Monique Frydman

Né en 1943 dans le Tarn[1] - [2], d'un père ukrainien et d'une mère lituanienne[3], elle effectue des études à l'École supérieure des beaux-arts de Toulouse, puis s'installe à Paris à partir de 1964[3]. Elle y fréquente l'atelier de peinture de l'ENSBA[3] et rencontre François Rouan et Pierre Buraglio, dans cette période qui précède de peu mai 68[4]. Elle passe à l'époque d'une peinture abstraite à de tableaux de grand format sur des sujets d'actualité, tels que Piquet de grève chez Renault[3].

En 1967, comme de nombreux artistes engagés en Europe, Monique Frydman arrête la peinture[5], pour se consacrer au militantisme d'extrême-gauche[6] et notamment au féminisme[7] au sein du Mouvement de libération des femmes (MLF) et au Mouvement pour la liberté de l'avortement et de la contraception avec son mari René Frydman[3]. Elle enseigne par ailleurs le dessin dans les lycées et collèges.

Elle reprend son activité de peinture, dans les années 1970, par de grands dessins de corps[3]. Peu à peu, un glissement s'opère vers une peinture de nouveau plus abstraite. Dans une période où les artistes ont abandonné la toile, le papier et le dessin, Monique Frydman persiste dans la peinture. C’est aussi pendant cette période qu’elle commence à se servir du papier de soie ou « papier Japon »[2] : d’abord contrecollé sur la toile, pour séparer le dessin de la couleur, le papier Japon devient ensuite le matériau principal de son travail entre 1979 et 1983 avant de devenir une récurrence forte dans son travail[5] - [8].

1984 marque l’arrêt du travail sur papier de soie et le début de la peinture de grands formats sur toile de lin : dans un premier temps l’association de traits au fusain et de formes colorées, dans un second temps une immersion dans la couleur, qui passe du sépia / brun à des tons clairs, et bientôt des couleurs vives, liées à ses voyages (Inde, Australie)[7] - [2] - [9].

En 1989, la mise en place d’une autre méthode de travail plus « tactile » où la toile, posée au sol et humidifiée par la colle, reçoit le pigment par imprégnation et le pastel par frottage. Les séries de cette période (L’Ombre du Rouge, Violet, Les Dames de Nages, Senantes) indiquent un virage progressif vers plus de monochromie. En 1994-1995 un autre protocole s’y ajoute, qui libère le geste de l’habitude prise : des cordes traînant au sol lui offrent par hasard la solution d’une empreinte à l’aveugle — sous la toile — par frottage, d’éléments disposés préalablement de manière aléatoire[2] - [9].

Une cinquième famille d’œuvres se met en place en 2005 à l’occasion d'une exposition au musée Matisse[2] et de la collaboration de l’artiste avec l’atelier de sérigraphie Seydoux d’une part, sa visite des usines de dentelles d’autre part. Ce n’est plus la toile posée au sol qui reçoit la couleur et le geste mais les feuilles de papier peint et les tissus qui sont encrés à l’aide du procédé sérigraphique. Cette période marque le passage à un format architectural : le détour par des matériaux industriels est assumé, ainsi que la réflexion sur le décoratif et une grande diversification technique.

Son attrait pour le monumental et l’architectural, se retrouve dans plusieurs réalisations à partir de 2007 : la station de métro Saouzelong à Toulouse[10] avec l’atelier Duchemin, maitres verriers (2007), le Mur des lisses (2007), le paravent Fenêtre sur Cour (2012) pour la manufacture des Gobelins et le Kaléidoscope (2012), couloir de verre réalisé pour son exposition au musée de Kanazawa au Japon[11]. C’est là, toute une réflexion sur la couleur et la transparence déjà abordée dans les œuvres de tarlatanes (les Damiers, Le Grand Mural Jaune, Red Room ) et de papier japon (Whisper, Murmure).

Elle réalise en 2013 pour le Salon Carré du Louvre une œuvre monumentale double face, le "Polyptyque Sassetta"[3], qui s'inspire d'une des plus grandes commandes du Quattrocento, le Polyptyque du Borgo Sansepolcro, du peintre siennois Sassetta.

Le travail de Monique Frydman montre un grand attachement à la peinture et à des techniques et matières auxquelles elle est fidèle depuis le début : une dose de hasard (qu’elle distribue selon les périodes, l’utilisation de différentes techniques d’imprégnation progressive de la couleur sur de multiples supports (toile de lin, de coton, papier Japon, tarlatanes, pigments et pastels) l’équilibre entre le travail pictural et le travail graphique avec l’utilisation du papier. Ses œuvres montrent un désir d’immersion physique dans la couleur, qui lui fait privilégier des formats monumentaux.

« Mes tableaux n’ont rien d’anthropomorphique ni d’organique […]. J’essaie de rendre visible l’origine du visible[12]. »

• L'Âge d'or, hôpital L'Archet II, Nice
• Paravent Fenêtre sur Cour, réalisé pour la Manufacture des Gobelins sur commande du Mobilier National, Paris
• Université Yamanashi-Gakuen, Kōfu préfecture Japon
• La Danseuse de cordes, Claustra de cylindres de porcelaine, prototype réalisé par la Manufacture Nationale de Sèvres
• Aménagement de la station de métro (Saouzelong) de Toulouse
• Le mur des Lisses, installation pour l’inauguration de la galerie de la Manufacture des Gobelins, Paris
• Boucle d’or, FNAC | Fonds national d’art contemporain, avec la participation de l’atelier de broderie le Bégonia d’Or du Conservatoire du Bégonia, Rochefort
• Fenêtre sur cour, écran crée en collaboration avec le designer Frédéric Ruyant et réalisé par la Manufacture des Gobelins et le Mobilier National, Paris

• Commandeur de l'ordre des Arts et des Lettres (2022)[13]