Rock électronique

Mike Pinder des Moody Blues, un pionnier du rock électronique, en 1974.

L'un des premiers compositeurs à faire usage d'instruments électroniques dans la musique populaire est Joe Meek avec l'album I Hear a New World (enregistré en 1959, mais pas pleinement publié avant 1991[9]) et la chanson Telstar (1962), originellement enregistrée par The Tornados[10]. Les années 1960 assistent à l'usage de techniques en studio et de nouvelles technologies dans la création de nouveaux sons qui sortent de la norme. Des pédales et de nombreux effets se développent et saturent ou altèrent la qualité sonore de la guitare électrique[11]. Le mellotron est utilisé par le multi-instrumentiste Graham Bond en 1965[12], et est par la suite adopté par Mike Pinder des Moody Blues en 1966 dans des chansons telles que Nights In White Satin, et par les Beatles pour Strawberry Fields Forever (1967)[13]. Ian McDonald des King Crimson, Rick Wakeman des Yes et Tony Banks de Genesis deviennent les personnalités majeures de cette époque à utiliser le mellotron[14]

La fin des années 1960 assiste à la popularisation du synthétiseur Moog. Micky Dolenz des Monkees fait l'achat de l'un des premiers synthétiseurs Moog, et son groupe est le premier à en jouer dans leur album Pisces, Aquarius, Capricorn and Jones Ltd. en 1967, qui atteint la première place des classements américains[15]. Quelques mois plus tard, le titre homonyme de l'album des Doors, Strange Days (1967), présente également des morceaux de Moog, joués par Paul Beaver[16]. Switched-On Bach (1968) de Walter (plus tard Wendy) Carlos, enregistré avec de nombreux musiciens jouant du Moog, est la meilleure chanson de musique classique jamais composée[17]. Le son produit par le Moog atteint également les grands marchés grâce à l'album des Simon and Garfunkel, Bookends en 1968[18] et à Abbey Road (1969) des Beatles[19].

Keith Emerson à Saint-Pétersbourg en 2008.

Des musiciens de rock progressif comme Richard Wright des Pink Floyd, et Rick Wakeman des Yes font usage de synthétiseurs portables. D'autres à en faire usage sont Keith Emerson d'Emerson, Lake & Palmer, Pete Townshend, Electric Light Orchestra, Genesis, Return to Forever, et Weather Report. Le rock prog. instrumental est particulièrement joué en Europe centrale, ce qui permet à des groupes comme Kraftwerk, Tangerine Dream, Can et Faust à dépasser la barrière de la langue[20]. Leur « Kraut rock », et les chansons de Brian Eno (à l'époque claviériste pour Roxy Music), influenceront significativement le synth rock[21]. En 1972, le musicien de jazz Stan Free, sous le pseudonyme de Hot Butter atteint le top 10 au Royaume-Uni et aux États-Unis grâce à une reprise de la chanson Popcorn de Gershon Kingsley en 1969. Elle est considérée comme celle ayant lancé le synthpop grâce à l'usage du synthétiseur Moog[22]. La même année, Isao Tomita fait paraître l'album électronique Electric Samurai: Switched on Rock, aidé du Moog pour jouer des chansons de rock contemporaines[23]. L'album de rock psychédélique progressif d'Osamu Kitajima Benzaiten (1974), avec Haruomi Hosono, utilise un synthétiseur, une boîte à rythmes, et une batterie électronique[24]. Le milieu des années 1970 assiste à la montée de musiciens electronic art comme Jean Michel Jarre, Vangelis, et Tomita, qui avec Brian Eno influencera significativement le développement de la new age[25].

Le synthétiseur n'est pas bien accueilli par les musiciens rock des années 1970. Certains groupes comme Queen, explique dans le manuel de leurs albums ne pas faire usage de synthétiseur[26]. D'une manière similaire, le punk rock est initialement hostile au son « non-authentique » du synthétiseur[27], mais la plupart des groupes de new wave et post-punk qui ont émergé du mouvement, commencent à l'adopter[28]. Le duo américain Suicide, qui joue dans la scène post-punk de New York, fait usage d'une boîte à rythmes et d'un synthétiseur dans leur album éponyme publié en 1977[29]. Avec les groupes britanniques Throbbing Gristle et Cabaret Voltaire, ils se réorientent vers l'usage d'une variété de techniques électroniques et d'échantillonnage qui émulent le son de la musique industrielle[30].

En avril 1977, Izitso de Cat Stevens améliore le style pop rock et folk rock avec l'usage de synthétiseurs[31], pour lui attribuer un style synthpop[32] ; le single Was Dog a Doughnut en particulier est une chanson techno-pop fusion[33] qui fait un premier usage de séquenceur musical[34]. 1977 est également l'année durant laquelle le membre d'Ultravox Warren Cann fait l'achat d'une boîte à rythmes Roland TR-77 qu'il utilise dans leur single Hiroshima mon amour[35]. Le groupe japonais Yellow Magic Orchestra lance la synthpop avec leur album homonyme (1978) et Solid State Survivor (1979)[36], ce dernier présentant des pistes de synth rock[37] - [38] telles qu'une version reprise du titre Day Tripper (1965) des Beatles[37]. Aussi en 1978, la première incarnation de The Human League fait paraître leur premier album Being Boiled, et Devo s'oriente vers un son plus électronique.

La définition du MIDI et le développement de l'audio numérique mènent à une création plus facilitée de sons électroniques[39]. Cela mène à la croissance de la synthpop et le son dit new wave où les synthétiseurs dominent dans les musiques pop et rock du début des années 1980. Des albums comme Freedom of Choice (1980) de Devo, l'album homonyme de Visage (1980), Metamatic (1980) de John Foxx, Telekon (1980) de Gary Numan, Vienna (1980) d'Ultravox, Dare (1981) de The Human League, Speak and Spell (1981) de Depeche Mode, et Upstairs at Eric (1982) de Yazoo, établissent un son qui influencera la majeure partie des groupes mainstream pop et rock[40]. Le premier son de la synthpop est « stérile et vaguement menaçant », mais plus commercial pour des groupes comme Duran Duran[40].