Gregorio de Laferrère

Laferrère s’adonnait à la création littéraire depuis sa jeunesse, plus particulièrement dans le genre romanesque, mais étant donné qu’il était toujours resté discret à ce sujet, l’apparition de sa première œuvre fut une surprise dans le milieu de l’aristocratie portègne à laquelle il appartenait. Sa première œuvre théâtrale, intitulée ¡Jettatore!, est une comédie en trois actes, que, aux dires de l’auteur lui-même, il écrivit dans un mouvement d’humeur et sans s’imaginer qu’un jour elle pût être représentée sur une scène de theatre. Certain jour cependant, également par caprice, il en donna lecture à un ami, lequel insista ensuite pour qu’il envoyât la pièce au théâtre de la Comedia, fief de la troupe de comédiens de Gerónimo Podestá, ce qu’il fit sans révéler toutefois qu’il en était lui-même l’auteur. La pièce fut rejetée comme étant « injouable », mais plusieurs mois plus tard, un autre ami, Mariano de Vedia, la fit parvenir une nouvelle fois au même destinataire, et cette fois la pièce fut acceptée et eut sa première représentation le 30 mai 1904, par les soins de la compagnie Podestá[4].

Cette première représentation fut un événement social, à laquelle assista, depuis un balcon, le président de la Nation, le général Julio Argentino Roca, et fit affluer un public par ailleurs peu assidu aux mises en scène de troupes nationales[5].

¡Jettatore! a été caractérisé par le critique et chercheur Luis Ordaz comme un vaudeville au sujet ingénieux, développé d’une main habile et débordant d’humour satirique, mais sans jamais retomber dans la caricature grossière. C’est une satire de la superstition qui tend à attribuer à certains individus une influence magnétique funeste, superstition très répandue alors à Buenos Aires, en particulier dans les clubs. L’auteur avait lu un conte analogue de Théophile Gautier, qui se trouve d’ailleurs mentionné par un personnage dans la deuxième scène de la pièce, mais « Laferrère a puisé presque tous les éléments pittoresques dans la réalité de notre milieu. Don Lucas, protagoniste innocent de cent tragédies, est le personnage central, lié à l’œuvre par une ténue fable d’amour, et entouré de nombreuses personnes de ses amis, en lesquelles se réalisent des épisodes fortuits ou fatals, lesquels créent autour de Don Lucas une atmosphère d’hilarité et de terreur »[6].

Locos de verano (litt. Fous de l’été) eut sa première, réalisée par la compagnie de Gerónimo Podestá, le 6 mai 1905 au Teatro Argentino de La Plata. Selon le spécialiste Marcos Mayer, qui préfaça l’édition des œuvres complètes de Gregorio de Laferrère, l’auteur

« …caractérise les vingt-neuf personnages de la pièce à partir d’un trait fondamental, qui lui sert à faire une critique des mœurs portègnes du début du siècle. Ce sont des stéréotypes construits sur une manie : le collectionnisme, les autographes, le jeu, la photographie, la poésie, l’usage de cosmétiques, la philatélie et l’art oratoire. Et s’il y a un conflit dans l’œuvre, c’est la lutte du sens commun contre ces manies qui ne sont autres que les nouvelles habitudes que, dans son processus de modernisation, la société argentine s’évertue à adopter. La folie d’été de chacun des personnages produit une espèce d’automatisme et d’isolement ; chacun d’eux vit dans le monde en étant reclus dans sa propre manie, et c’est de là que naît l’effet comique de l’œuvre : la réaction confinée de chaque personnage dominé par la mode qu’il s’est choisie, effet comique accentué par la vélocité tant dans les dialogues que dans les mouvements scéniques. »

— Marcos Mayer[7]

Cette charmante comédie de mœurs, qui a pris rang parmi les classiques du théâtre argentin, reçut cependant un accueil critique réservé, passant alors en effet pour une production de grand seigneur mondain qui écrivait pour la scène par passe-temps, sans prendre cette activité au sérieux. Pourtant, le public l’acclama d’emblée, puis continua de l’applaudir après qu’elle eut été transférée au théâtre Rivadavia de Buenos Aires ; elle eut quatre-vingts représentations consécutives, nombre inhabituel à cette époque.

Cette pièce (litt. Dans les serres), dont la première fut assurée par la troupe de Gerónimo Podestá le 23 mai 1906 au Teatro Argentino, prend pour sujet la médisance endémique de certains milieux sociaux. Parmi les affiliés d’un club court une rumeur, dont nul ne connaît l’instigateur, et selon laquelle l’épouse d’un des membres aurait un amant. À mesure que cette rumeur circule, elle tend à s’aggraver et s'enrichir de détails, avant de parvenir enfin aux oreilles du supposé offensé. Au troisième acte, alors que le couple se trouve dans la solitude de son foyer, survient la fin tragique. Ricardo Rojas nota à propos de cette œuvre :

« Composée, en particulier dans le premier acte, au moyen des mêmes procédés superficiellement descriptifs des autres pièces, l’œuvre acquiert progressivement densité psychologique et sérieux dramatique — c’est-à-dire sa troisième dimension — à mesure que l’action progresse[8]. »

Las de Barranco (litt. Celles de Barranco) fut joué pour la première fois le 24 avril 1908 au Teatro Moderno (aujourd’hui théâtre Liceo), par la troupe du conservatoire Lavardén. Il s’agit d’une tragicomédie, dans laquelle survient continuellement le grotesque. Après la mort du capitaine Barranco, sa veuve et ses trois filles tentent de survivre avec la modique pension que leur verse le gouvernement. La veuve n’hésite pas à empaumer les généreux soupirants de ses filles, jusqu’à leur solliciter des cadeaux en leur nom, mais décourageant ainsi ceux qui montrent de l’intérêt mais manquent de ressources. Chacune des filles apparaît sous ses traits propres : Pepa et Manuela se pliant à la volonté de leur mère, et Carmen, la plus belle et la plus lucide, réticente à se prêter aux manœuvres maternelles. Carmen, que la veuve veut retenir à la maison pour servir d’appât, s’en échappe avec son fiancé.

Les thèmes de la pièce sont la solitude, l’angoisse, la désespérance, l’affectation, les tensions entre membres de la haute société, la nécessité de préserver les « apparences » devant le regard des autres, l’hypocrisie. Par le biais des diverses situations de la pièce nous est brossé un portrait minutieux des conventions sociales, des prémisses morales que l’on n'est pas toujours en mesure d’observer, des stratégies de dissimulation, de l’acceptation de l’humiliation et la lente dégradation d’une famille. Cette pièce de quatre actes, dont la mise en scène originelle fut à charge d’Alfredo Duhau, eut un succès immense pour l’époque, atteignant en effet les 140 représentations consécutives. En 1921, la pièce fut montée également à Paris.

Las de Barranco fut inspiré, semble-t-il, de la famille propriétaire d’une pension de famille à La Plata, où l’auteur résida dans sa jeunesse. Au départ, la pièce n’était guère plus qu’un monologue écrit à l’intention de la célèbre actrice comique Orfilia Rico et intitulée Reíte un poco (litt. Riez un peu). Orfília Rico cependant s’avisa de toutes les possibilités du sujet et insista auprès de l’auteur pour qu’il l’amplifiât. Ainsi fut fait : la distribution originelle comprenait, outre le rôle principal, María Gámez, Lea Conti, Francisco Ducasse, Carola Heredia, et un débutant, alors âgé de 15 ans, Enrique Serrano. La pièce fut jouée, chose inhabituelle pour l’époque, 115 fois, et, depuis lors, revient souvent à l’affiche, toujours avec succès[9].

À propos de cette œuvre, considérée comme un jalon dans le développement de la dramaturgie argentine, le critique Ernesto Schoo écrivit :

« Si Laferrère était né et avait écrit dans la patrie de son père — Alphonse de Laferrère, immigrant français qui prospéra dans les années d’or de l’Argentine —, son personnage immortel, doña María Barranco, aurait aujourd’hui le prestige mondial de la Célimène du Misanthrope, de Molière. Pourquoi pas ? Doña María a autant d’humanité, autant de vérité artistique que cette créature de la France du XVII^e siècle. Comme elle, elle transcende les années et s’installe dans l’imaginaire des archétypes reproduits en tous temps et en tous lieux. Il y eut des doñas Marías dans les empires de l’Antiquité et il y en aura dans les galaxies du futur, aussi longtemps que l’espèce humaine continuera de se conformer à son fondement biologique ancestral. Et, en même temps, elle est si profondément criolla, portègne et argentine, au point d’être à la fois objet de rejet et de compassion de la part de ses compatriotes. Nous la reconnaissons comme proche de nous et nous nous avisons, non sans l’effroi dont parla Borges, de ce que son drame existentiel (presque une tragédie) a gardé ici toute sa pertinence, un siècle après. »

— Ernesto Schoo[9]

Le 3 avril 1915 eut lieu la première de Los invisibles, au Teatro Moderno, par les soins de la compagnie de Pablo Rosales. Il s’agit d’une comédie prenant pour thème le spiritisme, que par crédulité le personnage central, don Ramón, introduit dans sa propre maison. Il persuade son ami López qu’il possède des pouvoirs de médium, organise des séances de spiritisme à son domicile, interprète gestes et bruits, et suggestionne tous ceux qui l’entourent. Par son engouement pour le spiritisme, ses affaires périclitent, et il finit par se quereller avec son associé. Comme il croit qu’une sienne tante décédée lui a dit que dans une vie antérieure, il a tué le fiancé de sa fille, il l’oblige à rompre ses fiançailles. Finalement, après que López eut déclaré mort le beau-frère de don Ramón, qui s’était rendu à Montevideo et de qui l’on avait plus de nouvelles, et alors que tous étaient déjà vêtus de deuil, la pièce se termine au moment où le beau-frère revient vivant, à la stupeur de tous.