Sculpture sur bois norvégienne

Sculpture sur bois sur le bateau d'Oseberg, période viking.

La gravure sur bois norvégienne n’a pas une histoire linéaire constante. Elle a suscité l’intérêt des artistes et de la population pendant trois périodes distinctes entre lesquelles elle était passée de mode : le IX^e siècle, les XVII^e et XVIII^e siècles et le XIX^e siècle.

Le premier âge d’or de la sculpture sur bois remonte à la période viking symbolisé par les recherches archéologiques réalisées à Oseberg connues par son bateau funéraire exposé au musée des navires vikings d'Oslo. Les objets usuels et les artéfacts remarquablement décorés que les archéologues ont trouvés à Oseberg attestent de la vivacité et du savoir-faire des sculpteurs sur bois du haut Moyen Âge nordiques puisque les chercheurs ont mis au jour une voiture, des traîneaux ou des coffres richement sculptés[4]. Au Moyen-Âge, la sculpture sur bois ne disparaît pas complètement mais elle se cantonne à la décoration intérieure et extérieure des églises en bois debout[3], les stavkirker à l’instar de la stavkirke d'Urnes, patrimoine mondial de l'humanité depuis 1979, où l’on peut encore admirer aujourd’hui encore l’impressionnant portail sculpté entre autres.

Aux XVII^e et XVIII^e siècles, la sculpture sur bois d’inspiration nordique connaît un réel engouement grâce à des artistes reconnus mais aussi des artisans anonymes qui développent cet art décoratif dans les églises, le mobilier, les voitures, les traîneaux et les objets du quotidien[3]. Bien que les sculpteurs aient parfois exercé leur métier de manière itinérante, il est impossible de couvrir le territoire très étendu et peu accessible de la Norvège pour procéder à la décoration de tous bâtiments des fermes ou groupes de fermes isolés dans chaque vallée ou fjord ; à ce moment-là, il existe en effet une distinction entre les sculpteurs à proprement parler (bilthuggere, biltsniddere) qui œuvrent aussi bien dans le domaine religieux que dans celui des objets pratiques (voitures à roue pour l’été et traîneaux pour l’hiver, l’ameublement quotidien mais aussi l’ébénisterie) et les artisans impliqués dans les chantiers de construction comme les menuisiers, charpentiers ou les fabricants de chaises artisanales[3].

À la fin du XIX^e siècle et au début du XX^e siècle, avec l’émergence du mouvement husflid[5] (artisanat de l’art, produits faits maison écoulés par des coopératives locales) en Norvège, la sculpture sur bois héritée des deux précédentes périodes est reprise et développée par plusieurs artisans dont la technique et le savoir-faire permettront à cet art décoratif de dépasser les frontières nationales avec les sculpteurs cités plus haut[6].

Décoration de pignon, gavlbrand et panneau sculpté

Détail du panneau sculpté

La sculpture sur bois et la décoration de pignon sont toujours présentes sur les maisons actuelles, ici quartier Holmenkollåsen, Oslo.

Deux techniques majeures cohabitent dans la sculpture sur bois norvégienne comme dans d’autres pays européens depuis le haut Moyen Âge : l’engravure (Karveskurd) et la gravure en relief ou bas-relief (flatskurd)[7].

Dans le premier cas, le motif est entaillé dans la surface plane le plus souvent en forme de V. Il représente souvent des figures géométriques réalisées à l’aide de compas et de règles sur le panneau pour être engravées par la suite. Les motifs ornementaux les plus récurrents sont la rose à 6 ou 8 pétales combinée à des figures rectangulaires et triangulaires. La similitude avec l’engravure dans les autres cultures historiques européennes ne fait aucun doute mais elle ne s’est pas généralisée à toute la Norvège. On la trouve essentiellement dans le Vestlandet et grosso modo dans les régions côtières du sud au nord. Les premiers artéfacts engravés norvégiens remontent au IV^e siècle[8].

La sculpture sur bois par bas-relief est un art figuratif ou abstrait très répandu dans le monde. En Norvège, elle a été utilisée en tout premier lieu pour la décoration intérieure et extérieure des églises en bois[9], stavkirke ou pas. L’influence de la Renaissance se fait sentir dans le choix des motifs qui adoptent l’entrelacement de feuillages et tiges végétales plus ou moins ordonné. Plusieurs types de fleurs sont représentées mais les rinceaux d’acanthe dominent dès le XVII^e siècle, surtout dans l’intérieur des églises. Les rinceaux sont peuplés d’animaux réels ou fictifs, parfois aussi de personnages[8]. Le dragon y occupe une place privilégiée. Il faut y inclure la sculpture ornemaniste non seulement pour le mobilier mais aussi pour la décoration extérieure dans l’architecture rurale. Même un fenil, un cellier ou une petite étable pour chèvres en rase campagne sont susceptibles d’être décorés par des panneaux en bas-relief ; des chambranles de fenêtres ou des cadres de porte sculptés donnent un cachet local et nordique aux bâtisses d’exploitation de la ferme.