La Sentinelle (film, 1992)

L'un des points de départ de l'écriture du récit fut la prise de conscience par Arnaud Desplechin que des Français étaient encore dans les années 1980 retenus prisonniers du goulag soviétique depuis la fin de la Deuxième Guerre mondiale ; outre ses recherches personnelles, c'est la mention succincte dans L'Archipel du Goulag (1973) d'Alexandre Soljenitsyne de prisonniers français en URSS qui nourrit cette idée de départ et le scénario inverse d'un scientifique russe passant à l'Ouest pour des raisons technologiques et financières[2]. Immédiatement après la chute du mur de Berlin et de la désagrégation du bloc de l'Est, en particulier de l'Allemagne de l'Est, il souhaite explorer ce changement aux conséquences géopolitiques et idéologiques énormes, en particulier pour la stabilité de l'Europe[2]. Il opte pour un film de genre qu'il veut être une « chronique d'espionnage[2] ».

L'écriture du scénario de La Sentinelle est le fruit d'une collaboration entre le réalisateur et Pascale Ferran avec l'apport de Noémie Lvovsky et d'Emmanuel Salinger, tous anciens étudiants à l'IDHEC à la même période et dont la culture cinématographique et l'approche artistique sont assez voisines[3]. Desplechin veut dès son premier long métrage développer différents niveaux d'histoires, allant de celles intimistes des rapports familiaux et amoureux à celle de la place de l'individu dans la grande histoire et son rapport à la politique, associées à des réflexions philosophiques sur la mort et l'oubli[4]. Sophie Diebold a été consultante médicale pour cette partie du scénario[1] ainsi ,l'équipe de Michèle Rudler, ancienne directrice du laboratoire de toxicologie de la Préfecture de police de Paris fut consultée pour la partie médecine légale[5].

Le film est l'un des tout premiers produits par la société Why Not Productions fondée par Pascal Caucheteux — qui deviendra l'un des producteurs les plus importants du cinéma d'auteur français — avec l'apport des sociétés de production des chaînes de télévision La Sept et Antenne 2 et le soutien financier, grâce à l'avance sur recettes, du Centre national de la cinématographie.

Les auditions pour la distribution des rôles sont menées par Noémie Lvovsky. Elles aboutiront à la formation d'un noyau dur de jeunes acteurs, dont pour un grand nombre c'est le premier film notable et qui constitueront des habitués des films de Desplechin ainsi qu'une relève dans le cinéma d'auteur français. Peuvent être notamment cités Bruno Todeschini, et surtout les premiers rôles d'Emmanuel Salinger, de Emmanuelle Devos et de Thibault de Montalembert ; à noter que Mathieu Amalric — futur acteur fétiche du réalisateur et qui venait de rencontrer Arnaud Desplechin lors du Festival Premiers Plans d'Angers[6] — n'est pas retenu pour un rôle important mais tient tout de même celui d'un des étudiants en médecine, et que Marianne Denicourt, future compagne du réalisateur, avait déjà tenu une petite dizaine de rôles secondaires auparavant.

Entrée arrière de l'Institut médico-légal de Paris.

Le film est tourné principalement à Paris avec un grand nombre de scènes réalisées à l'Institut médico-légal de Paris et ses abords, dans l'hôtel du ministre des Affaires étrangères, au jardin du Luxembourg et à la gare de l'Est. Le début du film qui se déroule à l'ambassade de France en Allemagne est tourné à Bonn sur les rives du Rhin.

Le montage des films d'Arnaud Desplechin est un élément crucial, et souvent long, de son travail. Il est réalisé par un jeune monteur dans le milieu du cinéma, François Gédigier, qui avait déjà fait celui du premier moyen métrage de Desplechin l'année précédente[7]. La composition de la bande musicale, outre les chants lyriques de Rossini et Monteverdi faisant partie intégrante du film, est confiée au musicien allemand Marc Oliver Sommer (de) qui crée des compositions, principalement pour cordes, soulignant les moments de tensions de l'intrigue. Par ailleurs, elle incorpore des musiques actuelles allant du rock alternatif au rap avec des extraits de[1] :

• I've Lost My Ignorance de Dream Warriors et Gang Starr
• Siva des The Smashing Pumpkins
• The Reverend de DJ Jazzy Jeff and The Fresh Prince
• Wear Your Love Like Heaven de Definition of Sound (en)
• Introducing Myself de Lee Scratch Perry
• Rush de Big Audio Dynamite II
• It's Your Thing d'Ann Peebles
• Prélude et Allegro de Fritz Kreisler

La Sentinelle s'inscrit dans l'immédiate période suivant la chute du mur de Berlin et traite, en toile de fond, des conséquences que cela entraina sur la redéfinition de l'Europe post-Guerre froide et les positionnements idéologiques des deux camps. À ce titre le réalisateur s'interroge de savoir s'il s'agit là d'un « des derniers films sur la Guerre froide ou [l'un] des premiers films sur l'après-Guerre froide[2] ». Arnaud Desplechin décide pour présenter ces thématiques d'utiliser le genre du film d'espionnage qu'il considère être une façon d'aborder la géopolitique et en particulier la notion de raison d'État. Les concepts de manipulations, les dualités fidélité/trahison, bien/mal, justice/(a)(im)moralité, tout comme dans les romans de John le Carré qu'il dit tout particulièrement apprécier[2], sont ainsi représentées avec plus d'intensité, notamment cinématographique.

La question de la frontière est également présente dans les thématiques du film, sujet qui est abordé à la fois du point de vue réel — la perméabilité variable des frontières et leur passage, la nationalité —, dans un contexte spécial et paroxystique que fut celui de la séparation induite par le rideau de fer, mais également d'un point de vue symbolique plus complexe en traitant des frontières beaucoup plus floues qui séparent les « bons » des « mauvais », l'attachement patriotique de la trahison, et dans une certaine mesure celles des classes sociales. À cet égard, le titre du film est celui qui se place du point de vue de l'observateur et dans une moindre mesure du défenseur. Arnaud Desplechin déclare explicitement dans les notes d'intentions de son film avoir voulu comparer la « frontière à une cicatrice[2] ».

Tout comme dans La Vie des morts (1990), le réalisateur met le thème de la mort et du devoir de mémoire dû aux disparus au cœur de son œuvre.

L'Hôtel du quai d'Orsay abritant le Ministère des Affaires étrangères.

Le film est également une peinture d'un certain milieu social, celui d'une bourgeoisie parisienne éduquée et en poste dans les cercles de pouvoir, dont les réseaux et relations sociales sont complexes, faits de connivence, de rapports de forces, et de codes très spécifiques. À ce titre, Renaud Camus note dans son Journal 1994 de cette période paru en 2000 dans le volume La Campagne de France que le film retranscrit de manière particulièrement réaliste le milieu de la « jeunesse grand-bourgeoise », celles des fils de diplomates du 7^e arrondissement de Paris, dans sa « gestuelle unique, ses attitudes, ses intonations que le film rend à merveille[13] ».