Giuseppe Penone

Elevazione [Élévation], 2001, bronze, 4 aulnes et 1 hêtre. 9 × 5,50 × 5,60 m. Rotterdam[1].

Giuseppe Penone[2] est fils et petit-fils d'agriculteurs. Son travail s'origine dans son village natal, dans ce petit village au milieu des forêts dans la vallée du Tanaro[3], où il avait développé une sensibilité particulière aux effets réciproques entre homme et nature[4].

Après avoir terminé l'école secondaire avec un diplôme en comptabilité, il entre à l'Accademia Albertina di Belle Arti de Turin. Cette Académie des Beaux-Arts, proche de la galerie Sperone, lui permet de découvrir la scène artistique américaine, notamment le Minimalisme, avec des œuvres de Donald Judd et de Robert Morris, par exemple[5].

Dans la seconde moitié des années 1960, il commence son travail d'artiste :

« au cours d'une période de forte réaction contre le système politique et social qui interdisait l'indifférence. La violence de la critique sociale s'accompagnait d'une volonté d'annulation des valeurs pour pouvoir reconstruire à partir d'une identité retrouvée. La décision de travailler avec des éléments naturels est la conséquence logique d'une pensée qui rejetait la société de consommation et qui recherchait des relations d'affinité avec la matière[6]. »

Sa première exposition personnelle a lieu à Turin en 1969, du 11 au 22 décembre[7], dans la galerie de Gian Enzo Sperone[N 1]. Il est alors le dernier arrivé au sein de l’arte povera[N 2]. L'arte povera est une « sensibilité partagée », une « attitude »[8] (plutôt qu'un « mouvement », terme que les artistes de l’arte povera rejettent). Mais Penone se situe lui-même en marge de cette mouvance[9]. Par contre il est au plus près de ce « théâtre pauvre » de Jerzy Grotowski, qui sert de référence à Germano Celant. La méthode de Grotowski, dans un dépouillement absolu du travail théâtral, valorise essentiellement l'acteur, la résistance physique de l'acteur, et plutôt son corps que son expression[9]. Le travail de Penone s'appuie ainsi sur le corps de l'artiste, le contact de son propre corps, les empreintes de son corps, ses mensurations, son action dans sa relation à la nature.

La même année il avait participé à des expositions collectives à Düsseldorf[10] (septembre-octobre) aux côtés de Boetti, Kounellis, Calzolari, Griffa (en) et Prini, et à Leverkusen[11](octobre-novembre)[N 3]. Au sein de cette mouvance artistique plutôt que mouvement artistique à proprement parler, il a eu ensuite un parcours atypique.

En 1970 il participe à l'exposition collective Information, sous le commissariat de Kynaston L. McShine, au Museum of Modern Art à New York[12].

En décembre 1999[13], son Arbre des voyelles est installé dans le parc de sculptures du jardin des Tuileries. Le projet ayant été présenté un an auparavant, mais comme prémonitoire des tempêtes de fin décembre 1999 en Europe[14]. Une rétrospective lui est consacrée au Centre Georges Pompidou en 2004. En 2007, il représente l’Italie, dans le pavillon italien à la Biennale de Venise. En 2009, il installe lors de la restauration de la cour vitrée du Palais des Études de l’École nationale supérieure des beaux-arts, une œuvre monumentale, un sapin de 24 mètres de hauteur tranché dans la longueur[15].

Giuseppe Penone vit et travaille à Turin et Paris (en 2015)[16].

En 2022-2023 une exposition rétrospective a lieu avec les œuvres qu’il a données au Centre Pompidou[17].

Giuseppe Penone. Détail de Cedro di Versailles [Cèdre de Versailles], bois, 2000-2003.

Âgé de vingt-et-un ans, en 1968, il commence son parcours artistique alors que la société et l'art sont en pleins changements[18]. « Le problème était d'arriver à avoir une identité forte [italienne, tout en prenant en compte les artistes américains], mais sans pères[19]. » Rester indépendant de la mass culture américaine, alors dominante. Dans ses sculptures en taille directe ou dans ses moulages il met en valeur les caractères spécifiques des matériaux et produit des formes inédites.

Dans le premier de ses nombreux écrits, Penone se demandait si, emblématiquement, la terre pourrait assimiler et exprimer l'être humain. Depuis, l'artiste a continué à s'interroger sur la terre, considérée comme une substance universelle.

Comme d'autres artistes de l'arte povera, Giuseppe Penone fait preuve d'une sensibilité peu commune en ce qui concerne le corps, et plus particulièrement le corps en relation avec la nature[20]. Son œuvre se caractérise par une interrogation sur la sculpture mais dans son rapport avec l'homme et la nature, et donc sur le temps[21], l'être, le devenir, l'infini, le mouvement. Il pense ainsi la terre, l'air, l'eau, le feu[22]. Convaincu que le paysage est chargé de signes inscrits dans la mémoire des matières végétales, organiques et minérales, il tend dans ses œuvres à révéler une présence humaine autant dans ses sculptures que dans ses dessins. Il veut y intégrer cette sensibilité, cette culture humaine comme s'il ne faisait que la découvrir, la révéler, et il tente de la provoquer, de l'extraire, en créant en particulier des empreintes, mais aussi dans toute son œuvre où tout cet univers dont nous sommes issus apparait comme en nous. Il lie ainsi, indissolublement, humanité et nature[22].

Ainsi ses sculptures sont l'expression d'un paysage intérieur: reflet de la campagne où il a vécu dans sa jeunesse et dans laquelle sa sensibilité artistique s'est largement développée. Il explique que « la forêt était [son] terrain de jeu, elle est devenue [son] laboratoire et [son] atelier[23]. » Son œuvre met également en évidence la métamorphose que le temps produit sur la matière et qui outrepasse le temps humain[18]. Il montre le temps comme instant et éternité, naissance et mort[N 4].

Il a très tôt la volonté d'aller à l'encontre des conventions académiques. En utilisant son corps dans ses premières œuvres il réalise moins des sculptures que des gestes[N 4]. Sa démarche va l'amener à privilégier le processus, au moins autant que l'objet. Le choix des procédés, des matériaux, des techniques de mise en œuvre manifestent la cohérence de l'ensemble du processus. Ainsi le choix du bronze est en cohérence avec la technique de la coulée dont l'artiste précise qu'elle « a pour fondement la chute du bronze fluidifié [...] dans le vide de la matrice [jusqu'aux] ramifications périphériques [...] créant ainsi un mouvement de circulation. [...] Pour les canalisations on a depuis toujours utilisé des tiges de roseau et des branches d'arbres. L'invention, la conception de la fonte du bronze renferme une connaissance profonde et toute une réflexion sur la croissance du végétal[24]. » Il met donc l’accent autant sur le processus[25] créateur que sur l’œuvre, et s'identifie souvent dans ses écrits au fleuve, au souffle, à ce qui est par essence mouvement et vie. Révélant le mouvement incessant au cœur du cycle naturel qui, avec le temps, altère les êtres et les choses, Penone semble faire sien le célèbre adage héraclitien : « Ta Panta Rei » (Τα Πάντα ῥεῖ), tout s’écoule, rien ne reste tel. Ainsi, en plus d'introduire une « time specificity »[26], Penone renforce davantage le parallèle fait entre la nature et l'Homme en l'imitant dans son processus de sculpture et en se comparant directement à elle, notamment dans son premier Arbre de 1969 où il fait retrouver au tronc l'aspect qu'il avait à l'âge de vingt-deux ans, âge de l'artiste au même moment[27].

• 1968 : Alpi Marittime - L'albero ricorderà il contatto [Alpes-Maritimes - L'arbre se souviendra du contact]. Documentation photographique de l'action (l'artiste enserre à bras le corps un tronc sur fond de neige. Le contour de son corps a été tracé par une tige de fer clouée dans l'écorce.)
• 1968-après 1969 : Alpi Marittime - Continuerà a crescere tranne che in quel punto [Alpes-Maritimes - Il poursuivra sa croissance sauf en ce point]. Document photographique de l'action. (L'artiste empoigne un jeune tronc. Il répète ce geste avec une main de fer forgé. Dans les versions suivantes : avec un bronze produit par le moulage de sa main. Le métal est « absorbé » par l'arbre.)
• 1969-après 1970 : Alberi [Arbres]. Poutres décortiquées suivant un anneau de croissance qui mettent en lumière, chaque fois, un jeune tronc avec le départ de ses branches.
• 1970-après 1971 : Rovesciare i propri occhi [Retourner ses propres yeux]. Photographie documentant l'action: lentilles de contact-miroirs.
• 1974-après 1975 : Pressione [Pression]. Fusain sur mur, dimensions déterminées par l'espace de l'installation. (Reproduction monumentale par l'artiste d'un détail de sa peau.
• 1977 : Patate [Pommes de terre]. Empreintes de fragments de son visage occupées par des pommes de terre lors de leur développement, puis transférées dans le bronze doré et disposées dans un monceau de pommes de terre, dimensions déterminées par l'espace de l'installation[28].
• 1978 : Soffio [Souffle]. Terres cuites, de 72 à 158 cm de haut. Dans cette série Penone construit avec de l’argile un moulage de son corps, puis il monte au colombin une « urne », et y ajoute l'empreinte interne de sa bouche au sommet, comme en train de souffler[N 5]. Le tout est cuit. Centre Georges-Pompidou.
• 1998-après 1999 : Respirare l'ombra [Respirer l'ombre] Cages métalliques contenant des feuilles (laurier, thé… selon les versions), bronze doré à la feuille représentant l'appareil respiratoire de l'homme au moyen de « feuilles », dimensions déterminées par l'espace de l'installation.
• 1986 : Verde del bosco [Vert du bois]. Frottage de feuilles et couleurs végétales sur toile, 264 × 583 cm.
• 1999 : L'albero delle vocali [L'Arbre des voyelles]. Moulage en bronze d'un chêne de 30 mètres de long, lettres de bronze, plantations[N 6], installé au Jardin des Tuileries.
• 2001 : Elevazione [Élévation]. Bronze, 4 aulnes et 1 hêtre. 9 × 5,50 × 5,60 m. Rotterdam. Les cinq arbres, en grandissant, en arriveront à envelopper le support métallique de l'arbre de bronze. Les arbres vivants « porteront » alors l'arbre de métal par ses racines.
• 2005 : Spine d'acacia - contatto, maggio 2005 [Épines d'acacia - contact, mai 2005]. Toile, soie, épines d'acacia. 12 éléments de 100 × 120 cm : dim. totales : 300 × 480 cm. Chaque épine correspond à un point sombre sur fond de soie blanche dans cette monumentale représentation des lèvres de l'artiste.
• 2008-après 2008 : Sigillo [Sceau]. Version de 2012 : marbre blanc de Carrare, 54 éléments de 135 × 90 × 3 cm : soit 19,80 × 4,05 m. et un cylindre : D. 47,5 x L. 303 cm, installation au Château de Versailles en 2013.
• 2009 : Propagazione, 2009 [Propogation, 2009]En 2009, dans le cadre d'une commande publique, il a réalisé pour la Chalcographie du Louvre une gravure au vernis mou et à l'eau-forte intitulée Propagazione.
• 2014 : Avvolgere la terra [Envelopper la terre]. Quatorze œuvres au mur : plaques d'aluminium à la surface irrégulière et convexe, dimensions variables (env. 40 × 50 × 10 cm) avec en leur centre une terre cuite. Chaque fois, G. Penone a comprimé dans sa main une petite boule de terre qui a été cuite ensuite.
• 2016 : Arbre à pierre, Dinard, villa Greystones, collection François Pinault.

• 1997 : Carré d'Art, Nîmes
• 2000 : « Epiphanies », Cathédrale d'Evry, Evry
• 2004 : Centre Pompidou
• 2011 : « Des veines, au ciel, ouvertes », au Grand-Hornu
• 2012 : dOCUMENTA (13), à Cassel
• 2012 : « Intersecting Gaze », Gagosian Gallery, Londres
• 2013 : « Ideas of Stone », Madison Square Park, New York
• 2013 : Château de Versailles
• 2014 : Main Room, Arsenal Contemporary, Montreal
• 2014 : « Circling », Gagosian Gallery, London
• 2014 : Installment 2: The Collection, Fondation Louis Vuitton, Paris
• 2014 / 2015 : Musée de Grenoble
• 2015 : « Being the River, Repeating the Forest », Nasher Sculpture Center, Dallas
• 2015 : « New Skin », Aïshti Foundation, Beirut
• 2016 : « Leaves of Stone », Gagosian Gallery, Central, Hong Kong
• 2016 : « J’eus, J’aurai, Je n’ai », Galerie Marian Goodman, Paris
• 2017 : Palazzo della Civiltà Italiana, Rome[29].
• 2018-19 : Yorkshire Sculpture Park
• 2022 : Couvent Sainte-Marie de La Tourette[30]
• 2022-2023 : rétrospective d’œuvres données au Centre Pompidou[17]

• 2001 : Prix Schock dans la catégorie Arts visuels
• 2010 : Chevalier de la Légion d'honneur[31]
• 2014 : Praemium Imperiale dans la catégorie Sculpture
• 2018 : Doctorat honoris causa de l'Université Brown en Fine Arts[32]
• 2022 : Membre de l'Académie des Beaux-Arts[33], il succède au sculpteur sénégalais Ousmane Sow au fauteuil VI des Associés étrangers