Portrait historié

Jean-Marc Nattier, Madame de Pompadour en Diane, huile sur toile, 102 x 82 cm, 1746, Versailles, musée national des châteaux de Versailles et du Trianon

Plus particulièrement, le portrait historié permet de lier l'apparence au goût de la Cour de l'époque. En se faisant représenter sous les traits de certaines divinités, il est possible de mettre en avant des qualités physiques, intellectuelles ou morales[8]. Ainsi, la déesse Flore permet de souligner la jeunesse et la beauté, tandis que Minerve représente la sagesse et la guerre, elle est également la protectrice des arts.

Cependant, pour comprendre le choix de la divinité, il faut avoir la culture nécessaire. Celle-ci s'acquiert surtout dans les hauts rangs de la société. À cette époque, se faire représenter de façon historiée permet également de démontrer sa connaissance de l'Histoire, de la mythologie mais également des pièces de théâtre ou autres arts et donc de démontrer sa place dans la société de l'Ancien Régime[9].

Dans la peinture, ce genre laisse une plus large liberté aux peintres en ce qui concerne les ajustements. En effet, une question primordiale à cette époque est celle de la ressemblance avec le modèle au sein des portraits. Ce genre historié permet ainsi de démontrer la capacité d'invention du peintre. Il ne s'agit plus seulement de représenter un modèle, mais d'imaginer un décor, des vêtements, des attributs qui permettent de comprendre la référence liée à des sources mythologique ou historique, plus ou moins respectées[10].

Auprès des hommes, les divinités choisies permettent notamment de démontrer des victoires militaires. C'est principalement auprès des femmes que se développe une diversité des divinités. Cependant, certains personnages sont fortement présents tels que Vertumne et Pomone, Flore ou Diane. Lorsqu'un modèle se fait représenter comme un dieu ou à l'image de celui-ci, il incarne notamment ses qualités.

Pour les femmes, de nombreuses divinités mettent en avant la beauté et la jeunesse, telle que Flore,Thétis ou Cérès. Cette dernière incarne également la fécondité. D'autres personnages mettent en avant des qualités plus morales : Minerve incarne la guerre et la victoire, mais également la sagesse et la prudence. Elle est également la protectrice des arts. Diane incarne la chasse, mais elle est également liée à l'ensemble des évènements dans la vie des jeunes filles[11].

Attribué à Pierre Mignard, Madame de Maintenon, le duc du Maine et le comte de Vexin (autre version) , huile sur toile, dim. inconnues, v. 1675, Collection Particulière.

Dès le XVII^e siècle se pose la question de la manière dont le modèle est habillé dans ces portraits. Doit-il respecter l'aspect historié ou refléter la mode contemporaine ? Il existe différents degrés de travestissement au sein de ces portraits, et ce, dès le XVIIe siècle. En effet, certains peintres ne représentent que le visage de leur modèle et l'aspect historié est retrouvé dans l'ensemble des ajustements. C'est notamment le cas du Portrait de La Marquise de Maintenon, le duc du Maine et le comte de Vexin attribué à Pierre Mignard. Ainsi, seuls les visages et les coiffures sont issus de l'époque de création, l'ensemble des vêtements fait référence aux figures bibliques représentées. Seuls quelques détails évoquent un portrait, tels que les regards des modèles vers le peintre[12].

François de Troy inscrit fortement l'histoire au sein de ses portraits, dont le célèbre Festin de Didon et Énée[13] est un parfait exemple. Ce portrait de la Cour de Sceaux réalisé en 1704 inscrit les modèles dans une scène de l'Énéide. Si les traits du duc et de la duchesse sont reconnaissables pour les connaisseurs, le portrait passe tout de même au second plan, l'histoire prenant le dessus. C'est seulement lorsque le spectateur observe les détails qu'il peut reconnaître des éléments contemporains telles que des perruques[14].

Au contraire, certains artistes font le choix de représenter leur modèle avec quelques attributs permettant de reconnaître le sujet, mais de les habiller de vêtements contemporains. C'est notamment le cas de Hyacinthe Rigaud avec le Portrait de Marguerite Henriette de La Briffe en Cérès[15]. La divinité est reconnaissable par la faucille et le blé, mais le modèle est vêtu d'une robe conforme au goût contemporain[16].

Au XVIII^e siècle, si les attributs sont toujours présents chez certains artistes, ils peuvent également perdre leur signification mythologique. Ainsi, Jean Marc Nattier, dans ses portraits, démontre une évolution dans l'interprétation des attributs qui s'éloigne des références mythologiques pour se rapprocher surtout des qualités reflétées. Avec le Portrait de Marie-Anne de Bourbon, Mademoiselle de Clermont, aux eaux minérales de Chantilly[17], les attributs comme l'aiguière ou la coupe ne reflètent plus Hébé, mais principalement la jeunesse selon Marlen Schneider[18].

Au XVII^e siècle, ces portraits sont vivement critiqués notamment par Roger de Piles qui assimile ce genre aux femmes tout en critiquant leur influence trop forte sur cet art. Il est contre une idéalisation trop forte des modèles dans les portraits, et souhaite que la ressemblance prime[19].

Jean de La Bruyère est également contre ce genre, il pense notamment qu'en s'habillant de façon historiée cela troublerait leurs descendants à comprendre la mode de leur époque[20].

Cependant, malgré ces critiques contemporaines, il faut reconnaître une production forte de ce genre dont l'apogée est au XVIII^e siècle. Il est pratiqué par des nombreux artistes, que ce soit Hyacinthe Rigaud, Nicolas de Largillierre, François de Troy, Jean-Marc Nattier, Élisabeth Vigée Le Brun et se retrouve dans différents pays occidentaux, comme l'Angleterre ou les Pays-Bas.

L'étude de ce genre pose certaines questions aujourd'hui. Les historiens ont parfois jugé ces tableaux comme une preuve des préjugés et privilèges de la Haute société de l'Ancien Régime. Certains courants féministes ont également critiqué ces portraits en raison de l'aspect objet de la femme, mise en avant surtout pour ses qualités physiques. Au contraire, certains auteurs voient ces portraits comme une volonté de séduction, qui permettait de donner du pouvoir à ces femmes[19].