Constantin Brâncuși

Brâncuși naît le 19 février 1876, en « principauté de Roumanie » encore vassale de l’Empire ottoman, deux ans avant que soit reconnue l'indépendance de la Roumanie, dans le village de Hobița, à une vingtaine de kilomètres à l'ouest de Târgu Jiu, deuxième des quatre enfants de Radu Niculae Brâncuși (1833-1885) et de Maria Brâncuși (née Deaconescu, 1851-1919), des paysans aisés qui administraient les terres du monastère de Tismana[6].

La Maison mémoriale Constantin-Brâncuși, en 2012.

Aujourd'hui classée monument historique, une très humble habitation en bois de son village natal, Hobița, est aujourd'hui un petit musée, fondé en 1971, la Maison mémoriale Constantin-Brancusi (ro). Son aménagement intérieur traditionnel et sommaire montre au visiteur toute la frugalité de ce qu'étaient les conditions de vie rurales dans la région natale du futur artiste, une contrée malgré tout connue pour sa riche tradition d'artisanat populaire, en particulier la sculpture sur bois, dont les motifs géométriques ancestraux sont souvent visibles dans les créations que Brâncuși réalisera en France. Des documents et photographies sur la vie de ce dernier y sont aussi présentés. Cependant, bien que très similaire à l'authentique, il ne s'agit pas de la vraie maison natale de Brâncuși ; celle-ci, toujours existante près du musée et elle-aussi classée, est en trop mauvais état pour être visitable.

Il étudie les arts à l'école des arts et des métiers de Craiova (Roumanie) de 1894 à 1898 puis à l'Université nationale d'art de Bucarest de 1898 à 1901. Il y réalise des œuvres relativement classiques comme un buste de Vitellius ou une médaille de bronze d'après le Laocoon[7]. Il obtient sa première commande publique, un buste, de facture classique, représentant le docteur général Charles d'Avila (Carol Davila), qui a été installé à l'hôpital militaire de Bucarest et est le seul monument public du sculpteur à Bucarest. Voulant compléter sa formation à Paris, il part à pied en 1903, passe saluer sa mère à Hobița, fait étape un temps à Vienne où il travaille dans un atelier en tant que décorateur de meubles et visite des musées de la ville, se familiarisant avec la sculpture égyptienne antique qui influencera ses œuvres futures, puis à Munich ; après être passé par la Bavière et la Suisse, puis pris dans une pluie torrentielle près de Lunéville et infecté par une pneumonie, il doit être hospitalisé. Rétabli, il termine son périple en train jusqu'à la capitale française.

Il s'y inscrit à l'École nationale supérieure des beaux-arts en 1905 et installe son atelier impasse Ronsin, dans lequel il reste jusqu'en 1957 (aujourd'hui reconstitué devant le Centre Pompidou)[7]. A cette époque, il suit les enseignements d'Antonin Mercié dans son atelier[8]. Fervent chrétien orthodoxe, il fréquente l'église roumaine de Paris, participant en tant que servant à la liturgie. En 1907, il quitte l'atelier d'Auguste Rodin un mois seulement après y être entré, en expliquant : « Il ne pousse rien à l’ombre des grands arbres »[9]. C'est au même moment qu'il réalise la première version du Baiser qui deviendra son œuvre phare[10]. Il dépasse l'esthétique de son maître avec des œuvres comme La prière ou Tête de jeune fille[7]. C'est ainsi qu'il développe une esthétique pure et stylisée en lien avec une philosophie universaliste mêlant tradition byzantine, grecque et bouddhiste[7]. C'est pour ces raisons qu'il privilégie la taille directe. Il réalise alors un portrait de Renée Frachon qu'il décline en Sommeil (1908) puis en Muse endormie (1909). La forme ovale, de l'œuf devient un leitmotiv dans son œuvre. En 1916, il réalise Princesse X qui est exposée un an plus tard sans problème à New York. Elle fait toutefois scandale en France au Salon des indépendants de 1920 : Matisse y voit un phallus et l'œuvre est retirée avant le passage du ministre. L'artiste déclare plus tard : « Ma statue [...], c'est la synthèse de la femme, l'Éternel féminin de Goethe, réduit à son essence. Cinq ans, j'ai travaillé, j'ai fait dire à la matière l'inexprimable [...]. Et je crois, enfin vainqueur, avoir dépassé la matière. »[7].

En 1935, la Ligue des femmes de Gorj, en Roumanie lui commande un monument aux morts de la Première Guerre mondiale. Il en propose alors trois : la Colonne sans fin, la Porte du baiser et la Table du silence. Cet ensemble sculptural est disposé à Tirgu-Jiu selon un axe Est-Ouest[7].

Brâncuși obtient la nationalité française[11]en 1952[12]. Il meurt le 16 mars 1957 en son domicile, 11, impasse Ronsin, dans le 15^e arrondissement[13]. Il est inhumé au cimetière du Montparnasse (18^e division)[14]. Dans son testament, il lègue à l'Etat français l'ensemble de son atelier. Celui-ci est reconstitué sur la place en face du Centre Pompidou[15].

Brâncuși travaille par séries d'œuvres. Il développe de nombreuses versions de chacune de ses sculptures dans un but d'élévation spirituelle. C'est notamment le cas de la Colonne sans fin. Auparavant, il développe les thèmes du Baiser, de la Muse endormie (7 variantes en marbre et bronze), de Princesse X, de l'Oiseau dans l'espace (28 variantes en marbre, bronze et plâtre)... Il les décline dans différentes formes et matériaux. C'est ainsi qu'il développe sa réflexion et sa conception des thèmes qu'il aborde : le Sommeil devient la Muse endormie, Maïastraïa devient l'Oiseau d'or puis l'Oiseau dans l'espace[7]...

Une des œuvres principales de Brâncuși est l’Oiseau dans l'espace. Elle est constituée de plusieurs variantes. La volonté du sculpteur était de recréer l'envol d'un oiseau. Cette série a débuté avec la Măiastra, qui fut l'idée première de la série Oiseau dans l'espace. Il associe le vol et son contraire en souhaitant représenter l'« essence du vol ».

« Je n'ai cherché pendant toute ma vie que l'essence du vol. »

— C. Brancusi

Cette série prendra 22 ans de sa vie (de 1919 à 1941). Après 27 pièces de marbre et de bronze, le sculpteur termine sa série en 1941.

« J'ai voulu que la Maïastra relève la tête sans exprimer par ce mouvement la fierté, l'orgueil ou le défi. Ce fut le problème le plus difficile et ce n'est qu'après un long effort que je parvins à rendre ce mouvement intégré à l'essor du vol. »

— C. Brancusi[16]

Le Centre Pompidou y a consacré une exposition-dossier en 1999-2000 dans son cycle « La série et l'œuvre unique »[17].

L'atelier Brancusi à Paris (1923).

Dès 1904, Brâncuși expérimente la photographie et se rapproche de grands artistes comme Steichen ou Man Ray. Son atelier est lui-même une œuvre d'art à part entière, à la fois lieu de création et d'exposition. Chaque œuvre occupe une place bien définie et en déplacer une serait alors rompre l'harmonie qui règne dans ce lieu. Il les organise selon la lumière, leurs proportions et leurs formes[18].

Il utilise également la photographie comme un moyen de montrer exactement comment il faut regarder ses œuvres et pour leur donner une double dimension artistique. C'est pourquoi les photographies prises par l'artiste dans son atelier sont un apport inestimable pour la compréhension de son œuvre.

Après l'exposition de New York de 1914 où il reçoit des photos de ses œuvres qui le déçoivent, il décide de s'occuper exclusivement des prises de vues. Il achète du matériel professionnel en 1920 et aménage un atelier de photographie dans son atelier[18].

Brâncuși est aussi moderne dans son rapport au socle. Ce dernier est définit comme ce qui assoit la sculpture et l'artiste crée une rupture avec la tradition du socle purement fonctionnel. En effet, il cherche à exprimer l'essence de ses œuvres et supprime ainsi les socles ou les intègre aux figures principales[8]. L'exemple type de cette volonté est la Colonne sans fin que Brâncuși développe dès 1918. Il s'agit d'une superposition de rhomboïdes, objets habituellement utilisés eux-mêmes comme des socles[19]. Il photographie également ses œuvres pour qu'on sache comment les regarder en lien avec leur socle.

L'exposition Rodin, Brancusi et Carl André : le Socle organisée en 2017 à la Fondation Giacometti montre l'évolution de la remise en cause du socle traditionnel, notamment à partir de Rodin qui s'en affranchit[20].

Brâncuși vêtu en habit liturgique orthodoxe, vers 1905-1906[21].

• Le Baiser, à partir de 1907
• La Muse endormie, 1910[22]
• Mademoiselle Pogany, 1912-1913, plâtre[23]
• Le nouveau-né, à partir de 1915
• Portrait de Madame L. R., 1917, bois (L. R. pour Léone Ricou), ancienne collection Pierre Bergé–Yves Saint Laurent
• Colonne sans fin, à partir de 1918
• Le Léopard des anges, 1922, écorce de pin
• La sorcière, 1924-1955, Centre Pompidou[24]
• Le roi des rois, 1938, Musée Guggenheim, Bilbao[25]
• Phoque II, 1943, marbre et pierre
• Le Grand Coq IV, 1949-1979, acier poli, Fondation Gianadda, parc de sculptures, Martigny

Portrait de Brâncuși, par Amedeo Modigliani.

Billet de banque roumain de 500 lei (1992), recto et verso, illustré par un portrait du sculpteur et certaines de ses œuvres.

Plusieurs musées rassemblent des collections importantes :

• l'atelier Brancusi, musée national d'Art moderne, Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou, Paris ;
• le museum of Modern Art ;
• le cabinet Brancusi, musée d’art de Craiova, Roumanie ;
• le musée Wilhelm-Lehmbruck (de) de Duisbourg ;
• le musée d’art de Târgu Jiu, Roumanie ;
• le musée Solomon R. Guggenheim, New York ;
• le musée Peggy-Guggenheim, Venise, Italie.

Outre l'atelier de Brâncuși reconstitué à l'identique dans une annexe du Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou, Paris, on peut admirer à Târgu Jiu, Roumanie, un parc avec trois de ses plus importantes créations (la Colonne sans fin, La Porte du Baiser, La Table du silence) ou le musée d'art de Craiova.

Au cimetière du Montparnasse à Paris, où Brâncuși est enterré (18^e division), on peut voir dans une autre partie du cimetière (22^e division, au nord du petit cimetière) Le Baiser, une de ses sculptures qui est une des œuvres les plus célèbres de cette nécropole, sur la tombe de Tania Rachewskaïa, une jeune femme russe de 23 ans qui s'était suicidée par amour[26]. Cette œuvre a fait l'obliger de plusieurs litiges. Pour empêcher les descendants de Rachewskaïa de récupérer la sculpture, l'Etat a classé aux Monuments historiques l'ensemble de la tombe en 2010[27]. Depuis 2018, un coffrage en bois et des caméras ont été mis en place par les ayants droit pour empêcher le vandalisme. Le Conseil d'Etat a décidé finalement que l'œuvre était un immeuble par nature et qu'elle devait donc rester au cimetière du Montparnasse[28].

Très tôt, les sculptures de Brâncuși ont suscité de nombreuses critiques. Dès sa première exposition à New York en 1913, l'artiste est confronté à de multiples appréciations incongrues, telles que « un œuf dur sur un morceau de sucre » ou bien « une descente d'égout accouplée à une cotte de mailles ». La raison de ses critiques n'était autre que la démarcation et l'abstraction des œuvres de l'artiste et ne correspondaient pas à la notion de l'esthétique, telle qu'elle était admise en 1926[29].

En effet, l'épure très poussée, ainsi que les variations avec lesquelles il travaille, dérangent quelque peu les conceptions traditionnelles de la sculpture. Il change ses œuvres de socle, de position, de lieu et les photographies, de sorte qu'il travaille aussi en mettant en relation ses sculptures avec le domaine de l'image, pour faire jaillir d'elles quelque chose de nouveau à chaque entreprise (lumière et espace deviennent ainsi des enjeux importants). Si certains se rient du Roumain, lui n'en tient pas compte et œuvre avec foi sur ces projets éminemment modernes dont l'accomplissement, de par leurs lisseurs polis et leurs allures abstraites, semblent tenir de l'absolu. Oskar Kokoschka a esquissé un portrait de Brancusi, identifié il y a peu, visible actuellement à l'exposition consacrée au premier au Musée d'Art Moderne de Paris.

En 1927, à la suite de la réception d'un objet, que les autorités douanières des États-Unis (le United States Customs Service) voulaient taxer en tant que simple pièce de métal, le célèbre procès « Brâncuși contre États-Unis » s'ouvre.

Ladite pièce fait 1,35 mètre de long, est de forme mince et fuselée et est polie comme un miroir sur toute sa surface. Si pour certains[30] elle ne semble être rien de plus qu'un objet manufacturé — dont on ignore cependant l'utilité —, pour d'autres il s'agit d'une œuvre d'art dont la beauté est égale à celles exposées dans les musées les plus connus du monde.

La volonté première de ce procès est surtout de poser les questions suivantes : « Quels sont les critères pour juger de la notion d'œuvre d'art ? », « À quoi reconnait-on l'artiste ? », « Qui est juge en la matière ? »[29].

L'astéroïde (6429) Brâncuși porte son nom.