Victor Koulbak

Victor Koulbak dessinait en toute occasion durant son enfance, sans que son milieu familial l'y porte particulièrement : son père était pilote dans l’armée de l’air, sa mère femme au foyer. Celle-ci cependant montra un jour sa production au directeur de l'École des beaux-arts de Moscou. Il le fit entrer dès le lendemain. Ce furent alors quatre années de formation classique avec une seule exigence : l'exactitude. Les meilleurs dessins étaient exposés dans une vitrine qui donnait sur la rue. La première fois qu’un de ses dessins fut exposé, très fier, il demanda à sa mère et sa sœur de l’accompagner pour le voir. On avait brisé la vitrine pour voler son dessin. « Ce fut mon premier succès artistique » dit Victor Koulbak[1].

Au terme de ses études secondaires et de son apprentissage à l’École des beaux-arts, Koulbak prit conscience des insuffisances de l’enseignement qu'on lui avait dispensé. Il entreprit alors de se trouver un maître et arrêta son choix sur un peintre alors très connu. Dès le premier jour, il se brouilla avec lui et quitta l’atelier : le maître en question imposait son style, ses principes esthétiques, sa vision personnelle mais n'apportait rien sur le plan technique. Le jeune peintre prit alors la plus importante décision de sa vie : peu concerné par le modernisme, il préfère par lui-même les principes et les techniques des maîtres anciens. D'abord impressionné par Pieter Brueghel l'Ancien, Paul Cézanne et Vincent van Gogh, il se tourna bientôt vers Léonard de Vinci, Michel-Ange, Albrecht Dürer, Jan van Eyck, Hans Memling, etc[2].

Refusant les canons de l’art officiel, le réalisme socialiste soviétique, Koulbak se rangea du côté des peintres non-conformistes. Il se privait ainsi de commandes lucratives et fut obligé, pour survivre, de se cantonner à l'illustration de livres et de revues. Il continuait cependant à peindre clandestinement, pour lui et pour un cercle d’amis, mais tout était plus difficile : les fournitures pour artistes étaient réservées aux membres de l’Union des artistes soviétiques, les autres subissaient la pénurie ambiante. On pouvait ainsi manquer de vert en été et, en hiver, de blanc. Pour devenir membre de l’Union des artistes soviétiques, il fallait d’abord avoir participé à deux expositions officielles[3]. Protecteurs du réalisme soviétique, les comités de sélection étaient exclusivement composés de fonctionnaires du Parti et de peintres inféodés au régime. Ce régime fut légèrement assoupli au début des années 1970. On autorisa l'organisation d'expositions avec débats dans des endroits non-publics tels que l’Institut de physique nucléaire de l’Académie des sciences, qui n'étaient accessibles uniquement qu'avec un laissez-passer contrôlé par le Parti et le KGB. Koulbak réussit à tenir dans ces conditions deux expositions qui furent cependant fermées au bout de deux heures.

En 1975, Koulbak quitte l’URSS. Il reste six mois à Vienne et visite tous les grands musées de la ville. La contemplation des tableaux de Brueghel le jeta dans un état de torpeur tel qu'il fallut qu'un gardien vienne l'avertir de la fermeture du musée. Il était resté figé de onze heures du matin jusqu’à la tombée de la nuit, victime du « syndrome de Stendhal », décrit par celui-ci en 1817, dans son livre Rome, Naples et Florence[4].

Avant de quitter l’URSS, Koulbak avait fait parvenir plusieurs de ses tableaux en Suède. Il y était invité par une galerie de Stockholm et, en l’espace d’un an, il tint quatre expositions personnelles à Helsingborg, Stockholm, Malmö, Oslo. En 1976, il s’installa à Paris. Vingt cinq expositions personnelles et de nombreuses expositions collectives ont depuis consacré son art en France, en Italie, au Japon, au Canada, en Belgique, aux États-Unis, en Grande-Bretagne, en Allemagne et à Malte. Depuis l’an 2000, Koulbak est résident à Malte.

Dans sa période « Exploratoire » à Moscou, entre 1965 et 1975, il s’essaie à tous les genres, toutes les techniques, tous les styles.

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  Papillon (1971).
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  Icare (1972).
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  Papillon mechanique (1973).
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  Célébration (1970).

« Surréaliste » à Stockholm puis à Paris, de 1975 aux années 1980.

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  En contemplation (1977).
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  Métamorphoses (1977).
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  Voyageur (1977).
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  Méditation (1978).

« Thématique » à Paris, de 1980 à 1990.

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  Pilote (1986).
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  Il a fait tout ce qu'il a pu mais il est toujours seule (1987).
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  Destin (1983).
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  On dit que le père était méchant (1985).

Dans sa période « Maîtrise », à Paris puis à Malte, depuis les années 1990, son art est désormais marqué par la prédominance de travaux pensés à partir du dessin à la pointe d'argent.

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  Singe vert (2004)
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  Portrait (2001)
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  Nu n°4 (2006)
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  Nature morte extérieur (1987)

Huile, gouache, aquarelle, pointe sèche, crayon, pointe d'argent, etc. Il les utilise toutes dans l'esprit des maîtres de la Renaissance, et en les adaptant à sa conception esthétique. Poussant à l'extrême son idée de tout reprendre à la base, il a même, pendant un temps, fabriqué lui-même ses pinceaux et ses papiers[5].

« La Renaissance, dit Victor Koulbak, a marqué pour la peinture un sommet. L'artiste, en représentant l'homme, visait le divin. On ne saurait y prétendre sans maîtrise. Jamais – ni avant ni après – le métier de peintre n'a atteint une telle altitude. L’histoire de l’art des périodes suivantes est celle d'une dérive. Dieu a d'abord été remplacé par l'homme, puis par le peintre lui-même comme individu placé, dans toute sa trivialité, au centre de l'univers. On est passé de l'adoration à l'exhibitionnisme. Comment en sommes-nous arrivés là ? C'est l'ensemble de l'éducation artistique qui est à refaire. On donne un pinceau à un élève en lui disant : "Exprime-toi" mais qui a jamais pensé qu'on puisse de cette façon apprendre le piano ? Pourquoi ce qui paraît absurde avec le piano ne le paraît-il pas avec le pinceau ? Non, pour faire d’un enfant un véritable peintre, il faut d’abord lui apprendre à distinguer le beau du laid, à maîtriser ses instruments, à lui enseigner la technique jusqu'à ce que ses faiblesses se métamorphosent en qualités. Il faut pour cela des années de travail assidu et difficile. Faute de le faire aujourd’hui, l’avenir de notre monde me paraît bien sombre. En refusant la beauté, nous refusons la civilisation. Je ne sais pas si la beauté sauvera le monde mais, sans elle, il ne survivra pas. »

2022 - Victor Koulbak et son art

2018 - Victor Koulbak, entretien sur son art, 1/2

2018 - Victor Koulbak, entretien sur son art, 2/2

• Pointe d'argent

• René Huyghe, Les signes du temps et l’Art moderne, Flammarion, 1985.
• Gérard Xuriguera, Les Figurations, Éditions Mayer, 1985.
• S.Bazin, P.Nicolas, Koulbak, La jouissance apaisée des formes permanentes, Groupe Bazin, 1998.
• Nicolas Bokov, Or d’Automne et Pointe d’Argent. Conversations avec Victor Koulbak, Les éditions Noir sur Blanc, 2005.

• Site officiel de Victor Koulbak