétosiris, vers 340, est celui d'un prêtre du dieu Thot qui a l'aspect architectural d'un tombeau classique de la Renaissance saïte, avec de superbes chapiteaux composites et une chapelle ornée de tableaux rituels conventionnels, mais où les « scènes de la vie quotidienne » du vestibule mêlent allègrement des personnages typiquement hellénistiques à des scènes typiquement égyptiennes, comme venues de l'Ancien Empire[40].

• 
  Chapelle funéraire du tombeau de Pétosiris
• 
  Les moissons. Pronaos, tombe de Pétosiris, XXXI^e dynastie, v. 340
• 
  Une reine ptolémaïque
  v. 323-30
  Marbre.
  Brooklyn Museum
• 
  Tête de femme, époque ptolémaïque. Calcaire. Louvre

Le traitement du corps humain voit se rencontrer différentes traditions du monde méditerranéen d'alors. Pour un portrait de reine lagide le sculpteur a employé du marbre, matière jamais utilisée en Égypte, surtout pour un portrait royal. Le marbre étant, à cette époque, la pierre que les sculpteurs Grecs utilisent presque exclusivement pour la statuaire. Certains portraits peuvent être alors d'un style et d'origine indécidables, où plusieurs cultures se mêlent, fusionnent.

• Joël Cornette (dir.), Damien Agut et Juan Carlos Moreno-García, L'Égypte des pharaons : de Narmer à Dioclétien 3150 av. J.-C. - 284 apr. J.-C., Paris, Belin, coll. « Mondes anciens », 2016 (réimpr. 2018), 847 p., 24 cm (ISBN 978-2-7011-6491-5).
• Annie Caubet (dir.) et Geneviève Pierrat-Bonnefois (Accompagne l'exposition, Louvre Juin-septembre 2005), Faïences de l'Antiquité : De l'Égypte à l'Iran, Paris/Milan, Louvre, 5 Continents, 2005, 206 p., 28 cm (ISBN 2-35031-019-1 et 88-7439-238-9).
• Sophie Desplancques, L'Égypte ancienne, PUF, coll. « Que sais-je ? », 2020 (1^re éd. 2005), 127 p., 18 cm (ISBN 978-2-7154-0255-3).
• Annie Forgeau in Bernard Holtzmann (dir.) et al., L'art de l'Antiquité : 2. L'Égypte et le Proche-Orient, Paris, Gallimard, Réunion de musées nationaux, coll. « Manuels d'histoire de l'art », 1997, 461 p., 23 cm (ISBN 2-07-074341-1 et 2-7118-3396-8), « L'Égypte pharaonique : Annie Forgeau », p. 18-133.
• Annie Forgeau, Nectanébo : La dernière dynastie égyptienne, Paris/29-Saint-Thonan, Éditions Khéops, 2018, 408 p., 21 cm (ISBN 978-2-916142-11-1).
• Florence Gombert-Meurice et Frédéric Payraudeau (exposition : musée de Grenoble, 2018-2019), Servir les dieux d'Égypte : Divines adoratrices, chanteuses et prêtres d'Amon à Thèbes, Paris/impr. en Slovénie, Somogy éditions d'art, Musée de Grenoble, 2018, 415 p., 29 cm (ISBN 978-2-7572-1480-0).
• Dimitri Meeks, Les Égyptiens et leurs mythes : Appréhender un polythéisme, Paris/58-Clamecy, Hazan et Louvre éditions, coll. « La chaire du Louvre », 2018, 271 p., 20 cm (ISBN 978-2-7541-1482-0)
• Franck Monnier, Vocabulaire d'architecture égyptienne, Bruxelles, Éditions Safran, coll. « Précisions », 2013, 303 p., 30 cm (ISBN 978-2-87457-053-7 et 2-87457-053-2).
• Alain Schnapp (dir.) et al., Préhistoire et Antiquité : Des origines de l'humanité au monde classique, Paris, Flammarion, coll. « Histoire de l'art », 2011, 591 p., 26 cm (ISBN 978-2-08-124425-2), « Le monde égyptien : Sydney Aufrère », p. 124-217.
• Christiane Ziegler et Jean-Luc Bovot, L'Égypte ancienne : Art et archéologie, Paris, La Documentation française, École du Louvre, Réunion des musées nationaux-Grand Palais, coll. « Petits manuels de l'École du Louvre », 2011 (1^re éd. 2001), 511 p., 20,5 cm (ISBN 978-2-11-004264-4, 2-7118-4281-9 et 978-2-7118-5906-1).

• Art de l'Égypte antique
• Architecture de l'Égypte antique
• Art de l'Ancien Empire égyptien
• Art du Moyen Empire égyptien
• Art du Nouvel Empire égyptien
• Art de la Troisième Période intermédiaire
• Composition de l'être dans l'Égypte antique
• Religion de l'Égypte antique
• Rite funéraire dans l'Égypte antique
• Techniques du relief égyptien

• (en) Collection Senusret : une introduction annotée aux arts égyptiens.